Lanzamiento oficial el 29 de Diciembre de 2023 Existen relaciones que no terminan de golpe. Primero empiezan a pesar, después dejan de tener sentido y, finalmente, llega ese momento en el que uno entiende que volver atrás ya no sería una buena idea. «Veneno» de Ceika se mueve precisamente en ese lugar: el de quien todavía recuerda lo vivido, pero ya no quiere seguir expuesto a aquello que le hacía daño. La canción tiene una sensibilidad oscura y cercana. No necesita convertir el desamor en una gran tragedia; le basta con hablar de cicatrices, decisiones equivocadas y una distancia que termina siendo necesaria. ESCUCHAR.. 🎧ARA, CEIKA y The B Brothers convierten el enamoramiento en una razón para dejar de pensar en “Motivos” 🖤 Cuando querer también empieza a doler En «Veneno» hay una persona que parece haber llegado demasiado lejos con sus propias contradicciones. Mientras una parte intenta comprender qué ocurrió, la otra continúa actuando sin medir demasiado las consecuencias. La imagen del veneno funciona como el centro emocional de la canción: no se trata únicamente de alguien que ha hecho daño, sino de la necesidad de impedir que ese daño vuelva a entrar. Por eso el rechazo no suena impulsivo. Hay cansancio detrás de él, pero también una decisión. Ceika consigue transmitir esa sensación de haber pensado demasiado en algo hasta comprender que ya no quedan respuestas capaces de arreglarlo. Las cicatrices aparecen precisamente donde antes faltó atención, y la lluvia que se dejó caer durante demasiado tiempo termina convirtiéndose en una imagen muy apropiada para hablar de todo aquello que se permitió pasar. ESCUCHAR.. 🎧Quizás crecer no consiste en arreglar lo que creemos que está mal: Ernestina – “Cansada de Sanar” 🌙 Dejar de mirar atrás Uno de los aspectos más interesantes de la canción es que no plantea la distancia como una derrota. Al contrario, hay algo de liberación en ese «no quiero tu veneno en mí». Ya no importa tanto quién tuvo razón ni qué podría haberse dicho antes. Lo importante es que ciertas decisiones tienen consecuencias y que, llegado un punto, volver a encontrarse deja de ser una posibilidad deseable. «Veneno» habla así de ese instante incómodo pero necesario en el que dejar de esperar también es una forma de cuidarse. La canción no busca cerrar todas las heridas; simplemente reconoce que algunas personas deben quedarse al otro lado de la puerta. ESCUCHAR.. 🎧Cuando al mirar a la persona que te rompió ya solamente ves decepción: Karen Méndez y José Otero – “La Decepción” ❤️ Esta canción es para ti si… Has querido a alguien que terminó haciéndote más daño del que esperabas 💘 Has llegado a un punto en el que volver atrás ya no tiene sentido 🌙 Hay una persona cuya presencia prefieres mantener lejos de tu vida 🖤 Has pasado demasiado tiempo intentando encontrar explicaciones 💭 Alguien dejó cicatrices que todavía recuerdas 🩹 Has permitido que una situación se alargara mucho más de lo que debías 🌧️ Has visto cómo otra persona incendiaba todo sin preocuparse demasiado por las consecuencias 🔥 Has entendido que poner distancia también puede ser una forma de quererte 🚪 Ya no quieres escuchar promesas que llegan demasiado tarde 🥀 Necesitas una canción que hable de soltar sin convertirlo todo en odio 🎶
Lanzamiento original el 22 de Mayo de 2026 Hay veces en las que no hace falta encontrar una explicación demasiado convincente. Simplemente aparece alguien, te descoloca y empiezas a hacer cosas que antes habrías pensado demasiado. Ese es el punto de partida de “Motivos”, el nuevo lanzamiento de ARA, CEIKA y The B Brothers. La canción se mueve en ese territorio donde la atracción empieza a ganar terreno a la prudencia. Hay deseo, noches que se alargan, alcohol de por medio y una persona que ha conseguido meterse demasiado dentro de la cabeza de quien canta. Pero lo interesante está en cómo esa seguridad inicial comienza a resquebrajarse. Porque aquí no se trata únicamente de querer estar con alguien. Se trata de descubrir que, cuando esa persona aparece, pensar demasiado deja de servir de escudo. ESCUCHAR.. 🎧Quizás crecer no consiste en arreglar lo que creemos que está mal: Ernestina – “Cansada de Sanar” 🌙 Cuando ya no quieres justificar lo que sientes El concepto de “Motivos” aparece precisamente como una especie de respuesta a quienes necesitan explicaciones. La protagonista no quiere convertir lo que está sintiendo en un expediente que tenga que defender ante nadie. Le basta con saber que quiere acercarse, verla más y tenerla a su lado. Esa determinación convive, sin embargo, con una parte mucho más impulsiva. La noche, los tragos y la atracción hacen que las palabras pierdan algo de control. Lo que durante el día podría pensarse mil veces, de madrugada parece mucho más sencillo. Y ahí la canción encuentra uno de sus encantos: no intenta presentar el enamoramiento como algo perfectamente ordenado. Al contrario, lo muestra como ese estado en el que puedes saber perfectamente lo que quieres y, al mismo tiempo, no tener demasiado claro qué estás haciendo. ESCUCHAR.. 🎧Cuando al mirar a la persona que te rompió ya solamente ves decepción: Karen Méndez y José Otero – “La Decepción” Una persona puede cambiarte las certezas de golpe 💫 Uno de los detalles más interesantes de “Motivos” aparece cuando la protagonista reconoce que antes estaba segura de todo. Ahora ya no. Desde que vio a esa persona, algo se ha movido por dentro. La seguridad se transforma en dudas, las dudas se convierten en pensamientos constantes y esos pensamientos terminan agotando. Es el clásico momento en el que alguien consigue alterar una estabilidad que parecía completamente asentada. La imagen del desierto encaja con esa sensación de vacío mental: cuanto más intenta ordenar lo que está pasando, más difícil resulta encontrar una respuesta. Por eso aparece también el deseo de dejar de pensar. No porque haya desaparecido el interés, sino exactamente por lo contrario. Cuando alguien empieza a importarte demasiado, hasta tus propias ideas pueden convertirse en ruido. ESCUCHAR.. 🎧Berlín – K4OS: una ciudad, una noche y ninguna intención de pedir permiso 🖤 Entre perseguirla y dejarse atrapar La canción juega además con una contradicción muy atractiva: quien parece ir detrás de la otra persona termina sintiendo que es ella quien lo ha atrapado. La atracción funciona en ambas direcciones, aunque no necesariamente de una forma equilibrada. Hay una persecución, una cercanía cada vez mayor y esa sensación de acabar completamente enredado en alguien. Los versos también funcionan como una forma de acercamiento. La protagonista quiere que la escuchen, pero no solamente hablar por hablar: utiliza lo que escribe y lo que canta para intentar llegar hasta esa persona. La música se convierte así en otra manera de decir lo que quizá resultaría más complicado explicar cara a cara. ESCUCHAR.. 🎧Finjamos Demencia – Nashy Nashai: fingir que no importa para no descubrir cuánto...
Lanzamiento original el 18 de Febrero de 2014 Existen canciones que parecen estar unidas para siempre a un sonido. “Thunderstruck”, uno de los grandes himnos de AC/DC, pertenece a esa categoría: basta escuchar sus primeros compases para reconocer una energía que lleva décadas asociada a las guitarras eléctricas, al escenario y al vértigo del rock. 2CELLOS decidió enfrentarse a esa identidad desde un lugar completamente distinto. Luka Šulić y Stjepan Hauser convierten sus violonchelos en protagonistas de una interpretación que conserva la electricidad del original, pero la transforma en algo mucho más inesperado. El arco sustituye a la púa, la madera reemplaza a la distorsión y, aun así, la esencia de “Thunderstruck” permanece intacta. 🎸 La electricidad de AC/DC a través de dos violonchelos Publicada originalmente en 1990 dentro del álbum The Razors Edge, “Thunderstruck” nació con vocación de himno. Su riff inicial terminó convirtiéndose en una de las firmas sonoras más reconocibles de AC/DC y en una pieza inseparable de la historia del hard rock. Los instrumentos adquieren una dimensión casi desconocida, capaces de pasar de la precisión de la música clásica a una intensidad cercana al rock más visceral. No se trata únicamente de reproducir las notas: hay una interpretación física, apasionada y escénica que consigue trasladar la actitud de la canción a un universo completamente diferente. El violonchelo deja de ser un acompañamiento para convertirse en una auténtica voz de rock. 🔥 Una interpretación que no necesita imitar a AC/DC Lo más interesante de esta versión es que 2CELLOS no intenta competir con la grabación original y al mismo tiempo, la transforma. La fuerza de “Thunderstruck” no procede aquí de los amplificadores ni de las guitarras, sino de la tensión creada entre los dos violonchelos, del diálogo entre Šulić y Hauser y de una ejecución que parece empujar constantemente la melodía hacia delante. Hay algo casi teatral en la manera de tocarla. Los instrumentos se mueven, responden y se enfrentan entre sí mientras la pieza avanza con una energía que contradice cualquier idea preconcebida sobre lo que debería sonar un violonchelo. 🎻 Cuando la música clásica pierde el miedo al rock 2CELLOS construyó buena parte de su identidad precisamente alrededor de esa libertad. Luka Šulić y Stjepan Hauser demostraron que un instrumento con siglos de tradición puede dialogar con el rock, el pop y otros lenguajes contemporáneos sin tener que renunciar a su propia personalidad. “Thunderstruck” representa uno de sus ejercicios más reconocibles en esa dirección. La elegancia del instrumento permanece, pero cambia completamente su actitud. El sonido conserva su profundidad y su carácter orgánico mientras la interpretación incorpora la energía, el riesgo y la teatralidad propias de un escenario de rock. Es ahí donde la versión encuentra su verdadera personalidad. 🌩️ La tormenta sigue siendo la misma Quizá la mayor virtud de esta interpretación sea que, después de todos los cambios, “Thunderstruck” continúa sintiéndose como “Thunderstruck”. Ese es el verdadero desafío de una versión: cambiar la forma sin destruir aquello que hacía especial a la canción. Dos violonchelos son suficientes para devolverle a este clásico de AC/DC toda su tensión, su velocidad y su carácter desafiante, demostrando una vez más que los géneros musicales pueden ser fronteras mucho más frágiles de lo que parecen. Porque algunas canciones nacieron para hacer ruido y otras, simplemente necesitan encontrar una nueva forma de rugir.
Lanzamiento oficial el 8 de Octubre de 2021 Existen canciones que parecen pertenecer a todo el mundo. “What A Wonderful World” es una de ellas: una melodía asociada a la esperanza, a la belleza de las pequeñas cosas y a esa capacidad de encontrar luz incluso cuando el mundo parece empeñado en mostrarnos lo contrario. Ahora, David Garrett recupera este clásico y lo lleva a un territorio donde su violín se convierte en la voz principal. El resultado conserva la esencia reconocible de la composición, pero adquiere una nueva dimensión gracias a una interpretación elegante, emocional y profundamente personal. 🎻 Un clásico que vuelve a respirar “What A Wonderful World” fue popularizada por Louis Armstrong en 1967 y terminó convirtiéndose en una de las canciones más reconocibles de la música popular del siglo XX. Su mensaje es sencillo precisamente porque habla de cosas que todos podemos reconocer: el cielo, los árboles, las flores, las personas y esos pequeños instantes que hacen que la vida merezca la pena. David Garrett no necesita competir con la versión original. Su propuesta consiste en dejar que la melodía hable a través del violín, sustituyendo la voz por una interpretación cargada de matices. El instrumento adquiere así una dimensión casi humana. Hay momentos de delicadeza y otros de mayor intensidad, pero siempre permanece esa sensación de contemplación que forma parte de la identidad de la canción. La belleza también puede encontrarse en lo cotidiano ✨ Una de las razones por las que “What A Wonderful World” ha conseguido sobrevivir durante generaciones es que no necesita grandes acontecimientos para hablar de felicidad. Su mirada está puesta en lo cotidiano. En un mundo acostumbrado a correr detrás de lo extraordinario, la canción recuerda que la belleza puede estar escondida en aquello que normalmente dejamos de mirar. La versión de Garrett refuerza precisamente esa sensación. Su violín permite que la melodía respire y que cada frase tenga espacio para transmitir nostalgia, serenidad y esperanza. No hay necesidad de exagerar el mensaje. La música funciona porque reconoce algo muy humano: a veces necesitamos detenernos para recordar todo aquello que todavía merece la pena. 🎼 David Garrett y otra forma de acercarse a la música clásica David Garrett ha construido buena parte de su carrera alrededor de una idea muy concreta: acercar el lenguaje del violín y de la música clásica a públicos que quizá no se sienten identificados con los formatos tradicionales. Su manera de interpretar combina técnica, sensibilidad y una clara vocación por cruzar fronteras entre estilos. Con “What A Wonderful World”, esa filosofía encuentra un material perfecto. Es un clásico universal que puede sobrevivir prácticamente a cualquier transformación porque la emoción de su melodía está por encima de una época concreta. Garrett simplemente cambia la perspectiva. La voz desaparece y aparece el violín. La canción deja de sentirse como una interpretación vocal tradicional y adquiere un carácter más cinematográfico, casi como si estuviéramos observando el mundo desde la distancia. 🌎 Una canción para volver a mirar alrededor Quizá lo más bonito de esta versión sea precisamente su sencillez. En lugar de intentar reinventar completamente “What A Wonderful World”, David Garrett parece recordar por qué esta canción continúa emocionando décadas después de su lanzamiento. Porque, incluso cuando todo parece complicado, siguen existiendo pequeñas cosas capaces de devolvernos la sensación de estar vivos. Una melodía conocida. Un violín. Un paisaje. Una persona querida. Una mañana tranquila. A veces, para encontrar un mundo maravilloso, no hace falta que el mundo cambie: Solo hace falta volver a mirarlo.
Existen canciones que hablan de dinero sin hablar realmente de dinero. “King of Coins”, la nueva colaboración de Lindsey Stirling y ARKAI, utiliza esa figura para explorar algo mucho más profundo: el poder, la ambición y la necesidad de decidir cuánto estamos dispuestos a sacrificar para conseguir aquello que perseguimos. La unión entre la violinista y compositora estadounidense Lindsey Stirling y el colectivo instrumental ARKAI da forma a un lanzamiento donde la música instrumental adquiere una dimensión casi cinematográfica. “King of Coins” no necesita grandes discursos para transmitir su mensaje. La tensión está en la propia música, en el contraste entre delicadeza y fuerza que caracteriza a ambos proyectos. Una lucha entre ambición y libertad ⚔️ El título, “King of Coins”, evoca inmediatamente la imagen de alguien que ha conseguido acumular poder y riqueza, pero también plantea una pregunta incómoda: ¿qué ocurre cuando tener más deja de significar vivir mejor? La canción parece moverse precisamente por ese territorio. Hay una sensación de ascenso, de conquista y de grandeza, pero también algo más inquietante debajo de esa superficie. Es como contemplar a alguien que ha llegado hasta lo más alto y descubrir que, desde allí, la cima puede ser un lugar bastante solitario. Lindsey Stirling lleva años construyendo un lenguaje propio alrededor del violín, mezclando música clásica, electrónica, pop y una fuerte dimensión visual. ARKAI, por su parte, trabaja desde una perspectiva contemporánea de la música de cuerda, acercándola a territorios donde conviven la composición clásica, el rock, la electrónica y la experimentación. En “King of Coins”, esas dos sensibilidades encuentran un punto de encuentro especialmente poderoso. Cuando el violín se convierte en protagonista 🎻 Uno de los grandes atractivos del lanzamiento está precisamente en la capacidad de contar una historia sin depender de una estructura vocal tradicional. El violín de Stirling aporta dramatismo, mientras que la presencia de ARKAI amplía el espacio sonoro y genera una sensación de movimiento constante. El resultado tiene algo de banda sonora para una historia todavía por escribir: momentos de tensión, expansión y resolución que parecen conducir al oyente por diferentes estados emocionales. Y ahí está buena parte de la magia de “King of Coins”. No es simplemente una pieza para escuchar de fondo. Es una canción instrumental que busca provocar imágenes en la cabeza, como si cada cambio de intensidad representara una nueva escena. Una colaboración que une dos mundos ✨ Lindsey Stirling ha demostrado durante años que el violín puede escapar de los límites tradicionales de la música clásica y convertirse en el centro de propuestas completamente contemporáneas. ARKAI comparte precisamente esa voluntad de romper fronteras. Su propuesta parte de instrumentos de cuerda, pero no entiende las etiquetas como límites. “King of Coins” funciona, por tanto, como una colaboración natural: dos proyectos que utilizan la música de cuerda para hablar un lenguaje moderno, emocional y profundamente visual. Más allá del virtuosismo instrumental, el lanzamiento deja una sensación clara: el poder puede ser fascinante, pero también puede convertirse en una jaula cuando pasa a controlar nuestras decisiones. Y quizá esa sea la verdadera pregunta que deja “King of Coins”: ¿somos nosotros quienes poseemos las monedas o terminan siendo ellas las que nos poseen a nosotros?
Hoy 14 de septiembre de 2024, se cumplen veinticinco años de su muerte. Y en cada soplido rasgado, en cada nota que parecía romper la caña del saxofón, en cada instrumental que capturó el humo, el bourbon y el neón de los clubs nocturnos, Chuck Higgins sigue vivo. Porque él no fue solo un saxofonista de R&B: fue uno de los últimos grandes “honkers” de Los Ángeles, el puente viviente entre el jazz de la posguerra y la rebeldía del rock and roll, y el hombre que le enseñó al mundo que el saxo no es solo un instrumento de metal, sino una extensión de las cuerdas vocales. Hay artistas que tocan para llenar salas de conciertos. Y hay artistas que tocan para hacer sudar, para hacer gritar y para que el alma se salga del cuerpo, y en el proceso, se convierten en leyenda en las calles. Chuck Higgins perteneció a esta segunda estirpe. Fue saxofonista, cantante, showman y, sobre todo, un maestro absoluto del R&B instrumental. Pero si hay algo que definió su vida, fue su relación con la escena de Central Avenue en Los Ángeles: grabó himnos absolutos del jump blues en los años cincuenta, vio cómo la industria lo dejaba atrás cuando los gustos cambiaron, trabajó en empleos anónimos para sobrevivir y luego fue rescatado por una nueva generación de puristas que entendieron que su sonido era la sangre misma del rock and roll. Sin Chuck Higgins, el R&B de la costa oeste no tendría su garra más salvaje. Y sin Chuck Higgins, el saxofón de rock habría sonado mucho más educado. Charles Higgins nació en Texas (algunas fuentes apuntan a finales de los años veinte o principios de los treinta) y falleció en Los Ángeles, California, el 14 de septiembre de 1999. Veinticinco años después, su figura sigue siendo un recordatorio de que, en la música, los sonidos más grandes no son los más limpios, sino los que más rugen. De Texas a Central Avenue: el nacimiento del “Honk” Higgins creció en el sur, absorbiendo el blues de las carreteras y el góspel de las iglesias, pero fue en Los Ángeles donde encontró su verdadera voz. En los años cuarenta y cincuenta, la avenida Central de LA era el epicentro del R&B, un lugar donde el jazz saltaba, el blues se electrificaba y el ritmo no paraba. Allí, Higgins desarrolló su estilo. No le interesaba tocar el saxofón con la delicadeza de un músico de jazz tradicional. Él quería que el instrumento gritara, llorara y rugiera. Se convirtió en un maestro del “honking” (esa técnica de soplar con tanta fuerza y pasión que las notas se quiebran y se convierten en un alarido). En el escenario, Higgins no se quedaba quieto: tocaba tumbado en el suelo, haciendo el splitt, o caminando entre el público, haciendo que el saxofón sonara como una locomotora a punto de descarrilar. Los años de RPM y Modern: los himnos del asfalto A principios de los años cincuenta, el sello RPM Records (y su filial Modern) fichó a Higgins. De esas sesiones en estudios destartalados nacieron joyas absolutas del R&B instrumental. En 1953, grabó “Hog Town”, un tema crudo, grasiento y adictivo que se convirtió en un éxito en las máquinas de discos de los clubs negros. Dos años después, en 1955, lanzó “Peg Leg” para Modern Records, una pista aún más agresiva, donde su saxofón parecía arrancar chispas del vinilo. Canciones como “Port in the Storm” completaban un repertorio que definía el sonido de una época: música hecha para bailar, para beber y para olvidar los problemas de la...
Hoy 14 de septiembre de 2024, se cumplen veintiséis años de su muerte. Y en cada nota aguda que desafía la gravedad, en cada lamento que huele a pantano y a bourbon, en cada canción que capturó el dolor y la gloria del sur profundo, Johnny Adams sigue vivo. Porque él no fue solo un cantante de R&B: fue el último gran emperador del soul de Nueva Orleans, el puente viviente entre el góspel de los años cincuenta y la sofisticación del jazz, y el hombre que le enseñó al mundo que el soul no es solo cantar afinado, sino sangrar en el micrófono. Hay artistas que graban discos para las listas de éxitos. Y hay artistas que cantan para salvar su propia alma, y en el proceso, se convierten en leyenda entre los músicos. Johnny Adams perteneció a esta segunda estirpe. Fue compositor, intérprete y sobre todo, poseedor de una de las voces más extraordinarias de la historia de la música afroamericana. Pero si hay algo que definió su vida, fue su relación con su ciudad: nació en los barrios de Nueva Orleans, desarrolló un falsete que parecía tocar el cielo, grabó clásicos del R&B en los años sesenta, y luego desapareció en el olvido durante décadas, trabajando como pintor de brocha gorda y taxista, solo para ser rescatado por una nueva generación que reconoció su genialidad. Sin Johnny Adams, el R&B de Nueva Orleans no tendría su voz más pura. Y sin Johnny Adams, el soul de los años noventa habría sonado mucho más vacío. John Louis Adams nació en Nueva Orleans, Luisiana, el 5 de enero de 1932, y falleció en Baton Rouge, Luisiana, el 14 de septiembre de 1998, a los 66 años. Veintiséis años después, su figura sigue siendo un recordatorio de que, en la música, las voces más grandes no son las que más gritan, sino las que más verdad contienen. De los coros góspel a la jaula de oro: el origen del “Canario Tostado” Johnny Adams creció en el Séptimo Barrio de Nueva Orleans, rodeado de la música que brotaba de las iglesias y de las calles. Desde niño, cantó en coros góspel, donde su voz comenzó a destacar de manera sobrenatural. Poseía un rango de más de cuatro octavas y un falsete que podía pasar de la suavidad del terciopelo a un llanto desgarrador en un solo segundo. La prensa musical local pronto le puso un apodo que lo acompañaría para siempre: “The Tan Canary” (El Canario Tostado). El “canario” era por su capacidad para volar en las notas más altas y cristalinas; “tostado” era un guiño a su piel y a las raíces profundas de la comunidad negra de Luisiana. Pero ese apodo también escondía una metáfora más triste: como un canario en una jaula, su talento era inmenso, pero la industria musical de la época tenía las alas cortadas para los artistas negros de provincias que no encajaban en los moldes de Motown o Stax. Los años de Ric Records: el rey local que casi conquistó el mundo A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, Adams firmó con el sello local Ric Records. Allí grabó algunas de las joyas más brillantes del R&B sureño. Su versión de “Release Me” (1961) se convirtió en un éxito rotundo en las listas de R&B, y temas como “A One Way Ticket” y “A Losing Battle” demostraron que tenía el carisma y la voz para codearse con Sam Cooke o Otis Redding. Sin embargo, la “Invasión Británica” y el cambio de los gustos musicales a mediados de los sesenta...
Hoy 14 de septiembre de 2026, se cumplen siete años de su muerte. Y en cada punteo de bouzouki, en cada melodía de gaita que resuena en el valle del Nalón, en cada canción que capturó la esencia de la tradición asturiana, Elías García sigue vivo. Porque él no fue solo un músico folk: fue el arquitecto del sonido celta asturiano moderno, el puente viviente entre la tradición oral y la música de escenario, y el hombre que le enseñó al mundo que el folk no es solo un género, sino una forma de honrar las raíces. Hay artistas que graban discos para la historia. Y hay artistas que viven la historia en los pueblos, en las fiestas tradicionales y en las escuelas de música, y en el proceso, se convierten en leyenda antes de que el mundo se acuerde de ellos. Elías García perteneció a esta segunda estirpe. Fue multiinstrumentista, compositor, profesor y, sobre todo, un guardián excepcional de la memoria musical asturiana. Pero si hay algo que definió su vida, fue su relación con Llan de Cubel: fundó el grupo en 1984 con apenas 16 años, introdujo el bouzouki en Asturias cuando nadie lo conocía, grabó discos que cambiaron para siempre la música tradicional del norte y luego en tres décadas de carrera incansable, se convirtió en el referente obligado para todas las generaciones que vendrían después. Sin Elías García, el folk asturiano no tendría su sonido más auténtico. Y sin Elías García, la música celta española habría sonado muy distinta. Elías García Sánchez nació en Oviedo, Asturias en 1968, y falleció en Meres (Siero) el 14 de septiembre de 2019, a los 51 años. Siete años después, su figura sigue siendo un recordatorio de que en la música tradicional, los mitos más grandes son los que se forjan en los pueblos y en las escuelas de música. De Oviedo al bouzouki: el músico que revolucionó el folk asturiano Elías García creció en Oviedo con una doble pasión que marcaría su vida: la biología y la música. Se formó como biólogo y se especializó en ornitología, publicando libros y artículos que resultarían «esenciales» para el desarrollo de esta ciencia en Asturias. Pero desde muy joven, la música folk asturiana se convirtió en su verdadero llamado. Como músico, fue un verdadero polímata del sonido. Tocaba la gaita, el violín, la flauta, la guitarra y el bajo. Pero su gran contribución fue introducir el bouzouki en Asturias, ese instrumento de cuerda de origen balcánico que hasta entonces era ajeno a la tradición musical del norte de España. Elías no solo lo trajo: lo hizo suyo, lo adaptó a las melodías asturianas y creó un sonido único que mezclaría lo celta con lo mediterráneo. Los años de Llan de Cubel: la fundación de una leyenda En 1984, con apenas 16 años, Elías García fundó Llan de Cubel junto con Fonsu Mielgo, Susi Bello, Daniel Lombas, Guzmán Marqués y Marcos Llope. Lo que comenzó como un proyecto juvenil se convertiría en el grupo que más contribuyó a la evolución de la música tradicional asturiana. De esas primeras sesiones nacieron discos seminales como “Deva” (1987), “Na Llende” (1990), “L’Otru Llau de la Mar” (1992) y “IV” (1995), donde canciones como “La Molinera”, “Pasucáis d’Amieva”, “Alborada’l Tigre Xuan” y “Saltón de Meres” se convertirían en himnos del folk asturiano. Llan de Cubel revitalizó y difundió la música folk asturiana en todo el arco atlántico, siendo un referente obligatorio para varias bandas que vendrían después. Más allá de Llan de Cubel: un músico incansable Pero Elías García no era hombre de un solo proyecto....
Hoy 14 de septiembre de 2024, se cumplen cuarenta y tres años de su muerte. Y en cada riff de slide guitar, en cada historia interminable sobre trenes y fantasmas, en cada canción que capturó el polvo y el sudor del Delta, Furry Lewis sigue vivo. Porque él no fue solo un bluesman: fue el último juglar de Memphis, el puente viviente entre los años veinte y la revolución del rock, y el hombre que le enseñó al mundo que el blues no es solo un género, sino una forma de sobrevivir. Existen artistas que graban discos para la historia. Y hay artistas que viven la historia en la calle, y en el proceso, se convierten en leyenda antes de que el mundo se acuerde de ellos. Furry Lewis perteneció a esta segunda estirpe. Fue guitarrista, cantante, compositor y, sobre todo, un narrador excepcional. Pero si hay algo que definió su vida, fue su relación con Beale Street: perdió una pierna en un accidente de tren, aprendió a tocar la guitarra con una navaja de bolsillo, grabó unos pocos discos en los años veinte que cambiaron la música, y luego desapareció en el olvido durante décadas, solo para ser rescatado por la generación que él mismo había inspirado. Sin Furry Lewis, el blues de Memphis no tendría su rostro más auténtico. Y sin Furry Lewis, el rock de los años sesenta y setenta habría sonado muy distinto. Walter E. “Furry” Lewis nació en Greenwood, Mississippi, el 6 de marzo de 1893, y falleció en Memphis, Tennessee, el 14 de septiembre de 1981, a los 88 años. Cuarenta y tres años después, su figura sigue siendo un recordatorio de que en la música, a veces, los mitos más grandes son los que se forjan en las esquinas y en las vías del tren. De Mississippi a las vías del tren: el accidente que forjó la leyenda Furry Lewis creció en el Delta de Mississippi, en el seno de una familia de aparceros. Desde joven, la música fue su refugio. Aprendió a tocar la guitarra de oído, absorbiendo los sonidos de los campos de algodón y las fiestas de los sábados por la noche. Pero su vida dio un giro drástico cuando era apenas un adolescente: mientras intentaba subirse a un tren en movimiento, sufrió un terrible accidente que le destrozó la pierna izquierda. En una época y un lugar donde la atención médica para un joven negro y pobre era inexistente, la pierna tuvo que ser amputada. Lewis se fabricó su propia prótesis con un trozo de madera y un palo de escoba. Pero el accidente también cambió su forma de tocar: al no poder sostener la guitarra de manera tradicional, comenzó a tocarla apoyada sobre su regazo o de pie, deslizando una navaja de bolsillo o un cuello de botella sobre las cuerdas. Así nació su inconfundible sonido de slide, un tono metálico, arrastrado y hipnótico que se convertiría en su sello personal. Los años de Vocalion: la primera voz del Delta A finales de los años veinte, Lewis se mudó a Memphis y se integró en la efervescente escena de Beale Street. Su talento era tal que en 1927 y 1928 fue llamado por el sello Vocalion para grabar en Memphis. De esas sesiones nacieron joyas absolutas del blues como “Kassie Jones” (una épica de quince minutos que cuenta la historia de un maquinista de tren), “I Will Turn Your Money Green” y “Big Chief Buffalo Nickel”. Sin embargo, la Gran Depresión golpeó la industria discográfica y los discos de blues dejaron de venderse. Las sesiones de Lewis...
El mundo del rap dominicano vuelve a quedar marcado por una tragedia. Alexis Delgado Ortiz, conocido artísticamente como Diddy Glow y apodado “La Bestia”, murió tras recibir varios impactos de bala durante una balacera ocurrida el sábado 12 de septiembre en Boca Chica, provincia Santo Domingo. Tenía una trayectoria vinculada especialmente al freestyle y a la escena urbana de República Dominicana. El tiroteo dejó además otra víctima mortal, identificada como Jonathan Villanueva alias Cotuí, y cinco personas heridas. Lo que inicialmente se presentó como un ataque cuyas circunstancias todavía estaban por determinar ha comenzado a adquirir nuevos matices después de las primeras declaraciones de la Policía Nacional dominicana. Diddy Glow murió en un ataque que, según la Policía, iba dirigido a otra persona 🔎 De acuerdo con el vocero de la Policía Nacional, coronel Diego Pesqueira, los disparos no estaban dirigidos contra Diddy Glow ni contra la otra víctima mortal, sino contra una de las personas que se encontraba junto al grupo en el momento del ataque. La investigación apunta a que los responsables llegaron en un vehículo y abrieron fuego contra los presentes. Las autoridades trabajan ahora para identificar a los ocupantes de ese automóvil y determinar con precisión qué ocurrió. Hasta el momento, unas diez personas han sido entrevistadas y la Policía está recopilando imágenes de cámaras de seguridad de establecimientos de la zona, además de las correspondientes al Sistema de Emergencias 9-1-1. El resultado fue devastador: dos personas fallecidas y cinco heridas. Los heridos fueron identificados como Alexis José Castro, Manuel Alberto Perdomo, Javier Reyes, Albert Ozuna Beato e Ismael Novoa Mejía. De las calles de Boca Chica a una trayectoria marcada por el freestyle 🎤 La muerte de Diddy Glow ha causado especial impacto porque no se trataba únicamente de un artista vinculado a la música urbana. Delgado Ortiz había construido buena parte de su identidad artística alrededor del rap improvisado y las batallas de freestyle. Según los perfiles difundidos tras su fallecimiento, acumuló más de 60 victorias en batallas de improvisación, convirtiéndose en un rostro conocido dentro de la escena urbana dominicana. Su propuesta estaba marcada por la espontaneidad, el humor y una manera directa de entender el rap. Elementos que le permitieron hacerse un hueco entre los seguidores del freestyle y reunir una comunidad alrededor de su música y sus apariciones en la escena. Además, su relación con Boca Chica hacía especialmente cercana su figura para quienes compartían su entorno. Allí se encontraba junto a personas conocidas cuando se produjo la balacera que terminó arrebatándole la vida. La familia ha defendido que Diddy Glow quedó atrapado en una situación que no tenía como objetivo, una circunstancia que coincide con la primera explicación ofrecida por la Policía sobre el ataque. El dolor de una familia y de toda una escena musical 🖤 La noticia provocó rápidamente muestras de tristeza entre artistas, freestylers y figuras de la cultura urbana dominicana. Su madre explicó ante los medios que el joven se encontraba compartiendo con amistades cuando comenzaron los disparos. Sus palabras reflejaron la dimensión de una pérdida que, para sus allegados, resulta todavía difícil de comprender. La familia reclama que se haga justicia y que las autoridades puedan esclarecer completamente lo ocurrido, identificar a los responsables y determinar las circunstancias que desembocaron en la balacera. También llegaron mensajes desde algunos de los nombres más reconocidos de la escena urbana dominicana. Santiago Matías, conocido como Alofoke, lamentó públicamente la muerte del rapero y destacó su talento, su carácter y su dedicación al freestyle. El impacto también alcanzó a Lápiz Consciente, quien durante una presentación en el United...