El guitarrista y miembro fundador del grupo madrileño falleció el 10 de abril de 2022 a los 60 años, tras seis años de lucha contra un cáncer de laringe que le fue diagnosticado en 2015. Fue el arquitecto sonoro de una de las bandas más importantes del pop español, aunque su nombre rara vez apareciera en los grandes titulares. Mario Martínez fundó La Unión a finales de 1982 junto al bajista Luis Bolín y el teclista Íñigo Zabala. Poco después se les unió el vocalista Rafa Sánchez. En aquellos primeros años, la banda pasó casi desapercibida. Publicaron tres temas que no llamaron la atención de nadie. Pero el 12 de marzo de 1984, en la sala El Sol de Madrid, presentaron “Lobo-hombre en París” . La canción se convirtió en un fenómeno: alcanzó el número uno durante nueve semanas consecutivas, vendió más de doscientas mil copias y obtuvo un disco de oro. A partir de ahí, la carrera de La Unión fue un ascenso sostenido. Discos como Mil siluetas, 4×4, Vivir al este del Edén, Tentación y el directo Tren de largo recorrido los consolidaron como uno de los grupos más importantes del pop español de los ochenta y los noventa. En total, la banda vendió más de tres millones de discos y publicó más de 150 canciones a lo largo de casi cuatro décadas. El guitarrista que no buscaba el virtuosismo Rafa Sánchez lo describió con una precisión que resume perfectamente su aportación musical: “Mario no buscaba el virtuosismo sino el arreglo de guitarra, ha sido de los guitarristas con más gusto a la hora de grabar discos”. No era un guitar hero. No buscaba el solo espectacular ni el lucimiento personal. Buscaba la nota exacta, el arreglo que servía a la canción, el detalle que hacía que todo encajara. Sánchez fue más allá en su comparación: “Salvando las distancias, era un instrumentista como Eric Clapton”. No era una exageración. Como Clapton, Martínez entendía que la guitarra no está para impresionar, sino para servir a la música. Su estilo era sobrio, preciso, siempre al servicio de la canción. Y esa discreción, paradójicamente, es lo que lo hacía indispensable. La enfermedad y la retirada En 2015, Mario Martínez anunció en un comunicado que padecía un cáncer de laringe. Lo hizo con unas palabras que revelaban su carácter: “Es una larga carrera en la que espero llegar lo antes posible a la meta para volver a estar con todos vosotros. El cáncer es como el mar, no hay que tenerle miedo, hay que tenerle respeto”. Aquel mismo año abandonó La Unión. Durante los siguientes seis años, luchó contra la enfermedad con la misma discreción con la que había tocado la guitarra: sin aspavientos, sin buscar el protagonismo, sin convertir su dolor en un espectáculo. Soñaba, según contaron sus compañeros, con volver a los escenarios con su guitarra. No pudo ser. La despedida La Unión anunció su muerte con un mensaje en redes sociales que desbordaba cariño y reconocimiento: “Amigos, hoy es un día muy triste para La Unión. Mario Martínez, pieza clave en nuestra historia, partícipe y creador de grandes momentos y canciones, nos ha dejado después de una larga lucha. Todo mi apoyo y más sentido pésame a su familia. Vuela alto, Mario. DEP”. Rafa Sánchez, que había dejado el grupo en 2020, lo despidió con una emoción que trascendía lo profesional: “Era para mí casi como un hermano. Divertido e irónico. Lo hemos pasado muy bien, hemos convivido momentos álgidos, y no tan álgidos”. Un legado sin artificios Mario Martínez no fue una estrella del pop. No llenó...
Rock
Hoy 20 de octubre, Wanda Jackson cumple 89 años. Nacida en Maud, Oklahoma, en 1937, es una figura fundacional: la primera gran cantante de rock and roll de Estados Unidos y la indiscutible Reina del Rockabilly. No es un homenaje póstumo. A sus 89 años, Jackson está viva, retirada de los escenarios desde 2019 por motivos de salud, pero su legado sigue intacto y su música continúa sonando con la misma fiereza que cuando, siendo una adolescente, se subió por primera vez a un escenario junto a Elvis Presley. De la granja de Oklahoma al olimpo del rock La historia de Wanda Jackson es la de una chica de campo que se convirtió en pionera. Comenzó en la música country, pero su vida cambió cuando conoció a Elvis Presley en 1955, durante una gira conjunta. Fue Elvis quien la animó a cruzar al rock and roll, un terreno entonces vedado a las mujeres. Ella aceptó el desafío y, con su voz rasposa y su actitud desafiante, se abrió paso en un mundo de hombres. Su primer single, “You Can’t Have My Love”, llegó al Top 10 cuando aún era una estudiante de secundaria. A lo largo de su carrera, colocó más de 30 sencillos en las listas de country y pop entre 1954 y 1974 y en 2009 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll como “Early Influence”, un reconocimiento a su papel crucial en la historia del género. Los himnos que la convirtieron en leyenda El catálogo de Wanda Jackson es un manual de rockabilly en estado puro. Estos son algunos de los temas que definieron su carrera y su leyenda: “Let’s Have a Party”: su himno absoluto. Una versión del tema de Elvis que se convirtió en su firma y que sigue siendo un himno de fiesta y liberación. “Fujiyama Mama”: una de sus grabaciones más salvajes y divertidas, un clásico del rockabilly que muestra su energía arrolladora. “Hard Headed Woman”: otra muestra de su carácter indomable, con una interpretación que no deja lugar a dudas sobre quién manda en el escenario. “Mean Mean Man”: pura actitud rockabilly, con un ritmo frenético y una letra que habla de un hombre problemático. “Right or Wrong”: su faceta más country, una balada que demuestra que su talento no se limitaba al rock más crudo. “I Gotta Know”: otro de sus grandes éxitos de la era Capitol, una canción que captura la esencia de su sonido primigenio. Una retirada merecida tras una vida sobre las tablas En marzo de 2019, Wanda Jackson anunció su retirada de los escenarios a los 81 años. La decisión, según explicó, estaba basada “únicamente en la salud y la seguridad”, tras haber sufrido un derrame cerebral no especificado. “Me entristeció”, declaró entonces, “pero tenía que hacerse”. Fue el final de más de seis décadas de gira, pero no el final de su historia musical. Antes de retirarse, dejó grabado su testamento artístico: Encore, un álbum final producido junto a Joan Jett y Kenny Laguna, que se publicó en agosto de 2021. El disco, grabado antes de su retirada, incluye colaboraciones de Jett y de Elle King, y sirvió como cierre perfecto a una carrera irrepetible. 89 años de una revolución que no se apaga Wanda Jackson no fue solo una cantante. Fue la mujer que demostró que el rock and roll no era un coto privado de los hombres. Su voz, su estilo y su valentía abrieron un camino que luego recorrieron muchas otras. Hoy, cuando cumple 89 años, su música sigue sonando y su figura sigue siendo un faro...
Hoy 20 de octubre, se cumplen 76 años del nacimiento de Tom Petty, una de las figuras más importantes y queridas del rock and roll estadounidense. Nacido en Gainesville, Florida, en 1950 y fallecido el 2 de octubre de 2017 en Santa Monica, California, a los 66 años, Petty dejó un legado que trasciende generaciones: una voz inconfundible, una habilidad compositiva fuera de lo común y una integridad artística que le llevó a enfrentarse a las discográficas cuando fue necesario. Su música, al frente de Tom Petty and the Heartbreakers y como miembro de los Traveling Wilburys, sigue sonando con la misma fuerza que cuando se grabó. De Gainesville al Olimpo del rock La historia de Tom Petty es la de un chico que, a los 11 años, conoció a Elvis Presley en el set de una película y decidió que quería dedicarse a la música. Poco después, cambió su tirachinas por una caja de sencillos de Presley y formó su primera banda, los Sundowners, con apenas 14 años. En la década de los 70, tras la disolución de su grupo Mudcrutch, Petty se unió al teclista Benmont Tench y al guitarrista Mike Campbell para formar Tom Petty and the Heartbreakers, la banda que le acompañaría durante más de cuatro décadas. El reconocimiento masivo llegó con su tercer álbum, Damn the Torpedoes (1979), un disco multiplatino que incluía himnos como “Refugee”, “Here Comes My Girl” y “Don’t Do Me Like That”. A partir de ahí, su carrera fue una sucesión imparable de éxitos, con discos como Full Moon Fever (1989) (que contenía “Free Fallin'”, “I Won’t Back Down” y “Runnin’ Down a Dream”) y Wildflowers (1994), considerado por muchos como su obra maestra más íntima. El “hermano pequeño” de los Traveling Wilburys En 1988, Petty se sumó a uno de los supergrupos más legendarios de la historia: The Traveling Wilburys, junto a Bob Dylan, George Harrison, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que empezó como una cara B para un sencillo de Harrison se convirtió en un álbum inolvidable, Traveling Wilburys Vol. 1, que vendió más de dos millones de copias solo en Estados Unidos en sus primeros seis meses. Petty, el benjamín del grupo, adoptó el pseudónimo de Charlie T. Junior Wilbury y aportó su voz y su estilo inconfundible a temas como “Handle with Care” y “End of the Line”. Los himnos que definieron una carrera El catálogo de Tom Petty es un manual de rock and roll en estado puro. Estos son algunos de los temas esenciales que lo mantienen vivo: “Free Fallin'”: su single más exitoso en Estados Unidos, alcanzó el número 7 en 1989. Una canción que, según Petty, nació de las líneas que escribía para hacer reír a Jeff Lynne, y que se convirtió en un clásico atemporal. “I Won’t Back Down”: un himno de resistencia y determinación, con la guitarra slide de George Harrison y una interpretación contenida que hace el mensaje aún más poderoso. “Refugee”: uno de los primeros grandes éxitos de los Heartbreakers, una muestra de la energía cruda y directa de la banda. “American Girl”: un clásico de su debut que captura la esencia del rock de los 70 y que sigue siendo un favorito en directo. “Mary Jane’s Last Dance”: una de sus canciones más icónicas, con un riff inolvidable y una atmósfera melancólica que se quedó grabada en la memoria colectiva. “You Don’t Know How It Feels”: su primer Grammy en solitario, una canción relajada y sincera que demuestra su habilidad para la introspección. “Don’t Do Me Like That”: un tema con un gancho irresistible que Jimmy...
Billy Cox, 85 años: el último testigo del trueno de Jimi Hendrix sigue en pie Hoy 18 de octubre, Billy Cox cumple 85 años. Nacido en Wheeling (Virginia Occidental) en 1941, es el último músico superviviente que tocó de forma regular con Jimi Hendrix. Su bajo sostuvo el pulso de algunos de los momentos más importantes del rock: Woodstock, la Band of Gypsys y las últimas grabaciones del genio de Seattle. Lejos de ser una figura de museo, Cox sigue en activo, vinculado al legado de Hendrix y a sus propios proyectos. Un encuentro fortuito que cambió el rock La historia de Billy Cox y Jimi Hendrix comenzó en 1961, en la base militar de Fort Campbell (Kentucky). Cox entró en el Service Club No. 1 para refugiarse de una tormenta y escuchó a alguien tocar la guitarra. Se presentó, le dijo que tocaba el bajo y, poco después, ya estaban improvisando juntos. Esa amistad los llevó a formar los King Kasuals y a recorrer el circuito de clubes del sur de Estados Unidos antes de que Hendrix se marchara a Inglaterra y cambiara la historia de la música. El bajo que sostuvo Woodstock y la Band of Gypsys Cuando la Jimi Hendrix Experience se disolvió, Hendrix llamó a su viejo amigo. Cox se unió al grupo que respaldó a Hendrix en Woodstock (conocido informalmente como Gypsy Sun and Rainbows) y después formó junto al baterista Buddy Miles el trío Band of Gypsys, cuyo álbum en directo, grabado en el Fillmore East el 1 de enero de 1970, es un pilar del funk-rock. El bajo de Cox en temas como “Machine Gun” o “Who Knows” no era un simple acompañamiento: marcaba la tensión, el groove y la libertad que caracterizaron esa etapa final de Hendrix. Los temas donde su bajo dejó huella El legado de Cox se mide tanto por lo que grabó con Hendrix como por su propia discografía. Algunos temas esenciales: “Machine Gun” (Band of Gypsys): una pieza de casi diez minutos donde el bajo de Cox sostiene la arquitectura de una de las improvisaciones más sobrecogedoras de Hendrix. “Who Knows” (Band of Gypsys): puro funk-rock en directo, con Cox y Buddy Miles construyendo una base rítmica hipnótica. “Izabella”: grabada en enero de 1970 con Cox y Miles, es una muestra de la energía cruda de esa formación. “Changes” (Buddy Miles): Cox participó en este clásico del baterista, un tema que se convirtió en un himno del soul-rock. “Nitro Function”: su debut en solitario en 1971, una muestra de su propio lenguaje como líder y compositor. “Last Gypsy Standing” (2009) y “Old School Blue Blues” (2011): dos discos tardíos que confirman que su conexión con el blues y el funk sigue intacta. 85 años y el legado sigue girando Billy Cox no vive de la nostalgia. Es el único miembro superviviente tanto de la Jimi Hendrix Experience como de la Band of Gypsys, y durante años ha participado en el Experience Hendrix Tour, una gira que mantiene viva la música de su amigo con nuevas generaciones de músicos. Su presencia en esos escenarios no es un gesto decorativo: es la memoria viva de un sonido que cambió la forma de entender el bajo en el rock. A sus 85 años, Cox sigue siendo la prueba de que el rock no se construyó solo con guitarras heroicas. También se sostuvo sobre líneas de bajo que supieron cuándo empujar, cuándo retirarse y cuándo dejar que el silencio hablara. Hoy, cuando sopla 85 velas, su historia sigue sonando en cada surco de Band of Gypsys y en cada homenaje a...
Hoy 18 de octubre, se cumplen cien años del nacimiento de Chuck Berry, una fecha que el calendario musical no puede pasar por alto. Charles Edward Anderson Berry vino al mundo en 1926 en San Luis (Misuri), en el seno de una familia negra de clase media, y falleció el 18 de marzo de 2017 a los 90 años. No es una celebración de un artista en activo, sino el homenaje a una de las figuras fundacionales del rock and roll, el hombre que definió su sonido, su actitud y su lenguaje. El poeta que electrificó el rhythm and blues La historia de Chuck Berry es la de un músico que tomó el rhythm and blues y la música country, los mezcló con letras sobre coches, chicas y la vida adolescente, y creó algo completamente nuevo. Su guitarra eléctrica no solo acompañaba: marcaba el ritmo, lanzaba riffs que se convirtieron en la base de todo lo que vino después. Como dijo John Lennon, “si tuvieras que referirte al rock & roll con otro nombre, tendrías que llamarlo Chuck Berry”. Su influencia fue inmediata y total. Los Beatles, los Rolling Stones, los Beach Boys y prácticamente cualquier artista de rock o pop que haya existido desde entonces bebió de su catálogo. No inventó el género, pero fue quien le dio su forma definitiva en una serie de sencillos icónicos grabados entre 1955 y 1959. Los himnos que siguen sonando El repertorio de Chuck Berry es una masterclass de rock and roll en estado puro. Estos son algunos de los temas que mejor resumen su talento: “Johnny B. Goode”: considerada por muchos como la mejor canción de guitarra de la historia del rock, es un himno universal y la esencia misma del género. “Maybellene”: su primer single, publicado en 1955, está considerada por los expertos como la primera canción de rock and roll. Una historia de un Cadillac y una chica que lo convirtió en superventas. “Roll Over Beethoven”: un golpe de genio que puso a Beethoven en el mismo plano que el rock and roll, con una potencia y una actitud que siguen intactas. “Rock and Roll Music”: una declaración de principios, un tema que los Beatles versionaron y que resume la filosofía de Berry: el rock como forma de vida. “You Never Can Tell (C’est la vie)”: un clásico atemporal que, gracias a Pulp Fiction, se grabó en la memoria de varias generaciones. “Sweet Little Sixteen”: un tema que, con su riff, sirvió de base para el “Surfin’ USA” de los Beach Boys, demostrando su influencia más allá de su propio catálogo. “Promised Land”: una canción de 1972 que se convirtió en un alegato a favor de los desheredados y que demuestra que su talento compositivo no se limitó a los años cincuenta. Un centenario que se celebra por todo lo alto Lejos de ser una fecha que pase desapercibida, el centenario de Chuck Berry está movilizando a la industria musical. En Estados Unidos se están organizando conciertos, publicaciones y exposiciones interactivas bajo la iniciativa oficial CHUCK100, con actividades en San Luis, Washington, Virginia y Maryland. Además, el legado de Berry sigue generando nueva música. El trío formado por Joey Molland (Badfinger), Phil Solem (The Rembrandts) y Jeff Miller ha lanzado una versión de “Roll Over Beethoven” como antesala de un álbum tributo completo que verá la luz en 2027. También se ha publicado material póstumo, como la canción “Big Boys” y su último álbum de estudio, Chuck, grabado en 2017, sigue siendo un testimonio de su vitalidad creativa hasta el final. Cien años de una revolución que no...
Carlos Raya cumple hoy 62 años: el guitarrista y productor que ha marcado el sonido del rock español 
Carlos Raya cumple hoy 62 años: el guitarrista y productor que ha marcado el sonido del rock español
Hoy 14 de octubre, Carlos Raya cumple 62 años. Nacido en Madrid en 1964, es una de las figuras más importantes y respetadas de la música española de las últimas cuatro décadas. Guitarrista, productor, técnico de sonido y director musical, su nombre está ligado a algunos de los discos y giras más importantes del rock y el pop en español. Y lo mejor de todo: sigue en activo, en plena forma y con proyectos sobre la mesa. De Pinto a los escenarios: los inicios con Sangre Azul La historia musical de Carlos Raya comenzó a principios de los años 80 en Pinto (Madrid). Con apenas 16 años y después de ver a Barón Rojo en el Parque de Atracciones, decidió que quería dedicarse al rock. En 1981 fundó Sangre Azul, una de las bandas de hard rock más importantes de la escena madrileña, junto a “Lili” Castañosa, Julio Díaz, Juan Antonio Martín y Luis Santurde. Con Sangre Azul grabó varios discos que marcaron a una generación, como Obsesión (1987) y Cuerpo a cuerpo (1988), y se convirtieron en un referente del hard rock español, con un sonido que muchos comparaban con el de Whitesnake. Aquella etapa fue la forja de un guitarrista que, con el tiempo, se convertiría en uno de los músicos de estudio más solicitados del país. El salto a la producción: Quique González y Antonio Vega Luego de la disolución de Sangre Azul en 1992, Carlos Raya dio un giro a su carrera y se centró en la producción musical. Entre 1998 y 2006 produjo todos los discos de Quique González, una de las colaboraciones más fructíferas y personales de su trayectoria. Juntos grabaron Personal, Salitre 48, Pájaros mojados, Kamikazes enamorados, La noche americana y Ajuste de cuentas, además de compartir escenario en numerosas giras. Raya siempre ha definido a Quique González como un “hermano” y ha señalado que es “parte indivisible” de lo que es y lo que hace. En esa misma época también trabajó como guitarrista y productor con Antonio Vega, una de las voces más importantes del pop español. Participó en la grabación de dos discos del madrileño y se consolidó como un hombre de confianza para los artistas que buscaban un sonido cuidado, honesto y con personalidad. M Clan y Fito & Fitipaldis: la consagración Entre 2001 y 2006 fue miembro de M Clan, una de las bandas más importantes del rock español. Con ellos grabó discos y giró por todo el país, consolidando su reputación como guitarrista y hombre de estudio. Pero el gran salto de su carrera llegó en 2006, cuando Fito Cabrales lo fichó para producir y tocar en Por la boca vive el pez, uno de los discos más exitosos de Fito & Fitipaldis. Desde entonces, Raya se ha convertido en la mano derecha y director musical de Fito, participando en todos sus discos y giras. Su trabajo en Antes de que cuente diez (2010) le valió una nominación como productor en los Premios de la Música, y desde entonces ha sido una pieza clave en el sonido de la banda. Además, en 2010 fue invitado por Brian May, guitarrista de Queen, a uno de sus conciertos, y el propio May le dedicó un curioso piropo: “Qué rápido tocas”. Las canciones que llevan su firma El catálogo de Carlos Raya es enorme, pero estos son algunos de los discos y temas en los que su guitarra y su producción han dejado una huella imborrable: “Ajuste de cuentas” (Quique González): uno de los discos más importantes de la carrera del cantautor, grabado en directo con Los Taxi Drivers. “La...
Hoy 13 de octubre, Itea Benedicto cumple 39 años. Nacida en Teruel en 1987, aunque criada en Albacete, es una de esas artistas que no se dejan encasillar. Fue la voz de Níobeth, una de las bandas de metal sinfónico más prometedoras de España, y hoy sigue en activo como soprano, actriz, directora de su propia compañía de teatro musical y creadora incansable. De los escenarios de ópera al metal sinfónico Itea Benedicto Colás comenzó sus estudios musicales a los 10 años en Albacete. A lo largo de su formación cursó seis años de solfeo, diez de piano y trece de canto clásico. Desde muy joven interpretó piezas clásicas como el aria de la Reina de la Noche de La flauta mágica, Casta Diva de Norma o el Ave María de Haendel, y también se formó en diseño gráfico. Su gusto por el metal nació escuchando bandas como Nightwish, Epica y Dark Moor, y en 2004, tras conocer al guitarrista y compositor Jesús Díez, decidieron unir fuerzas para formar Níobeth. Níobeth: la fusión de la ópera y el metal Níobeth nació en Albacete en el verano de 2004 y se convirtió en una de las propuestas más interesantes del metal sinfónico español. Su estilo, difícil de clasificar en un solo género, combinaba una fuerte carga melódica, gran orquestación y la voz de soprano de Itea Benedicto. La banda se caracterizó por su capacidad de fusionar la música clásica con el metal gótico, el power metal y el metal progresivo. Su primer álbum de estudio, The Shining Harmony of Universe, se publicó en España en octubre de 2008 y en Japón en junio de 2009, con una acogida notable que les llevó a girar por festivales como el Viña Rock y el Leyendas del Rock. En 2010 llegó el EP Dreaming, y en 2011, su segundo y último álbum, Silvery Moonbeams, que incluía temas como “The Banished Princess”, “Eclipse” y “Sons of the Earth”, este último en memoria del padre de Itea. La banda se disolvió en diciembre de 2011, pero dejó un legado de dos álbumes y una demo que aún hoy siguen sonando entre los aficionados al género. Las canciones que definen su etapa en Níobeth El catálogo de Níobeth es una muestra perfecta de la capacidad de Itea para moverse entre la delicadeza de la ópera y la potencia del metal. Estos son algunos de los temas más destacados: “The Whisper of Rain”: el tema que abre The Shining Harmony of Universe, con una introducción que muestra toda su potencia vocal y aporta un tinte clásico al conjunto. “The Banished Princess”: uno de los cortes más representativos de Silvery Moonbeams, con una melodía épica y un estribillo que se queda grabado. “Eclipse”: sencillo del disco que contó con videoclip y que se convirtió en uno de los temas más reconocibles de la banda. “Sons of the Earth”: una canción de casi seis minutos y medio, compuesta en memoria del padre de Itea, con una carga emocional que se nota en cada verso. “The Magic Flute – Queen of the Night Aria”: su versión metalera del aria de Mozart, una muestra perfecta de su formación clásica aplicada al metal. Una carrera en constante reinvención Luego de la disolución de Níobeth, Itea Benedicto no se detuvo. En febrero de 2011 inició un proyecto en solitario como soprano lírica, interpretando arias clásicas como O mio babbino caro de Puccini. Ese mismo año fundó su propia compañía de teatro musical en Albacete, que hoy cuenta con más de una década de trayectoria, más de un millar de actuaciones y casi 300...
El cantautor escocés falleció el 8 de octubre de 2015 en su casa de Londres a los 64 años. Alcanzó el número uno en el Reino Unido en 1984 con “I Should Have Known Better”, pero su historia no es la de una estrella que se apagó, sino la de un músico que decidió bajarse del carrusel de la fama cuando aún estaba en lo más alto. James Aaron Diamond nació en Glasgow el 28 de septiembre de 1951 y creció en el barrio de Bridgeton, en una familia de clase trabajadora. Su padre era un boxeador profesional reconvertido en marinero mercante, y su madre, cantante de jazz aficionada. La música no era un lujo en casa de los Diamond: era una presencia cotidiana, una forma de expresión que se transmitía de madre a hijo. Formó su primer grupo a los 14 años y, desde muy joven, supo que la música sería su vida. No era un virtuoso ni un revolucionario. Era, ante todo, un intérprete de voz cálida y directa, un narrador de historias sencillas que hablaban de amor, pérdida y redención. A finales de los setenta, tras pasar por la banda de Alexis Korner, fundó su propio grupo, Bandit, con el que firmó con Arista Records. El debut del grupo fue recibido con indiferencia comercial y la banda se disolvió. Pero Diamond no se detuvo. A principios de los ochenta formó Ph.D. junto al teclista Tony Hymas y el baterista Simon Phillips, ambos exmiembros de la banda de Jeff Beck. En 1982, el trío alcanzó el número uno en varios países con “I Won’t Let You Down” , un tema de synth-pop elegante que se convirtió en un himno de la época. “I Should Have Known Better”: el número uno que lo cambió todo Tras la disolución de Ph.D., Diamond firmó con A&M Records y, en diciembre de 1984, alcanzó el número uno de las listas británicas con “I Should Have Known Better” , una balada coescrita con Benny Gallagher, de Gallagher & Lyle. La canción era un lamento sobre el amor perdido y el arrepentimiento, y su sencillez —piano, cuerdas y la voz desnuda de Diamond— la convirtió en un clásico instantáneo. Lo que ocurrió después es una de las anécdotas más reveladoras de su carácter. En aquel momento, Band Aid acababa de lanzar “Do They Know It’s Christmas?” , el single benéfico que buscaba recaudar fondos contra la hambruna en Etiopía. Diamond pidió públicamente al público que, en lugar de comprar su disco, gastara sus libras en el single de Band Aid. Era un gesto que decía más de él que cualquier premio: la fama no le interesaba si no servía para ayudar a alguien. Hi-Ho Silver y la retirada de los focos En 1986 volvió a las listas con “Hi-Ho Silver” , el tema principal de la serie de televisión británica Boon, que alcanzó el número 5 en el Reino Unido. La canción era un himno optimista, con un estribillo que se pegaba al oído y una energía que contrastaba con la melancolía de sus baladas. Pero Diamond no estaba cómodo con la fama. A medida que avanzaban los ochenta, se alejó progresivamente de los focos. Siguió grabando (publicó discos en los noventa, incluyendo un álbum homónimo en 1993) pero dejó de perseguir el éxito comercial. Se instaló en Londres y dedicó sus últimos años a recaudar fondos para Cash for Kids , una organización benéfica dedicada a ayudar a niños desfavorecidos. No buscaba el aplauso. Buscaba la utilidad. La despedida Jim Diamond murió en su casa de Londres el 8 de octubre de...
El baterista británico falleció el 8 de octubre de 1990 en Oregón, Estados Unidos (a los 43 años) a causa de una neumonía derivada de un estado vegetativo que padecía desde 1987, tras colapsar por una sobredosis de drogas. Fue el baterista de Procol Harum durante una década, el hombre que puso el ritmo a himnos como “A Whiter Shade of Pale” y “Conquistador”. Su carrera, brillante y trágica, es un recordatorio de que la música puede elevar a un hombre hasta el cielo y, al mismo tiempo, no salvarle de sus demonios.** Barrie James Wilson nació el 18 de marzo de 1947 en Southend-on-Sea, Essex, Inglaterra. Creció en una familia donde la música no era una presencia central, pero pronto encontró en la batería una forma de expresión que no necesitaba palabras. A mediados de los sesenta, se unió a The Paramounts, la banda de Gary Brooker y Robin Trower que, tras su disolución, se convertiría en la base de Procol Harum. Wilson fue uno de los miembros fundadores de la nueva formación, y su estilo —preciso, potente, con un toque de jazz— se convirtió en una de las señas de identidad del grupo. Procol Harum no era una banda de rock convencional. Su música fusionaba el rock con la música clásica, el blues y el soul, y sus canciones eran tan complejas como atmosféricas. Wilson no se limitaba a marcar el compás: esculpía el ritmo, creaba texturas, daba espacio a los demás instrumentos. Su batería en “A Whiter Shade of Pale” (1967), el himno que definió a la banda y que se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de la historia, es un ejemplo perfecto de su arte: discreta, elegante, pero absolutamente esencial. Los años dorados de Procol Harum Wilson permaneció en Procol Harum desde su formación en 1967 hasta su disolución en 1977. Durante esa década, la banda publicó algunos de los discos más importantes del rock progresivo: Shine On Brightly (1968), A Salty Dog (1969), Home (1970), Broken Barricades (1971), Grand Hotel (1973), Exotic Birds and Fruit (1974) y Procol’s Ninth (1975). Wilson fue el único miembro que permaneció constante en todos ellos, junto a Brooker y Reid. Su estilo se fue refinando con los años. A diferencia de otros bateristas de rock progresivo que buscaban el lucimiento técnico, Wilson entendía que su función era servir a la canción. Sus patrones eran complejos pero nunca gratuitos; sus fills, precisos pero nunca innecesarios. Era, en el mejor sentido de la palabra, un músico de banda: alguien que entendía que el todo es más importante que la suma de las partes. Después de Procol Harum Tras la separación de la banda en 1977, Wilson continuó trabajando como músico de sesión. En 1978 tocó en Double Trouble de Frankie Miller, y entre 1979 y 1984 fue miembro de la banda de gira de Joe Cocker. Su currículum incluye también una participación en la banda sonora de The Rocky Horror Picture Show (1975), donde coincidió con su compañero de Procol Harum, el guitarrista Mick Grabham. En 1983 fue contratado para tocar la batería en el álbum de AC/DC Flick of the Switch, tras la salida de Phil Rudd. Grabó las pistas, pero ninguna de ellas fue utilizada en el producto final: fue reemplazado por Simon Wright. Fue un episodio más en una carrera que, aunque prolífica, nunca le dio el reconocimiento que merecía. Su último trabajo en estudio fue una participación en el álbum de Gary Brooker Echoes in the Night, junto a sus compañeros de Procol Harum Keith Reid y Matthew Fisher, en las canciones “Ghost...
“LOUD!” comienza en un estado casi de ensoñación, pero enseguida deja claro que Avalon Stone no está interesada en una atracción tibia ni en sentimientos expresados a medias. Hay alguien que le resulta irresistible, unos labios que saben demasiado bien y una tensión que crece porque las palabras parecen quedarse cortas. Lo que quiere no es otra explicación: quiere sentir que al otro lado existe la misma intensidad. Por eso la repetición de “LOUD!” funciona como algo más que un simple estribillo. Es una exigencia emocional: habla más alto, siente más, deja de esconderte. La canción convierte la comunicación en una cuestión de intensidad y contrapone las palabras vacías con aquello que realmente puede demostrar lo que una persona está sintiendo. Avalon Stone presentó el tema como una canción de amor, un capricho y un recordatorio para dar más importancia a aquello que nos hace sentir bien. El sencillo fue publicado el 25 de septiembre de 2026 y sirve como adelanto del EP LOUD!, previsto para enero de 2027. 🐺 Cuando el deseo despierta al animal La imagen del animal atraviesa la canción y explica buena parte de su energía. Avalon Stone quiere saber qué está pensando y qué está sintiendo la otra persona, pero no busca una respuesta fría o racional. Lo que reclama es algo que tenga suficiente fuerza como para despertar el instinto, como si la atracción solo pudiera satisfacerse cuando ambos dejan de contenerse. Ahí aparece una de las claves del tema: la sensualidad no está presentada como algo delicado, sino como una fuerza física que aumenta con cada interacción. La protagonista quiere que la otra persona se implique, que deje de medir cada movimiento y que entienda que determinadas señales pueden alimentar todavía más esa tensión. El “animal” no necesita interpretarse literalmente. Es la parte más impulsiva de una persona, aquella que aparece cuando la cabeza deja de controlar cada emoción. En “LOUD!”, esa dimensión instintiva se convierte prácticamente en el motor de la canción. ❤️🔥 Entre el amor y la pura adrenalina La letra mezcla deseo y euforia de una manera deliberadamente desbordada. Avalon Stone habla de estar “love drunk”, de esa sensación de encontrarse tan metida en una situación que ya resulta difícil distinguir entre enamoramiento, excitación y pura descarga de adrenalina. La canción tampoco se conforma con una primera aproximación. Quiere otra ronda, más intensidad y una respuesta que esté a la altura de lo que está sintiendo. Incluso cuando las palabras de la otra persona no terminan de convencerla, la química parece seguir hablando por sí misma. Eso hace que “LOUD!” tenga algo muy físico, pero también algo muy divertido. No intenta convertir el deseo en un drama romántico. Lo disfruta, lo exagera y lo lleva hasta el límite, como si la mejor manera de vivir ese momento fuera dejar de preocuparse por parecer sensata. 🎸 Rock para sentirlo en el cuerpo Toda esa actitud encuentra su equivalente en el sonido de Avalon Stone. La artista, procedente de Kitchener, Ontario, construye su identidad alrededor de guitarras contundentes, una voz de fuerte personalidad y una conexión evidente con el grunge de los años noventa y el rock más pesado. Entre sus referencias aparecen Alice In Chains, Black Sabbath, Smashing Pumpkins y The Cranberries, mientras que medios especializados han relacionado su propuesta contemporánea con nombres como The Warning y Bad Omens. En “LOUD!” esa herencia no funciona como simple decoración. El tema necesita sonar grande porque habla de emociones que tampoco quieren permanecer pequeñas. La energía del rock acompaña perfectamente esa insistencia en subir el volumen y convierte la atracción de la...