El actor y cantante de country falleció el 23 de septiembre de 1982 a los 68 años. Fue uno de los últimos representantes de una estirpe que ya no volverá: la de los vaqueros que cantaban, y lo hacían con una voz que sonaba a polvo de carretera, a guitarra prestada y a una América que se desvanecía. James Clarence Wakely nació el 16 de febrero de 1914 en una cabaña de troncos en Mineola, Arkansas. Su familia se trasladó a Oklahoma cuando él era apenas un niño, y fue allí, en los ranchos de vacuno y cerdos de la Depresión, donde aprendió a montar, a trabajar y a cantar. A los siete años tomó su primera lección de música con una guitarra prestada por un indígena choctaw. No era un niño prodigio. Era un niño que escuchaba, que absorbía, que entendía que la música no era un adorno, sino una forma de vida. Murió el 23 de septiembre de 1982 en Mission Hills, California, a causa de una insuficiencia cardíaca derivada del enfisema que padecía desde años atrás. Tenía 68 años. Los años de Oklahoma En 1937, Wakely formó en Oklahoma City un grupo vocal llamado The Bell Boys, bautizado así por el patrocinio de una tienda de ropa. El grupo actuaba localmente, grababa algunos discos y emitía con frecuencia a través de la radio WKY de Oklahoma City. Entre sus miembros estaban Johnny Bond, Dick Reinhart, Scotty Harrell y Jack Cheney, nombres que luego formarían parte de la historia del country de la costa oeste. Durante una gira por Oklahoma, Gene Autry lo escuchó y lo invitó a California. Autry pensó que el trío de Wakely podría ser una buena incorporación a su nuevo programa de radio, Melody Ranch, que debutó en CBS en enero de 1940. Wakely aceptó. Se trasladó a California y se unió al programa, donde permaneció un par de años antes de dejarlo por compromisos cinematográficos y un contrato discográfico con Decca Records que se extendió de 1941 a 1947. El vaquero que cantaba En 1939, Wakely hizo su debut cinematográfico con el Jimmy Wakely Trio en un western de Roy Rogers, Saga of Death Valley. A partir de ahí, su carrera en el cine fue imparable. Apareció en películas de Hopalong Cassidy como Twilight on the Trail y Stick to Your Guns, y en 1942 participó en Heart of the Rio Grande, la única película que hizo con Gene Autry. Entre 1944 y 1949 rodó 28 westerns para Monogram Pictures, convirtiéndose en uno de los rostros más reconocibles del género de serie B. Le llamaban a veces “un Autry de bajo presupuesto”, y él respondía con una humildad que lo retrataba: “Todo el mundo le recuerda a alguien hasta que es alguien. Y prefiero que me comparen con Gene Autry que con cualquier otro. Por la gracia de Dios y de Gene Autry, tengo una carrera”. Sus películas incluían títulos como The Tulsa Kid, Deep in the Heart of Texas, Moon Over Montana, Cowboy Cavalier y Across the Rio Grande. No eran obras maestras del cine, pero eran películas honestas, hechas para un público que quería ver a un vaquero cantar, galopar y hacer justicia en menos de una hora. La música: del country al pop La carrera musical de Wakely fue igual de prolífica que la cinematográfica. Tras su etapa en Decca, fichó por Capitol Records, donde grabó la mayor parte de su obra más popular. Aunque la mayoría de sus canciones eran country western, algunas cruzaron al pop, incluyendo colaboraciones con Margaret Whiting y Karen Chandler, y la canción navideña...
Country
Hay despedidas que no encuentran su lugar en una palabra como “adiós”. Permanecen en una fotografía, en una carretera recorrida a solas, en una conversación imaginaria durante esos momentos en los que el ruido desaparece y solo queda el recuerdo. Elley Duhé construye “Stairway in the Sky” precisamente desde ese espacio entre la ausencia y la esperanza. Incluida en “Wounded Angel”, su segundo álbum de estudio, la canción forma parte de una etapa en la que la artista estadounidense mira hacia sus raíces sureñas y aborda cuestiones como la pérdida, la fe y la capacidad de seguir adelante. El álbum, publicado el 4 de septiembre de 2026, combina la sensibilidad pop de Duhé con estructuras cercanas al country y una producción contemporánea. 🌙 Elley Duhé vuelve a sus raíces Nacida en Mobile, Alabama, y criada entre la costa del Golfo y Vancleave, Mississippi, Elley Duhé creció rodeada de música. Su padre le regaló su primera guitarra a los 14 años y apenas un año después ya cantaba ante público en cafeterías. Aquellos primeros pasos terminaron llevándola por escenarios de bares y restaurantes y, más adelante, hacia Nashville, Los Ángeles y Austin. Su carrera terminó encontrando un punto de encuentro entre pop atmosférico, electrónica y sensibilidad alternativa. “Millennium”, “Immortal” y especialmente “Happy Now” junto a Zedd ayudaron a convertir aquella voz melancólica en una presencia reconocible dentro del pop electrónico internacional. También colaboró con Gryffin en “Tie Me Down”, mientras continuaba desarrollando una faceta mucho más personal en sus propios lanzamientos. Con “PHOENIX”, su debut de 2023, Duhé construyó además un proyecto marcado por la idea de muerte y renacimiento. Tres años después, “Wounded Angel” parece mirar esa misma idea desde otro lugar: no tanto renacer después de una caída, sino aprender a convivir con aquello que hemos perdido. 🕊️ Una canción sobre seguir hablando con quien ya no puede responder La primera imagen de “Stairway in the Sky” es extraordinariamente sencilla: una fotografía colocada en el salpicadero mientras la protagonista conduce. No necesita una gran escena para explicar el vínculo. Basta ese pequeño objeto y el silencio de la carretera. La canción imagina así una conversación que ya no puede suceder físicamente, pero que continúa existiendo en la memoria. Hablarle a alguien que ha muerto se convierte en una forma de mantener vivo el vínculo, especialmente durante esos momentos cotidianos en los que la ausencia se hace más evidente. Duhé no presenta el duelo como una ruptura absoluta. La idea central es justamente la contraria: algunas personas desaparecen de nuestra vida cotidiana, pero no necesariamente de nuestra historia. Por eso la canción evita instalarse únicamente en la tristeza. Hay espacio para brindar, sonreír y recordar también los momentos felices. La pérdida permanece, pero no consigue borrar todo lo que existió antes de ella. ⭐ Una escalera hacia el cielo La imagen que da nombre al tema funciona como una metáfora de esperanza. Esa “escalera” no representa únicamente un lugar al que llegar después de la muerte, sino la posibilidad de que una despedida no tenga que significar un final definitivo. El concepto conecta además con el carácter espiritual de “Wounded Angel”. Apple Music presenta el álbum como un regreso de Duhé a sus raíces sureñas, con canciones que giran alrededor de la resiliencia y la fe después de una pérdida. Incluso dentro de esa dimensión espiritual hay algo profundamente humano: la protagonista no pretende olvidar a quien se ha ido. Quiere conservar su lugar en su vida hasta el momento imaginario de volver a encontrarse. La canción convierte esa esperanza en algo casi físico. Primero está la carretera. Después...
Hoy 14 de septiembre de 2024, se cumplen cuarenta y tres años de su muerte. Y en cada riff de slide guitar, en cada historia interminable sobre trenes y fantasmas, en cada canción que capturó el polvo y el sudor del Delta, Furry Lewis sigue vivo. Porque él no fue solo un bluesman: fue el último juglar de Memphis, el puente viviente entre los años veinte y la revolución del rock, y el hombre que le enseñó al mundo que el blues no es solo un género, sino una forma de sobrevivir. Existen artistas que graban discos para la historia. Y hay artistas que viven la historia en la calle, y en el proceso, se convierten en leyenda antes de que el mundo se acuerde de ellos. Furry Lewis perteneció a esta segunda estirpe. Fue guitarrista, cantante, compositor y, sobre todo, un narrador excepcional. Pero si hay algo que definió su vida, fue su relación con Beale Street: perdió una pierna en un accidente de tren, aprendió a tocar la guitarra con una navaja de bolsillo, grabó unos pocos discos en los años veinte que cambiaron la música, y luego desapareció en el olvido durante décadas, solo para ser rescatado por la generación que él mismo había inspirado. Sin Furry Lewis, el blues de Memphis no tendría su rostro más auténtico. Y sin Furry Lewis, el rock de los años sesenta y setenta habría sonado muy distinto. Walter E. “Furry” Lewis nació en Greenwood, Mississippi, el 6 de marzo de 1893, y falleció en Memphis, Tennessee, el 14 de septiembre de 1981, a los 88 años. Cuarenta y tres años después, su figura sigue siendo un recordatorio de que en la música, a veces, los mitos más grandes son los que se forjan en las esquinas y en las vías del tren. De Mississippi a las vías del tren: el accidente que forjó la leyenda Furry Lewis creció en el Delta de Mississippi, en el seno de una familia de aparceros. Desde joven, la música fue su refugio. Aprendió a tocar la guitarra de oído, absorbiendo los sonidos de los campos de algodón y las fiestas de los sábados por la noche. Pero su vida dio un giro drástico cuando era apenas un adolescente: mientras intentaba subirse a un tren en movimiento, sufrió un terrible accidente que le destrozó la pierna izquierda. En una época y un lugar donde la atención médica para un joven negro y pobre era inexistente, la pierna tuvo que ser amputada. Lewis se fabricó su propia prótesis con un trozo de madera y un palo de escoba. Pero el accidente también cambió su forma de tocar: al no poder sostener la guitarra de manera tradicional, comenzó a tocarla apoyada sobre su regazo o de pie, deslizando una navaja de bolsillo o un cuello de botella sobre las cuerdas. Así nació su inconfundible sonido de slide, un tono metálico, arrastrado y hipnótico que se convertiría en su sello personal. Los años de Vocalion: la primera voz del Delta A finales de los años veinte, Lewis se mudó a Memphis y se integró en la efervescente escena de Beale Street. Su talento era tal que en 1927 y 1928 fue llamado por el sello Vocalion para grabar en Memphis. De esas sesiones nacieron joyas absolutas del blues como “Kassie Jones” (una épica de quince minutos que cuenta la historia de un maquinista de tren), “I Will Turn Your Money Green” y “Big Chief Buffalo Nickel”. Sin embargo, la Gran Depresión golpeó la industria discográfica y los discos de blues dejaron de venderse. Las sesiones de Lewis...
Hoy 12 de septiembre de 2026, se cumplen veintitrés años de su muerte. Y en cada tren que pasa, en cada prisión que llora, en cada pecador que busca redención, Johnny Cash sigue vivo. Porque él no fue solo un músico: fue un predicador que cantaba a los pecadores, un hombre de fe que nunca dejó de dudar, un artista que convirtió sus demonios en canciones y sus canciones en un lugar donde todos los que alguna vez se sintieron perdidos encontraron un hogar. Hay artistas que pertenecen a un género. Y hay artistas que pertenecen a un país entero. Johnny Cash fue de estos últimos. Su voz, grave y temblorosa, sonaba como el lamento de los que no tienen voz. Su figura, vestida de negro, era un recordatorio constante de que la música no siempre tiene que ser bonita: a veces tiene que ser verdadera. A lo largo de cinco décadas, grabó más de noventa discos, vendió más de noventa millones de copias, ganó diecinueve premios Grammy y se convirtió en el único artista incluido en los salones de la fama del country, el rock and roll y el gospel. Pero ninguna de esas cifras explica su grandeza. Lo que la explica es otra cosa: Johnny Cash cantó a los presos, a los pobres, a los borrachos, a los traidores y a los santos. Cantó a todos. Y todos se sintieron representados. John R. Cash nació el 26 de febrero de 1932 en Kingsland, Arkansas, y falleció en Nashville el 12 de septiembre de 2003, a los 71 años, por complicaciones derivadas de la diabetes. Veintitrés años después, su figura sigue siendo un faro para todos los que entienden que la música, cuando es de verdad, no entiende de etiquetas. De los campos de algodón a los estudios de Memphis Johnny Cash nació en el seno de una familia de granjeros pobres durante la Gran Depresión. Creció en Dyess, Arkansas, en una colonia agrícola creada por el gobierno para dar tierras a las familias sin recursos. Allí, desde muy niño, trabajó en los campos de algodón junto a sus hermanos. La música era un refugio: en casa sonaba la radio, y en la iglesia pentecostal de su madre, los himnos que nunca abandonarían su voz. Su infancia quedó marcada por una tragedia que lo perseguiría toda su vida. Su hermano mayor, Jack, murió a los quince años tras un accidente con una sierra mecánica. Johnny, que entonces tenía doce años, nunca se recuperó del todo. Aquella pérdida sembró en él una obsesión con la muerte que atraviesa toda su obra. Tras un breve paso por la Fuerza Aérea, donde sirvió como operador de radio en Alemania y compuso su primera canción, “Folsom Prison Blues” , Cash se casó con su primera esposa, Vivian Liberto, y se instaló en Memphis. Allí, mientras vendía electrodomésticos para mantener a su familia, empezó a tocar con dos mecánicos que conocía: el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant. Juntos formaron Johnny Cash and the Tennessee Two y llamaron a la puerta de Sun Records, el sello de Sam Phillips donde ya grababan Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Carl Perkins. La primera canción que grabó para Sun, en 1955, fue “Hey Porter” . La segunda, “Cry! Cry! Cry!” . La tercera, “Folsom Prison Blues” . El resto es historia. El hombre que cantaba a los presos En 1956, Cash publicó “I Walk the Line” , una canción que escribió como promesa de fidelidad a su primera esposa y que se convirtió en su primer número uno en las listas de country....
Hoy 12 de septiembre de 2026, se cumplen sesenta y cuatro años de su muerte. Y en cada ranura de un tocadiscos que gira un viejo vinilo de Brunswick, en cada coleccionista que paga una fortuna por una copia de “Brownskin Blues”, en cada rincón de los montes de Virginia Occidental donde aún se recuerda su nombre, Dick Justice sigue vivo. Porque él no fue solo un músico: fue un puente entre dos mundos sonoros que rara vez se tocaban, y lo cruzó con la naturalidad de quien no sabía que estaba haciendo historia. Hay artistas que construyen su carrera sobre décadas de grabaciones, giras y reconocimiento. Y hay artistas que lo dejan todo en un puñado de canciones. Henry Franklin “Dick” Justice perteneció a esta segunda estirpe. Fue un minero de carbón de Virginia Occidental que, en mayo de 1929, viajó a Chicago para grabar ocho canciones para Brunswick Records. De aquellas sesiones nacieron clásicos como “Henry Lee”, “Cocaine” y, sobre todo, “Brownskin Blues” , una pieza que sesenta y cuatro años después de su muerte sigue siendo venerada por coleccionistas de blues y folk de todo el mundo. Dick Justice murió en Yolyn, Virginia Occidental, el 12 de septiembre de 1962 , a los 59 años. Su tumba, en el cementerio de Yolyn, es hoy un lugar de peregrinación para los aficionados al blues de raíz. Y su música, grabada en apenas dos días de 1929, sigue sonando como si el tiempo no hubiera pasado. De los campos de carbón a los estudios de Chicago Henry Franklin Justice nació el 2 de abril de 1903 en East Lynn, en el distrito de Stonewall del condado de Wayne, Virginia Occidental. Su padre, Frank Justice, era jornalero en la granja de su abuelo en 1900, pero para 1910 ya trabajaba como minero de carbón. La familia se trasladó varias veces siguiendo el trabajo: Lorado, Kitchen, Stone Branch, Henlawson, Cora, Mount Gay… El carbón marcaba el ritmo de sus vidas, y Dick creció entre pozos mineros y campamentos de compañía. Aprendió a tocar la guitarra y el banjo en ese entorno rural y montañoso, donde la música no era un pasatiempo: era una forma de sobrevivir al aislamiento. Escuchaba los discos de blues que llegaban de las ciudades, y sobre todo, absorbió la influencia de los músicos negros con los que compartía trabajo y escenario. Bayless Rose, un guitarrista de blues con quien tocó con frecuencia, fue una de sus mayores influencias. También Luke Jordan, cuyo estilo vocal y guitarra marcaron profundamente su manera de cantar. Mayo de 1929: dos días que lo cambiaron todo En mayo de 1929, Dick Justice viajó a Chicago y entró en los estudios de Brunswick Records. Allí, los días 20 y 21 de mayo, grabó ocho canciones. De ellas, seis se editaron: “Old Black Dog”, “Little Lulie”, “Brown Skin Blues”, “Cocaine”, “Henry Lee” y “One Cold December Day” . Ese mismo día, con el violinista de Kanawha County Reese Jarvis, grabó cuatro temas instrumentales que se publicaron bajo el nombre de Jarvis Justice: “Guian Valley Waltz”, “Poor Girl’s Waltz”, “Poca River Blues” y “Muskrat Rag”. Lo curioso es que, según Jarvis, nunca habían tocado juntos antes de llegar al estudio. Aun así, la química fue instantánea. La música de Dick Justice era un collage único: baladas escocesas antiguas transmitidas por su familia durante generaciones, técnicas de guitarra blues aprendidas de Bayless Rose, canciones de banjo de las montañas y ecos de los discos de blues que escuchaba. No era folk, no era blues, no era country. Era las tres cosas a la vez, y...
Hoy 11 de septiembre de 2026, se cumplen cincuenta y siete años de su muerte. Y en cada carretera perdida, en cada jukebox que aún guarda un disco suyo, en cada versión de sus canciones que sigue sonando, Leon Payne sigue ahí. Porque él no necesitó ver el mundo para cantarlo: le bastó con sentirlo. Hay artistas que escriben canciones para que las canten otros y hay artistas que escriben las canciones que definen a otros. Leon Payne perteneció a esta segunda estirpe. Fue conocido como “The Blind Balladeer”, el juglar ciego, y no era una exageración: perdió la vista casi por completo al nacer, pero desarrolló un oído y una sensibilidad que le permitieron convertirse en uno de los compositores más importantes de la música country. Sus canciones las grabaron Hank Williams, Elvis Presley, Johnny Cash y George Jones. Su nombre, sin embargo, no siempre aparece en los grandes titulares. Leon Payne murió el 11 de septiembre de 1969 en San Antonio, Texas, a los 52 años, de un ataque al corazón. Cincuenta y siete años después, su legado sigue siendo un pilar silencioso del country, un recordatorio de que a veces los arquitectos más importantes de un género son aquellos que trabajan desde las sombras. De Alba a la escuela para ciegos Leon Roger Payne nació el 15 de junio de 1917 en Alba, Texas, un pueblo pequeño en el este del estado. Nació ciego de un ojo y perdió la vista del otro en un accidente durante su infancia. Su familia lo inscribió en la Texas School for the Blind en Austin, donde estudió desde 1922 hasta 1935. La escuela no era un refugio: era un centro de formación donde la música ocupaba un lugar central. Allí, Payne aprendió a tocar la guitarra, el piano y varios instrumentos de cuerda. Según los críticos de la época, cantaba “en el estilo suave y fluido de Eddy Arnold”. Su ceguera no fue un obstáculo: fue, paradójicamente, el motor que lo empujó a desarrollar un oído prodigioso y una memoria musical fuera de lo común. Tras graduarse en 1935, comenzó su carrera musical en la radio KWET de Palestine, Texas. Tres años después, en 1938, se unió brevemente a los Texas Playboys de Bob Wills, la banda de western swing más importante de la época. Aquello fue su escuela de carretera: aprendió a tocar para públicos ruidosos, a improvisar sobre la marcha y a entender que la música no era un arte de salón, sino una forma de vida. “Lifetime to Regret” y el nacimiento de un compositor El punto de inflexión de su carrera llegó en 1948. Ese año compuso “Lifetime to Regret” , una canción que estableció su reputación como compositor. También se unió a Jack Rhodes and His Rhythm Boys, y formó su propio grupo, los Lone Star Buddies. Pero fue al año siguiente, en 1949, cuando escribió la canción que lo cambiaría todo: “I Love You Because” . Una balada sencilla, directa, sin adornos innecesarios, inspirada en su esposa Myrtie Velma Courmier, a quien había conocido en la escuela para ciegos y con quien se había casado en agosto de 1948. Payne la grabó para Capitol Records, con “A Link in the Chain of Broken Hearts” en la cara B. La canción fue un éxito inmediato. Alcanzó el número uno en la lista de country de Billboard, la única versión de la canción que lo consiguió. Pero su impacto no se limitó al country. Elvis Presley la grabó en 1954 durante sus legendarias sesiones en Sun Records, y aunque la versión no vio la luz...
Hoy 10 de septiembre de 2026, se cumplen veintiún años de su muerte. Y en un mundo que insiste en etiquetarlo todo, la figura de Clarence «Gatemouth» Brown sigue siendo un hermoso recordatorio de que la buena música no entiende de fronteras. Hay artistas que pertenecen a un género y hay artistas que pertenecen a todos. Clarence «Gatemouth» Brown fue de estos últimos: un músico de Luisiana y Texas que se negó a elegir entre el blues, el country, el jazz, el cajun o el rhythm & blues. No era que no pudiera decidirse.. Era que sabía tocar todo y le parecía absurdo renunciar a cualquiera de esas músicas. Su guitarra podía rugir como la de T-Bone Walker y, al minuto siguiente, su violín podía mecerse en una polca cajún. Su voz, grave y chirriante como una puerta vieja, era inconfundible. El 10 de septiembre de 2005, Clarence Brown falleció en Orange, Texas, a los 81 años, tras huir de la devastación del huracán Katrina. Veintiún años después, su legado sigue siendo un ejemplo de integridad artística y de amor por la música por encima de las etiquetas. De Vinton a la leyenda Clarence Brown nació el 18 de abril de 1924 en Vinton, Luisiana, y creció al otro lado de la frontera estatal, en Orange, Texas. Su padre, un trabajador ferroviario y músico aficionado, le enseñó a tocar el violín a los cinco años, y pronto añadió el piano, la guitarra, la mandolina, la armónica y la batería a su arsenal. A los diez años ya actuaba con la guitarra, y en su adolescencia tocaba la batería en bandas de swing. Su apodo, «Gatemouth», se lo puso un profesor de instituto que dijo que tenía «una voz como una puerta». No era un cumplido, pero a él le gustó. Y se quedó con él para siempre. El debut que lo cambió todo La historia del debut de Gatemouth es una de esas anécdotas que definen una carrera. En 1947, asistía a un concierto de T-Bone Walker en el club Bronze Peacock de Houston cuando Walker enfermó y no pudo terminar su actuación. Brown, que había ido como espectador, subió al escenario, cogió la guitarra eléctrica que Walker había dejado y tocó «Gatemouth Boogie». La reacción del público fue tan entusiasta que el dueño del club, Don Robey, le ofreció un contrato discográfico en el acto. Ese momento marcó el inicio de una carrera que duraría casi seis décadas. Robey fundó Peacock Records específicamente para grabar la música de Brown, y su primer single, «Mary Is Fine», alcanzó el número 8 de las listas de R&B en 1949. Le siguieron éxitos como «Okie Dokie Stomp», «Ain’t That Dandy» y «Boogie Rambler». Un músico que se negó a ser esclavo del blues A finales de los años cincuenta, Brown comenzó a sentirse frustrado con las limitaciones de ser etiquetado como músico de blues y R&B. En 1961 rompió con Robey y Peacock, y durante gran parte de esa década tuvo dificultades para encontrar trabajo. Llegó incluso a cambiar la guitarra por una placa de sheriff en el condado de San Juan, Nuevo México. Pero fue Europa la que lo rescató. A principios de los setenta, las giras y grabaciones en Francia lo devolvieron a los escenarios, y con ellas llegó una reinvención personal y artística. En 1976 publicó Blackjack, y en 1979 grabó Makin’ Music junto al guitarrista de country Roy Clark, un disco que demostró que su eclecticismo no era una pose, sino una forma de entender la música. En 1982 ganó el Grammy a la Mejor Grabación de...
Hoy 10 de septiembre de 2026, se cumplen tres años de su muerte. Y los grandes nombres con los que tocó ya lo dijeron todo: Brendan Croker no fue una estrella, fue algo mucho más difícil de encontrar. Fue el músico al que los músicos admiraban. Hay artistas que persiguen el aplauso y hay artistas que, sencillamente, hacen música porque no saben hacer otra cosa. Brendan Croker perteneció a esta segunda estirpe: un guitarrista, cantante y compositor de Bradford que nunca quiso ser un guitar hero, que disolvió su propia banda cuando empezaba a despuntar y que se marchó a Nashville a aprender de los maestros. Su nombre quizá no llene estadios, pero aparece en los créditos de discos de Eric Clapton, Mark Knopfler, Tanita Tikaram, Chet Atkins y Kevin Coyne. Y eso, en el mundo de la música, es una forma de inmortalidad. Brendan Christopher Croker nació en Bradford, Yorkshire, el 15 de agosto de 1953, y falleció el 10 de septiembre de 2023 a los 70 años, a causa de complicaciones derivadas de una leucemia. Tres años después, su figura sigue siendo un ejemplo de integridad artística: la de un músico que prefirió ser respetado antes que famoso. De Bradford a Leeds: los años de formación Croker creció en una familia trabajadora. Su padre, Michael, era un escocés que trabajaba como administrador en una empresa de venta por correo; su madre, Eileen, era una irlandesa que ejercía de controladora de calidad en una fábrica textil. Estudió Bellas Artes en el Bradford College y en la Sheffield School of Art, y antes de dedicarse por completo a la música desempeñó oficios tan variados como guardagujas, barrendero o pintor de decorados en el Leeds Playhouse. Fue precisamente en el Leeds Playhouse donde conoció a Ali Allen, diseñadora de escenarios que se convertiría en su compañera de vida durante casi cinco décadas. Y fue en Leeds donde su camino se cruzó con el de Steve Phillips, un experto en country blues que se ganaba la vida reparando guitarras. Phillips había tocado en un dúo con Mark Knopfler, los Duolian String Pickers, que se disolvió en 1974. Brendan tomó el relevo de Knopfler, y a partir de ahí, su destino quedó ligado a ambos. El locutor y crítico Andy Kershaw, que los vio tocar en el pub Packhorse de Leeds en 1978, quedó impresionado por su forma de tocar y describió a Brendan como «un talento enorme, un guitarrista de clase mundial con una voz de soul blanco como la de Frankie Miller… lo más parecido que teníamos a Ry Cooder». Five O’Clock Shadows: el sonido de un pub inglés En los años ochenta, Croker formó su propia banda, The Five O’Clock Shadows, nombre tomado de los Shadows de Cliff Richard pero con un repertorio que mezclaba country, blues y reggae. Con ellos publicó discos como A Close Shave (1986), Boat Trips in the Bay (1987) y Brendan Croker and The 5 O’Clock Shadows (1989), este último con la colaboración de Guy Fletcher y Mark Knopfler. Cuando Kershaw se mudó a Londres en 1984 y se convirtió en presentador de The Old Grey Whistle Test, se aseguró de que los Five O’Clock Shadows aparecieran en el programa, ayudándoles además a conseguir telonear a artistas americanos como Los Lobos y Robert Cray. La banda empezaba a alcanzar un reconocimiento serio cuando, inesperadamente, Croker decidió disolverla. The Notting Hillbillies: el proyecto perfecto En 1986, Mark Knopfler decidió tomarse un respiro de los estadios de Dire Straits y formar una banda donde pudiera explorar su amor por el country y el blues. El resultado...
Dolly Rebecca Parton, la icónica voz que definió el country moderno y trascendió géneros, falleció hoy en Nashville a los 80 años. La noticia fue confirmada por su representante, quien no reveló la causa de la muerte y pidió respeto a la privacidad de la familia. Nacida el 19 de enero de 1946 en una cabaña sin electricidad en las montañas de Tennessee, Parton se convirtió en una de las artistas más queridas, exitosas e influyentes de todos los tiempos. Con una carrera de más de seis décadas, Parton vendió más de 100 millones de discos, escribió más de 3.000 canciones, colocó 25 sencillos en el número uno de las listas country de Billboard y ganó 11 premios Grammy. Pero más allá de las cifras, fue su personalidad cálida, su humor autocrítico y su compromiso con la gente humilde lo que la convirtió en un símbolo universal. De las montañas de Tennessee al estrellato Dolly Rebecca Parton nació en Locust Ridge, en el condado de Sevier, Tennessee. Fue la cuarta de doce hijos de Robert Lee Parton, un agricultor y obrero, y Avie Lee Owens. La pobreza era extrema: la familia vivía en una cabaña de una habitación, sin agua corriente ni electricidad. Su madre cantaba baladas tradicionales y su abuelo tocaba el banjo; la música era refugio y fe. A los cinco años compuso su primera canción, “Little Tiny Tasseltop”, y a los siete aprendió a tocar la guitarra. A los diez ya actuaba en la radio local de Knoxville y a los trece debutó en el Grand Ole Opry, donde conoció a Johnny Cash, quien la animó a seguir su propio camino. En 1964, al día siguiente de graduarse de la secundaria, se mudó a Nashville con una maleta y una determinación inquebrantable. Los años con Porter Wagoner y el salto en solitario En Nashville firmó con Monument Records, donde probó primero con temas pop para luego encontrar su lugar en el country. En 1967, “Dumb Blonde” fue su primer éxito en las listas country. Ese mismo año, Porter Wagoner la invitó a unirse a su popular programa de televisión. La química fue inmediata; durante siete años formaron el dúo más querido del country, con éxitos como “The Last Thing on My Mind”, “Just Someone I Used to Know” y “Please Don’t Stop Loving Me”. Sin embargo, la relación, artísticamente fructífera, se volvió restrictiva. En 1974, cuando decidió independizarse, escribió “I Will Always Love You” como carta de despedida. La canción llegó al número uno y se convirtió en una de las baladas más versionadas de la historia; la interpretación de Whitney Houston en 1992 la elevó a un estatus legendario. Luego de separarse de Wagoner, Parton construyó su imperio. “Jolene” (1973) se transformó en un himno de celos y vulnerabilidad; “Love Is Like a Butterfly” y “The Bargain Store” consolidaron su voz única. En 1977, “Here You Come Again” la llevó al gran público pop: fue su primer Top 3 en el Billboard Hot 100 y ganó el Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina Country. Una camaleona de estilos musicales A lo largo de su carrera, Dolly no se dejó encasillar. Abrazó el country tradicional de los Apalaches, el country-pop orquestado de los años setenta, el pop adulto de los ochenta, el bluegrass de raíz, el gospel (con discos como Precious Memories), el folk y hasta el dance en incursiones puntuales como “Potential New Boyfriend”. En 2023, sorprendió con Rockstar, un ambicioso álbum de duetos junto a Paul McCartney, Ringo Starr, Sting, Stevie Nicks, Joan Jett y muchas otras leyendas. Ese disco debutó en el...