Existen personas que convierten su propia versión de la realidad en una verdad imposible de discutir. Nunca se equivocan, siempre tienen una explicación y cualquier dolor que provocan termina siendo culpa de alguien más. En “SEE URSELF AS A GOD”, Kami Kehoe se enfrenta precisamente a esa clase de personalidad, construyendo una canción que funciona como una advertencia directa contra el ego desmedido, la incapacidad de reconocer los propios errores y la soledad que puede aparecer cuando ya no queda nadie dispuesto a soportar ese comportamiento. La canción no intenta convencer a esa persona de que cambie mediante la ternura. Su tono es mucho más frontal: si sigues creyendo que todo gira alrededor de ti, llegará un momento en el que no quedará nadie para adorarte. El título resume la contradicción que atraviesa todo el tema: alguien puede sentirse superior a todos los demás y, sin embargo, estar cada vez más cerca de quedarse completamente solo. ESCUCHAR.. 🎧Heart Attack de Kami Kehoe: el miedo a perder a alguien que lo es todo 🪞 El ego que convierte cualquier error en culpa ajena Desde el principio, Kami Kehoe retrata a alguien completamente encerrado en sí mismo. Tiene poco interés por lo que sienten los demás porque toda su atención está concentrada en su propia percepción. El problema no es únicamente que tenga demasiado ego, sino que ese ego le impide reconocer cuándo ha hecho daño. La canción insiste en una idea especialmente dura: esa persona ni siquiera parece darse cuenta de que ha caído. Está tan convencida de tener razón que no puede observar su propia situación desde fuera. Mientras los demás ven las consecuencias de sus actos, ella continúa interpretando el mundo desde una posición de superioridad. Por eso aparece la necesidad de “get some help” y ponerse bien antes de que la cabeza se eleve todavía más. No es una invitación amable a buscar ayuda, sino una advertencia de que el orgullo también puede convertirse en una forma de autodestrucción. 🔥 El infierno que no reconoce hasta que ya está dentro Una de las imágenes más potentes de “SEE URSELF AS A GOD” es la de alguien que cae en su propio infierno sin ser consciente de ello hasta que ya está ardiendo. La metáfora encaja perfectamente con el personaje que construye la canción: una persona tan concentrada en demostrar que tiene razón que no consigue ver cómo sus propias decisiones están destruyendo sus relaciones. El problema es que reconocer el daño exigiría algo que este personaje parece incapaz de hacer: aceptar que puede equivocarse. Y mientras mantenga esa idea de superioridad, cualquier crítica podrá convertirse en un ataque y cualquier consecuencia podrá atribuirse a otra persona. La canción plantea así una especie de círculo vicioso. Cuanto más convencido está de su propia perfección, menos capacidad tiene para escuchar; cuanto menos escucha, más daño provoca; y cuanto más daño provoca, más personas terminan alejándose. ESCUCHAR.. 🎧Ur Gone de Kami Kehoe: cuando la persona que prometió quedarse desaparece justo cuando más la necesitas 👑 Verse como un dios también puede significar quedarse solo El estribillo lleva esa idea al extremo. La persona protagonista de la canción se considera prácticamente intocable, pero Kami Kehoe le recuerda que llegará un día en el que caerá y ya no habrá nadie dispuesto a rendirle admiración. Ahí el título adquiere todo su significado. “SEE URSELF AS A GOD” no es una descripción positiva, sino una acusación contra alguien que ha confundido autoestima con superioridad. Creerse un dios no te convierte en alguien poderoso si al final no queda nadie a tu lado. La...
Rock Alternativo
El músico estadounidense, que formó parte de Weezer durante la grabación del “Green Album”, falleció el 8 de octubre de 2011 en un hotel de Chicago a los 40 años. Su muerte, por una sobredosis accidental, puso fin a una segunda vida como pintor que lo había reconciliado con el arte y, quizá, consigo mismo. Michael Edward “Mikey” Welsh nació el 20 de abril de 1971 en Siracusa, Nueva York. Creció en una casa donde el arte no era un adorno, sino una presencia cotidiana. Su padre era pintor, y él mismo se formó como artista visual antes de que la música le cambiara la vida a los diecinueve años. “Fue un pintor antes de pasarse a la música”, resume su biografía oficial. Esa frase, que en su momento pudo parecer una nota al margen, resultó ser la clave de todo su recorrido: el arte fue su primer lenguaje, y el último al que regresó. Antes de Weezer, Welsh se curtó en la escena de Boston, tocando en bandas como Slost, Chevy Heston, Jocobono, Left Nut y Heretix, y girando con Juliana Hatfield. Eran años de locales pequeños, furgonetas compartidas y un aprendizaje que no se enseña en ningún conservatorio. En 1997 conoció a Rivers Cuomo, que lo reclutó para su proyecto paralelo, y un año después, cuando Matt Sharp dejó Weezer, Welsh ocupó su lugar en el bajo. El “Green Album”: el disco que lo inmortalizó La etapa de Welsh en Weezer fue breve, pero dejó una huella imborrable. Fue el bajista del Weezer homónimo de 2001, conocido por todos como el Green Album, el disco que devolvió a la banda a la primera línea del rock alternativo tras varios años de silencio. Producido por Ric Ocasek, fue el único álbum de estudio de Weezer en el que Welsh participó. Canciones como “Hash Pipe”, “Island in the Sun” y “Photograph” llevan su bajo, su groove y su energía. En agosto de 2001, sin embargo, abandonó la banda. La versión oficial habla de un colapso nervioso y de problemas de salud derivados del consumo de drogas. Welsh había luchado contra la adicción antes, y aquella gira lo llevó al límite. “Dejó la banda después de sufrir una crisis nerviosa”, confirmaba el sitio oficial de Weezer en aquel momento. Fue reemplazado por Scott Shriner, que sigue siendo el bajista del grupo hasta hoy. La reinvención: de los escenarios a los estudios de arte Lo que vino después no fue un declive, sino una reinvención. Welsh se retiró de la música para dedicarse por completo a la pintura. Se instaló en Burlington, Vermont, y construyó una carrera como artista visual que, en muchos sentidos, fue más satisfactoria que la musical. Sus obras eran coloridas, instintivas y expresivas, pobladas de figuras primitivas a gran escala y abstractos que deconstruían su propio trabajo figurativo. Sus referentes eran Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Picasso y Basquiat. Diseñó murales para parques de skate y tablas de skate y snowboard. “Sus obras son coloridas, instintivas y expresivas”, resumía una galería que expuso su trabajo. En 2006, una periodista que visitó su apartamento de Inman Square lo describió como un campo de batalla de pintura: “He hecho 17 cuadros en los últimos cuatro días”, le dijo Welsh. La urgencia creativa que había abandonado en la música la había recuperado en el lienzo. El tuit premonitorio Dos semanas antes de su muerte, Welsh escribió en Twitter algo que después se convirtió en un escalofriante testimonio: “Soñé que moría en Chicago el próximo fin de semana (ataque al corazón mientras dormía). Necesito escribir mi testamento hoy”. Lo publicó el 26...
Unai Maaz entra en “SOY UN IDIOTA” desde una situación que resulta dolorosamente reconocible: dos personas que en algún momento parecían tenerlo todo por delante terminan atrapadas en un silencio que ninguno sabe cómo romper. La canción resume ese recorrido en muy poco tiempo, pasando de compartir planes y miradas cargadas de significado a comportarse como si entre ambos ya no quedara absolutamente nada. Lo más doloroso, sin embargo, es que ni siquiera parece existir una conversación definitiva que haya puesto punto final a la relación; simplemente se han ido alejando mientras intentaban proteger su propia razón. Ahí aparece una de las ideas centrales del tema: quizá ninguno de los dos quería realmente llegar hasta ese lugar. El problema es que defenderse, tener razón o esperar a que sea el otro quien dé el primer paso puede convertirse en una competición absurda cuando lo que está en juego es mucho más importante que ganar una discusión. Por eso el título adquiere otro significado a medida que avanza la canción: llamarse “idiota” no es tanto despreciarse como reconocer que, a veces, uno mismo participa en la pérdida de aquello que más le importa. 🧠 Cuando tener razón termina siendo lo menos importante El conflicto de “SOY UN IDIOTA” no nace de la falta de sentimientos, sino precisamente de que los sentimientos siguen ahí mientras el orgullo impide acercarse. Los dos parecen saber que algo se ha roto, pero ninguno encuentra la manera de cruzar esa distancia. El protagonista incluso admite que ya no sabe quién de los dos debería dar el paso, como si ambos estuvieran esperando una señal que permita dejar atrás esa guerra silenciosa. La canción encuentra su mayor fuerza en esa incertidumbre porque no presenta a uno de los dos como culpable absoluto. La pregunta sobre quién es más tonto queda abierta, y probablemente esa sea la respuesta: los dos pierden mientras intentan demostrar quién tiene razón. En lugar de solucionar el problema, el orgullo consigue que una relación que parecía especial empiece a parecer imposible, y esa sensación de estar viendo cómo algo valioso se deteriora sin saber cómo detenerlo atraviesa todo el tema. 🚪 Una puerta que todavía quiere permanecer abierta La imagen de abrir una puerta mientras existe el miedo de que la otra persona la cierre resume muy bien el momento emocional en el que se encuentra el protagonista. Hay una voluntad clara de permitir que el otro vuelva a entrar, pero también aparece el temor de que, precisamente cuando uno decide acercarse, el otro ya haya elegido marcharse definitivamente. Es una posición vulnerable porque implica abandonar la seguridad del orgullo y aceptar que todavía existe algo por lo que merece la pena luchar. Por eso la frase que da nombre a la canción funciona como una especie de confesión. Sí, quizá sea un idiota por seguir apostando por algo que podría terminar mal, pero prefiere asumir ese riesgo antes que mirar hacia otro lado y conocer a otra persona simplemente para evitar volver a hacerse daño. Esa elección convierte la canción en algo más esperanzador de lo que podría parecer al principio: todavía existe la posibilidad de arreglarlo y, sobre todo, todavía existe el deseo de intentarlo. 🔥 Arriesgarse antes que quedarse con la duda La segunda parte de “SOY UN IDIOTA” cambia ligeramente el tono porque el protagonista deja de preguntarse quién tiene la culpa y empieza a preguntarse qué pueden perder si vuelven a intentarlo. Después de todo, ya sabe lo que significa estar separados y reconoce que, aunque continúe con su vida, la otra persona sigue apareciendo en sus...
Existen canciones que nacen de una herida y otras que intentan encontrar un lugar desde el que poder contemplarla. “Olivos”, una de las canciones de Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS), pertenece a esa segunda categoría. Arde Bogotá utiliza la imagen de un olivo viejo, seco y vencido por sus propias ramas para hablar de una persona que se siente atrapada dentro de sí misma, cansada de cargar con pensamientos que ya no sabe cómo silenciar. Desde sus primeros versos, la canción se mueve en un territorio oscuro. Imaginar la propia muerte aparece como una forma de relajarse y de conseguir que las palabras dejen de hacer ruido. No se presenta como una respuesta ni como una solución, sino como una imagen que permite comprender hasta qué punto el protagonista necesita escapar de aquello que está viviendo. Poco después, esa sensación encuentra su equivalente en el olivo que se parte bajo sus propias ramas. La metáfora convierte el árbol en un reflejo de alguien que lleva demasiado tiempo soportando su propio peso. Sin embargo, “Olivos” no se queda en esa oscuridad. Mientras el personaje busca una manera de escapar, también aparece la posibilidad de contemplarse desde fuera y decirse algo que, desde dentro del dolor, quizá resulta imposible recordar: que todavía existe un lugar donde el aire huele a sal y donde la primavera termina llegando. 🌱 El olivo como reflejo de una persona que ya no puede con su propio peso El olivo de la canción no es un árbol joven ni una imagen idealizada de fortaleza. Es viejo, está seco y parece atrapado en aquello que debería formar parte de su propia naturaleza. Sus ramas terminan convirtiéndose en una carga y la madera, que normalmente representa estabilidad y resistencia, aparece asociada al fuego. Esa elección hace que la metáfora resulte especialmente humana. Hay momentos en los que aquello que hemos construido durante años deja de protegernos y comienza a pesar. Las experiencias acumuladas, las palabras que no hemos sabido decir, las decepciones o incluso la propia manera de enfrentarnos a los problemas pueden terminar convirtiéndose en esas ramas que nos mantienen atrapados. Por eso el protagonista no solo quiere huir. También quiere poder observarse desde otra perspectiva. Imagina que podría marcharse con las nubes, desdoblarse y contemplar a ese olivo desde fuera para hablarle. Esa distancia imaginaria permite que aparezca una voz mucho más compasiva, capaz de decirle que no todo termina en el lugar en el que se encuentra ahora. La canción transforma así una imagen de agotamiento en una conversación consigo mismo. El olivo parece necesitar que alguien le recuerde que estar roto no significa que haya dejado de existir la posibilidad de volver a florecer. 🌊 Donde el aire huele a sal todavía puede existir otra vida El cambio más importante de “Olivos” aparece cuando la canción abandona por un momento la imagen del fuego y de las ramas para trasladarse hacia un paisaje mucho más abierto. Las nubes salvajes, el aire que huele a sal y la llegada de la primavera funcionan como una alternativa frente al espacio cerrado en el que se encuentra el protagonista. Ese lugar no está descrito como una solución concreta. No sabemos dónde está ni cómo llegar hasta él, y precisamente por eso funciona tan bien como imagen emocional. Puede representar la posibilidad de escapar de una etapa determinada, pero también una forma distinta de relacionarse con uno mismo. Frente a la sensación de estar enterrado en sus propias ganas de elevarse, aparece por fin un horizonte. La primavera tampoco llega como una promesa ingenua de...
¿Qué haces cuando quieres olvidar a alguien que todavía aparece en todas partes? Arde Bogotá propone una solución tan desmesurada como melancólica: alquilar una limusina, reservar una discoteca entera para uno solo y llenar la noche de canciones tristes hasta que el ruido consiga tapar aquello que todavía duele. Así nace “Antifiesta”, una de las piezas más singulares de “Manufacturas del Club de la Gente Sola”, el tercer álbum de la banda cartagenera. La canción convierte el desamor en una celebración imposible. No hay invitados, ni motivos reales para brindar, ni una felicidad que celebrar. Solo queda la necesidad de hacer tanto ruido que los recuerdos pierdan espacio. La fiesta se convierte así en una forma de esconderse de la tristeza sin dejar de reconocer que está ahí. 🥂 Una fiesta para todo aquello que todavía duele La imaginación de Arde Bogotá lleva el duelo sentimental hasta lugares casi absurdos. Una limusina carísima para una sola persona, una discoteca completamente vacía, paredes de terciopelo y una cantidad desproporcionada de músicos construyen una escena tan espectacular como solitaria. Lo importante no es el lujo, sino el vacío que existe dentro de él. Todo está preparado para una celebración gigantesca, pero falta precisamente la persona con la que aquellos espacios tenían sentido. Incluso las canciones adquieren una nueva dimensión porque están asociadas a alguien que ya no está. El protagonista decide entonces convertirse en el administrador de sus propias tristezas, como si pudiera organizar el dolor, ponerle un horario y decidir cuánto tiempo más va a ocupar su vida. Hay ironía en la propuesta, pero también una forma de recuperar el control sobre una ruptura que todavía pesa. 💜 Bailar hasta que el recuerdo pierda su lugar “Antifiesta” entiende algo muy humano: a veces no intentamos olvidar porque hayamos dejado de sentir, sino porque necesitamos encontrar una manera de seguir adelante. Por eso el baile aparece como una especie de estrategia. Si la música fue uno de los lugares donde aquella relación dejó huella, quizá también pueda convertirse en el lugar donde esa huella empiece a desaparecer. La fiesta no funciona como una celebración del presente, sino como un refugio contra el pasado. La canción juega constantemente con esa dualidad. Estar lleno y sentirse vacío. Amar y querer olvidar. Utilizar a otra persona como escudo y, al mismo tiempo, necesitarla como abrazo. Incluso las referencias a Gengar y Clefable refuerzan esa idea de dos caras que pueden convivir dentro de una misma historia. Y ahí está una de las claves de “Antifiesta”: no intenta presentar el desamor como algo limpio o sencillo. Las personas pueden hacerse daño y quererse al mismo tiempo. 🎭 De la tristeza privada a una fiesta compartida Lo más interesante es que la canción no termina en la soledad con la que empieza. Poco a poco, aquella celebración absurda deja de pertenecer únicamente a quien está intentando olvidar. La invitación se abre a todas las tristezas. Ya no se trata solo de una ruptura concreta, sino de reunir aquello que cada persona lleva consigo y convertirlo en una especie de celebración colectiva de las heridas. Ese giro encaja con el universo de “Manufacturas del Club de la Gente Sola”, un álbum que gira alrededor del dolor, la soledad y la reconstrucción emocional. Arde Bogotá ha presentado el disco como una especie de manual para volver a armar el corazón, y “Antifiesta” representa precisamente uno de esos momentos en los que la única manera de soportar la pena puede ser compartirla. La banda cartagenera, formada por Antonio García, Dani Sánchez, Pepe Esteban y José Ángel Mercader, lleva así...
Todavía quedan cinco semanas de invierno. Llueve casi todos los días, el tiempo parece detenido y la oscuridad empieza a sentirse como algo más que una cuestión meteorológica. En “Puto invierno”, Cariño convierte ese paisaje gris en el punto de partida de una canción que habla de volver a sentir algo cuando parecía que ya no quedaba demasiado en lo que creer. Durante buena parte del tema, el invierno funciona como una extensión del estado de ánimo de la protagonista. Lleva semanas dando vueltas a las mismas cosas, encerrada en sus pensamientos y convencida de que el futuro tampoco tiene demasiado que ofrecer. Entonces aparece una persona cuya presencia cambia ligeramente el paisaje. No hace falta que deje de llover: basta con que exista una posibilidad de volver a mirar hacia fuera. 🌧️ Cuando el invierno deja de ser solo una estación Hay algo especialmente bonito en la manera en que Cariño utiliza el tiempo atmosférico como reflejo emocional. La lluvia constante, la falta de luz y ese invierno que parece no terminar representan un periodo de apatía y desencanto. La protagonista está cansada de darle vueltas a todo y llega incluso a perder la fe en la humanidad. Pero entonces aparece una cara conocida que empieza a funcionar como una oportunidad. La transformación no sucede de golpe. Primero es apenas una promesa: si algún día sale el Sol, habrá algo que contar. Después aparecen planes sencillos, conversaciones al oído y esa sensación inesperada de que alguien empieza a mover algo por dentro. La protagonista incluso se sorprende de sí misma al descubrir que vuelve a tener sentimientos. Y ahí la canción empieza a cambiar de color. 💘 Del bar de siempre a los besos en el parque La historia avanza a través de pequeños encuentros que no necesitan convertirse en grandes acontecimientos para resultar importantes. Un evento al que acudir juntos, una noche en el bar de siempre, una mirada desde lejos, una canción que los acerca. Cariño construye el enamoramiento a partir de momentos cotidianos que terminan adquiriendo una importancia enorme. Lo interesante es que la protagonista no parece buscar deliberadamente una nueva historia de amor. Más bien se encuentra dentro de ella casi sin darse cuenta. Lo que comenzó como una persona que conseguía distraerla de su oscuridad termina convirtiéndose en una necesidad, en alguien cuya presencia devuelve poco a poco aquello que había perdido. La canción conserva además ese sentido del humor tan característico de Cariño. Incluso el momento más romántico termina aterrizando en la realidad cuando unos vecinos les gritan que se vayan a otro sitio mientras se besan en el parque. Lejos de romper la escena, ese detalle la hace más cercana: el enamoramiento también puede ser torpe, cotidiano y un poco ridículo. ☀️ El Sol termina llegando de otra manera Cuando “Puto invierno” regresa a su estribillo final, algo fundamental ya ha cambiado. La oscuridad sigue existiendo, el invierno todavía no ha terminado y el Sol ni siquiera necesita aparecer físicamente para que la protagonista vuelva a recuperar cierta fe. Ahora existe alguien con quien bailar, caminar, besarse y compartir esos pequeños momentos que hacen que la vida vuelva a parecer interesante. Por eso el título tiene algo más de fondo que una simple queja contra el frío. El verdadero invierno de la canción es ese periodo en el que todo parecía detenido, mientras que el Sol representa la posibilidad de volver a sentir. Y Cariño consigue contar esa transformación sin convertirla en una gran declaración romántica. Basta una mirada, una canción en un bar, un paseo y unos besos para que...
Sienna convierten una transformación en el centro de “LINCE”, una canción marcada por la rabia, el descubrimiento personal y las ganas de escapar de todo aquello que alguna vez consiguió hacer daño. Desde el principio, la canción se mueve en ese territorio en el que lo que no consigue curarte puede terminar haciéndote más fuerte. Sienna habla de sentirse observada, señalada y rodeada de personas que proyectan sus propios problemas, pero también de aprender a mantener la mirada firme cuando antes quizá resultaba más difícil hacerlo. 🐆 Convertirse en un lince para dejar de caer en las mismas trampas La imagen que da nombre al tema funciona como una metáfora perfecta para esa necesidad de supervivencia. Sienna quiere ser un lince para esquivar aquello que le hicieron, moverse con libertad y no volver a quedar atrapada en las mismas situaciones. El animal representa aquí instinto, rapidez y capacidad para escapar, pero también una personalidad que ya no necesita pedir permiso para defenderse. La letra incluso lleva esa imagen hacia un terreno más agresivo, donde la necesidad de protegerse termina convirtiéndose en una respuesta contundente frente a quien causó el daño. No se trata únicamente de huir: también existe el deseo de romper aquello que todavía pesa. Y ahí aparece una de las contradicciones más interesantes de “LINCE”: la libertad nace precisamente después de enfrentarse a aquello que intentaba limitarla. 🔥 Descubrir quién eres después de todo lo que intentaron imponerte Hay otro concepto especialmente importante en la canción: descubrirse a una misma. Sienna reconoce que todavía no sabe cuánto tiempo lleva en ese proceso. Se observa desde fuera y se pregunta cómo será capaz de hacerlo, como si estuviera contemplando a una versión de sí misma que todavía está aprendiendo a avanzar. Pero el cambio no consiste en convertirse en aquello que los demás esperan. La canción cuestiona precisamente todo lo que se impone, todo aquello que se reprime y todas las etiquetas que pueden terminar condicionando la identidad de una persona. Frente a eso, Sienna defiende una idea mucho más poderosa: lo que realmente define a alguien también está en aquello que decidió no hacer. No responder de la misma manera. No convertirse en quien hizo daño. No dejar que las heridas dicten completamente quién eres. 🖤 “LINCE” convierte la rabia en libertad Más que una canción sobre olvidar el pasado, “LINCE” transmite la sensación de haber aprendido a vivir sin dejar que ese pasado tenga la última palabra. La rabia sigue ahí. Las heridas también. Pero ahora existe una mirada diferente sobre ellas. Sienna no necesita fingir que nada ocurrió para sentirse libre; necesita reconocerse después de todo lo ocurrido y encontrar una manera de seguir avanzando. Por eso el lince termina siendo mucho más que una imagen llamativa. Es la representación de alguien que ha aprendido a esquivar, resistir y defender su propio espacio. Porque quizá hacerse indestructible no significa dejar de sentir. Significa que, después de todo, ya no pueden decidir por ti quién vas a ser. ❤️ Esta canción es para ti si.. Has tenido que aprender a protegerte después de que alguien cruzara demasiados límites 🐆 Sientes que algunas heridas terminaron convirtiéndose en una fuerza que antes no sabías que tenías 🖤 Estás descubriendo quién eres lejos de todo aquello que los demás intentaron imponerte 🔥 Necesitas dejar atrás una situación sin permitir que te cambie para siempre ⚡ Quieres recordar que también existe libertad en decidir quién ya no quieres ser 🕊️
Ruslana está a punto de abrir una nueva etapa. Después de “Génesis” y de los diferentes caminos explorados posteriormente, la artista nacida en Ucrania y criada en Canarias llega al tramo final de la presentación de “ANOMIA”, su segundo álbum de estudio, previsto para el 9 de octubre “mi vocablo” es el tercer y último adelanto del disco y quizá uno de los temas que mejor resume la idea que atraviesa este nuevo proyecto: dejar de buscar un lugar donde encajar para empezar a construir uno propio. ESCUCHAR.. 🎧Mía Berlín transforma un amor fugaz en nostalgia pop rock en “Aquella Canción” 🌆 Una ciudad demasiado grande La canción parte de una sensación muy concreta: estar rodeada de gente y, aun así, sentirse fuera de lugar. Ruslana habla de una ciudad que crece alrededor de ella mientras aumenta también la distancia con aquello que conocía. Hay recuerdos de casa, conversaciones que ya no significan lo mismo y una identidad que parece cambiar cada día. Ese sentimiento se vuelve especialmente visible en la imagen de alguien que habla un idioma que los demás no comprenden. El “vocablo” del título funciona así como algo más que una forma de hablar: representa su manera de entender el mundo, una identidad que todavía está aprendiendo a defender. ESCUCHAR.. 🎧Nano Mz transforma un encuentro rockero fugaz en deseo y adrenalina en “Morena Mía” 🎸 Del pop-rock a una explosión de guitarras Musicalmente, “mi vocablo” sigue una evolución muy marcada. Empieza desde un espacio íntimo, casi como una balada, y va acumulando tensión hasta desembocar en una parte final mucho más física, con guitarras y energía rock. Ese cambio no es simplemente una decisión de producción. La propia estructura acompaña lo que cuenta: primero aparece la vulnerabilidad de quien todavía no sabe dónde pertenece y después llega la fuerza de quien empieza a aceptar que quizá no necesita pedir permiso para construir su propio sitio. ESCUCHAR.. 🎧Blu DeTiger convierte Nueva York en una noche sin frenos entre bajos funk y deseo en “N.Y. Baby” 🖤 Ruslana y una identidad que sigue creciendo Desde su paso por “Operación Triunfo” 2023, donde terminó en tercera posición, Ruslana ha ido construyendo una identidad muy vinculada al pop-rock y a una interpretación especialmente física. Su primer álbum, “Génesis”, llegó en 2024 y estuvo acompañado de una gira nacional con más de 45.000 entradas vendidas. “ANOMIA” continúa ese proceso desde un lugar diferente. Si el título del álbum remite a vivir sin normas, “mi vocablo” lleva esa idea al terreno más personal: si las reglas del lugar al que llegas no están hechas para ti, también puedes crear las tuyas. ESCUCHAR.. 🎧Cas Jade despierta el instinto que lleva dentro en el oscuro “Animal” 🗣️ Encontrar una forma propia de hablar La letra mezcla noches fuera de casa, desconocidos, calles que observan y la sensación de estar siendo examinada constantemente. Pero no se queda en la incomodidad. Poco a poco aparece una aceptación mucho más firme: quizá ser diferente todos los días también forma parte del proceso. Por eso “mi vocablo” funciona como una canción de transición. Ruslana no parece haber encontrado todavía todas las respuestas, pero sí empieza a reconocer algo importante: no necesita traducirse para todo el mundo. El camino hacia “ANOMIA” pasa precisamente por ahí, por convertir la extrañeza en identidad y la vulnerabilidad en energía. ESCUCHAR.. 🎧Quizás crecer no consiste en arreglar lo que creemos que está mal: Ernestina – “Cansada de Sanar” ❤️ Esta canción es para ti si.. Te has sentido fuera de lugar incluso rodeado de gente 🖤 Has tenido que reinventarte lejos de casa...
Desde la escena alternativa de Los Ángeles llega untitled (halo), una banda y proyecto artístico que ha ido construyendo su identidad alrededor de una mezcla poco fácil de encasillar. Dream pop, shoegaze, slowcore, rock y electrónica conviven en una propuesta nacida de la escena DIY angelina, donde Ariana Mamnoon, Jack Dione, Jay Are y Nicholas Noneman fueron cruzando sus diferentes inquietudes creativas. “easy rider” llega el 16 de septiembre de 2026 como nuevo adelanto de su primer álbum homónimo, previsto para el 6 de noviembre a través de Dirty Hit, el sello de The 1975, entre otros artistas. 🎸 Del underground de Los Ángeles a Dirty Hit Antes de dar el salto al sello británico, untitled (halo) se había movido por el circuito independiente de Los Ángeles, organizando sus propios eventos y creando espacios para una comunidad artística que, según la propia banda, echaban de menos en la ciudad. Ese recorrido explica en parte su sonido: no parecen interesados en elegir un único género. Su música puede pasar del shoegaze al glitch-rap o de la electrónica a un rock mucho más directo. “easy rider” pertenece precisamente a este último territorio, con guitarras sencillas, textura difusa y una interpretación coral que le da un aire casi clásico. 🖤 Un amor que todavía persigue La canción gira alrededor de una relación marcada por la obsesión, la distancia y los fantasmas del pasado. La persona que habla sigue expresando afecto mientras reconoce el caos emocional que existe alrededor de esa relación. Más que una ruptura perfectamente explicada, “easy rider” transmite la sensación de estar atrapado en algo que sabes que te hace daño pero de lo que todavía no consigues desprenderte. La repetición de “I adore you” funciona casi como una contradicción frente al resto de la canción: cuanto más oscuro se vuelve el paisaje, más insiste el sentimiento. La propia banda la ha definido como una canción de amor torturada y como el cierre que resume todo lo anterior. 🌫️ Una canción que suena a despedida Musicalmente, “easy rider” se aleja de los experimentos más electrónicos de “aimee lou wood freestyle” y apuesta por un rock de guitarras difusas y melodía contenida. Stereogum la describe como un tema de guitarra de aire jangly y destaca los cambios de textura y las voces grupales que aparecen hacia el final. Ese cierre tiene especial importancia porque Ariana Mamnoon explicó que la intención era terminar el disco con una canción de rock clásica, una guitarra sencilla y un momento final en el que toda la banda canta junta. 🌙 El principio de una nueva etapa “easy rider” forma parte de un álbum debut que resume años de trabajo compartido y de búsqueda artística. El disco fue escrito durante aproximadamente un año en el estudio que la banda tiene en Glassell Park y gira alrededor de la construcción de recuerdos, identidades y mitologías personales. El salto a Dirty Hit coloca ahora a untitled (halo) ante un público mucho mayor, pero su música conserva esa sensación de proyecto nacido desde abajo, donde las canciones, las imágenes y la propia comunidad creativa forman parte del mismo universo. Con “easy rider”, la banda encuentra una manera bastante apropiada de cerrar ese primer recorrido: guitarras, voces compartidas y un amor que, aunque esté lleno de fantasmas, todavía se niega a desaparecer. ❤️ Esta canción es para ti si.. Sigues queriendo a alguien aunque sabes que aquella historia dejó demasiadas heridas 🖤 Te atrae el rock alternativo que mezcla guitarras borrosas con una atmósfera soñadora 🌫️ Hay relaciones que todavía regresan a tu cabeza aunque ya hayan terminado 🌙 Prefieres...
El guitarrista fundador de New Found Glory falleció el pasado 20 de septiembre a los 45 años, tras cinco años de lucha contra un cáncer suprarrenal poco frecuente. Su legado no se mide solo en discos vendidos, sino en la huella que dejó en una escena entera. Chad Everett Gilbert tenía diecisiete años cuando fundó New Found Glory en Coral Springs, Florida. No había un plan maestro detrás de aquello, había un grupo de adolescentes con el pelo teñido que no encajaban en ningún sitio y que encontraron en la música un lugar al que pertenecer. Esa idea (la de construir un refugio para los que no tenían uno) sería el motor de todo lo que vino después. Murió el 20 de septiembre de 2026, mientras dormía, con su esposa Lisa Cimorelli y su madre Jackie a su lado, teniendo 45 años. Los años de formación Antes de New Found Glory, Gilbert había sido vocalista de Shai Hulud, una banda de hardcore de Florida con cierta reputación en el circuito underground. Aquella experiencia le dio algo que muchos guitarristas de pop-punk no tenían: un conocimiento profundo de la intensidad, de la tensión, de la energía cruda. Cuando formó su propia banda en 1997, supo cómo canalizar todo eso hacia algo más melódico sin perder un ápice de fuerza. La formación original (Gilbert, Jordan Pundik, Steve Klein, Ian Grushka y Joe Marino, pronto sustituido por Cyrus Bolooki) publicó su debut, Nothing Gold Can Stay, en 1999. No fue un éxito inmediato. Fue, más bien, el inicio de una construcción lenta y constante, disco a disco, concierto a concierto. El sonido de una década El reconocimiento masivo llegó en 2002 con Sticks and Stones, cuyo single principal, “My Friends Over You” , alcanzó el número 85 de la lista Billboard Hot 100. Dos años después, Catalyst confirmó que no era un golpe de suerte: la banda se había convertido en una de las referencias del pop-punk de los 2000. Gilbert fue el principal compositor de la banda durante casi tres décadas. Escribía las canciones, construía los riffs, definía las estructuras. No era un guitarrista de lucimiento personal: era un compositor que entendía que una canción no se mide por su dificultad técnica, sino por su capacidad de quedarse en la cabeza del oyente. Sus riffs no eran complejos; eran memorables. Sus estribillos no eran experimentales; eran himnos. En total, la banda grabó más de una docena de álbumes, desde aquel debut de 1999 hasta Listen Up! , publicado en 2026, apenas unos meses antes de su muerte. Más allá de su propia banda La influencia de Gilbert trascendió New Found Glory. Fue un productor respetado en la escena, trabajando en discos de A Day to Remember (Homesick, What Separates Me From You, Common Courtesy), H2O (Nothing to Prove) y Fireworks (All I Have to Offer Is My Own Confusion). También colaboró con Fall Out Boy, aportando coros en From Under the Cork Tree y guitarras en “The Take Over, The Breaks Over”. Mantuvo, además, un proyecto paralelo de hardcore, International Superheroes of Hardcore, donde adoptó el seudónimo de Captain Straight Edge. Era una forma de volver a sus raíces, de recordar de dónde venía. Estuvo casado con Sherri DuPree, de la banda de rock indie Eisley. Contrajeron matrimonio en febrero de 2007 y se divorciaron ese mismo año. En 2008 comenzó una relación con la vocalista de Paramore, Hayley Williams. El 31 de diciembre de 2014, Gilbert confirmó a través de su cuenta oficial de Instagram que Williams y él se habían comprometido. El 20 de febrero de 2016 contrajo matrimonio...