Uve Sad no parece haber vuelto para pedir permiso. Después de casi un año alejado de los lanzamientos, Víctor Muñoz Olleta recupera su personaje artístico con una canción que convierte el funeral en una declaración de intenciones: aquí se entierra algo, sí, pero no necesariamente al propio artista. “Bienvenidos a mi Funeral” dura apenas 1:51 y fue publicado el 18 de septiembre de 2026 como una pieza de hip-hop/rap. Sin embargo, su actitud conecta con la transformación que Uve Sad lleva tiempo realizando: aquel artista asociado al sad trap de finales de la década pasada ha ido desplazándose hacia un sonido más abierto, cercano al pop y al pop punk. 🖤 Del sad trap a una identidad que ya no quiere quedarse quieta Uve Sad nació musicalmente desde la emoción. Él mismo contaba que empezó a componer después de descubrir el rap a los ocho años y que el nombre “Sad” apareció durante una etapa complicada de su vida, cuando sus canciones estaban especialmente marcadas por la tristeza. También explicaba que nunca quiso que ese nombre artístico se convirtiera en una jaula. Aquella primera etapa lo convirtió en uno de los nombres vinculados al sad trap español. Su álbum “Mis Alas”, publicado en 2022, reunía catorce canciones y colaboraciones con artistas como SWIT EME, Lionware, MKS y Nissa. RTVE lo situaba entonces dentro de aquella corriente que mezclaba trap con elementos emocionales procedentes del rock alternativo, el pop punk y el emo. Pero Uve Sad nunca pareció demasiado interesado en quedarse exactamente donde lo había encontrado el público. ⚰️ “Bienvenidos a mi Funeral” como punto de ruptura El título puede parecer oscuro, pero la canción tiene algo mucho más juguetón, desafiante y autoconsciente. La frase que se repite durante todo el tema funciona como una presentación teatral. Uve Sad abre las puertas de su propio funeral y deja que entren todos: quienes lo siguen, quienes lo critican y quienes quizá pensaban que había desaparecido. El propio artista resume la situación hablando de haber vuelto a encontrar a su público. Esa frase cambia completamente la lectura del funeral: no estamos ante un final, sino ante una especie de ceremonia de regreso. La muerte se convierte en metáfora. Puede morir una etapa, una actitud o incluso una determinada imagen del artista, pero la persona que está detrás continúa ahí. 🥀 Cinismo, provocación y una mirada incómoda al presente La letra tampoco busca resultar amable. Uve Sad se presenta como alguien cínico, crítico y consciente de sus propias contradicciones. Habla del riesgo, del morbo, de estar “bajo mínimos” y de un entorno que percibe como un circo político. No intenta construir una imagen limpia ni particularmente complaciente. Ese tono conecta con una característica que ya aparecía en entrevistas anteriores: la voluntad de decir las cosas sin demasiados filtros. En 2021 explicaba que podía escribir sobre lo que le entristecía, pero también defendía una música capaz de moverse entre pop, trap, rock y emo punk sin someterse a una sola etiqueta. Aquí esa libertad se traduce en una canción corta, directa y deliberadamente descarada. 🎸 Una nueva etapa después de “Salida de Emergencia” El lanzamiento tampoco llega aislado. En julio de 2026, Uve Sad regresó después de casi un año de silencio con “Salida de Emergencia”, presentado como el comienzo de un proyecto más ambicioso y conceptual. Aquel regreso hablaba ya de una evolución hacia un sonido más robusto y pensado para conectar con públicos alternativos de España e Iberoamérica. La transformación coincide con lo que su equipo define como Nuevo Pop Punk Latino, una dirección que incorpora guitarras y baterías más contundentes...
Canciones Nuevas
Hay despedidas que no encuentran su lugar en una palabra como “adiós”. Permanecen en una fotografía, en una carretera recorrida a solas, en una conversación imaginaria durante esos momentos en los que el ruido desaparece y solo queda el recuerdo. Elley Duhé construye “Stairway in the Sky” precisamente desde ese espacio entre la ausencia y la esperanza. Incluida en “Wounded Angel”, su segundo álbum de estudio, la canción forma parte de una etapa en la que la artista estadounidense mira hacia sus raíces sureñas y aborda cuestiones como la pérdida, la fe y la capacidad de seguir adelante. El álbum, publicado el 4 de septiembre de 2026, combina la sensibilidad pop de Duhé con estructuras cercanas al country y una producción contemporánea. 🌙 Elley Duhé vuelve a sus raíces Nacida en Mobile, Alabama, y criada entre la costa del Golfo y Vancleave, Mississippi, Elley Duhé creció rodeada de música. Su padre le regaló su primera guitarra a los 14 años y apenas un año después ya cantaba ante público en cafeterías. Aquellos primeros pasos terminaron llevándola por escenarios de bares y restaurantes y, más adelante, hacia Nashville, Los Ángeles y Austin. Su carrera terminó encontrando un punto de encuentro entre pop atmosférico, electrónica y sensibilidad alternativa. “Millennium”, “Immortal” y especialmente “Happy Now” junto a Zedd ayudaron a convertir aquella voz melancólica en una presencia reconocible dentro del pop electrónico internacional. También colaboró con Gryffin en “Tie Me Down”, mientras continuaba desarrollando una faceta mucho más personal en sus propios lanzamientos. Con “PHOENIX”, su debut de 2023, Duhé construyó además un proyecto marcado por la idea de muerte y renacimiento. Tres años después, “Wounded Angel” parece mirar esa misma idea desde otro lugar: no tanto renacer después de una caída, sino aprender a convivir con aquello que hemos perdido. 🕊️ Una canción sobre seguir hablando con quien ya no puede responder La primera imagen de “Stairway in the Sky” es extraordinariamente sencilla: una fotografía colocada en el salpicadero mientras la protagonista conduce. No necesita una gran escena para explicar el vínculo. Basta ese pequeño objeto y el silencio de la carretera. La canción imagina así una conversación que ya no puede suceder físicamente, pero que continúa existiendo en la memoria. Hablarle a alguien que ha muerto se convierte en una forma de mantener vivo el vínculo, especialmente durante esos momentos cotidianos en los que la ausencia se hace más evidente. Duhé no presenta el duelo como una ruptura absoluta. La idea central es justamente la contraria: algunas personas desaparecen de nuestra vida cotidiana, pero no necesariamente de nuestra historia. Por eso la canción evita instalarse únicamente en la tristeza. Hay espacio para brindar, sonreír y recordar también los momentos felices. La pérdida permanece, pero no consigue borrar todo lo que existió antes de ella. ⭐ Una escalera hacia el cielo La imagen que da nombre al tema funciona como una metáfora de esperanza. Esa “escalera” no representa únicamente un lugar al que llegar después de la muerte, sino la posibilidad de que una despedida no tenga que significar un final definitivo. El concepto conecta además con el carácter espiritual de “Wounded Angel”. Apple Music presenta el álbum como un regreso de Duhé a sus raíces sureñas, con canciones que giran alrededor de la resiliencia y la fe después de una pérdida. Incluso dentro de esa dimensión espiritual hay algo profundamente humano: la protagonista no pretende olvidar a quien se ha ido. Quiere conservar su lugar en su vida hasta el momento imaginario de volver a encontrarse. La canción convierte esa esperanza en algo casi físico. Primero está la carretera. Después...
Hay canciones que hablan de una ciudad y otras que parecen haber sido criadas dentro de ella. “N.Y. Baby” pertenece claramente a la segunda categoría. Blu DeTiger convierte las calles, el metro, las luces de los comercios y esa sensación de no saber dónde acabará la noche en una canción que funciona como declaración de identidad. El tema es además la canción que da nombre a su próximo segundo álbum, previsto para el 6 de noviembre de 2026, y reúne a Holly Walker, Say She She y Flavor Flav alrededor de una producción construida sobre el bajo, el funk y una sensualidad descaradamente nocturna. 🗽 Nueva York no es el escenario: es parte de Blu Blu DeTiger nació y creció en Nueva York, concretamente en Manhattan, y la ciudad lleva prácticamente toda su vida mezclándose con su manera de entender la música. Empezó a tocar el bajo con solo siete años y llegó a actuar en el legendario CBGB durante su infancia. Más adelante se convirtió en una presencia habitual de la escena nocturna neoyorquina, tocando en bandas y ejerciendo como DJ mientras incorporaba líneas de bajo en directo a sus sesiones. Ese recorrido explica por qué en su música el bajo no funciona simplemente como acompañamiento. Es el centro físico de las canciones, la corriente que las hace avanzar. Funk, disco, art pop, electroclash y rock alternativo han ido alimentando un sonido que también bebe directamente de la cultura de clubes de Nueva York. DeTiger ha citado desde Blondie hasta LCD Soundsystem entre las referencias que escucha en su propia ciudad. 🪩 Una noche que empieza en First Avenue y puede acabar en cualquier parte La letra de “N.Y. Baby” está construida como una pequeña ruta nocturna. Esperar en la calle, las luces de los carteles, una esquina de First Avenue, el metro F y esa sensación de salir sin saber exactamente qué ocurrirá después. No hay un destino demasiado importante porque el verdadero destino es seguir moviéndose. DeTiger ha explicado que quería capturar precisamente esa sensación tan neoyorquina de dejar de controlar el recorrido: salir, conocer gente, escuchar otra canción, quedarse un poco más y comprobar adónde lleva la noche. Para ella, ser una “N.Y. Baby” implica curiosidad, independencia, inquietud y capacidad para moverse entre mundos diferentes sin perderse a una misma. Por eso la canción tiene algo de manifiesto. No necesita describir Nueva York como una postal: prefiere mostrarla como una experiencia física, rápida, sudorosa, imprevisible y ligeramente peligrosa. 🎸 El bajo vuelve a ser el protagonista La mejor manera de entender “N.Y. Baby” probablemente sea escuchar qué ocurre debajo de la voz. El bajo de DeTiger se desliza por la canción con una línea funk y disco que sostiene prácticamente todo el movimiento. Sobre ella aparecen una batería insistente y detalles de metales que aportan ese sabor setentero sin convertir el tema en una simple recreación retro. La propia artista ha descrito esta nueva etapa como su era “boogie sleaze”, una combinación de glamour y suciedad, de elegancia y exceso que encaja bastante bien con la Nueva York que aparece en la canción. En una entrevista reciente definía precisamente la ciudad como un lugar capaz de pasar de una fiesta preciosa a las sirenas, las discusiones callejeras y el caos de una esquina en cuestión de minutos. “N.Y. Baby” vive exactamente ahí: entre la pista de baile y la calle. 💋 Deseo, movimiento y una noche que pide más También hay una dimensión íntima en la canción. El deseo aparece ligado al movimiento y al contacto, pero nunca se separa del ambiente urbano. La atracción...
Lanzamiento oficial el 13 de agosto de 2021 Después de una relación que terminó dejando más pérdidas que certezas, llega un momento en el que estar sola deja de parecer una derrota. NEZZA convierte precisamente esa transformación en el centro de «SOLA», una canción donde el desamor queda atrás para dar paso a la seguridad, la independencia y las ganas de disfrutar de una vida que ya no gira alrededor de otra persona. Aquí no hay demasiada nostalgia. La protagonista ha tomado una decisión y parece bastante cómoda con ella: mejor quedarse consigo misma que volver a un lugar donde ya sabe lo que le espera. 💔 Lo que se perdió ya no necesita recuperarse La canción comienza recordando una relación en la que hubo confianza y entrega. Ella dejó entrar a esa persona porque creyó conocerla, pero terminó descubriendo que había entregado mucho más de lo que recibió. Ahora esa persona quiere regresar. Sin embargo, NEZZA no parece dispuesta a repetir la historia. Darle vueltas a lo ocurrido ya no tiene sentido porque el pasado no puede convertirse en futuro simplemente por echarlo de menos. La decisión de quedarse sola nace, por tanto, de una experiencia concreta: haber aprendido lo suficiente como para no necesitar una segunda oportunidad. 👑 «Me quedo conmigo» La frase que da sentido a toda la canción no es solamente que prefiera estar sola, sino que prefiere quedarse consigo misma. Ahí está la diferencia. NEZZA no presenta la independencia como aislamiento, sino como una forma de recuperar el control sobre su propia vida. Ya no tiene que esperar llamadas, responder mensajes ni preocuparse por alguien que decidió marcharse. Y esa nueva libertad empieza a notarse también en la actitud. Sale, se divierte, disfruta de lo que tiene y vuelve a sentirse protagonista de su propia historia. 💎 Una nueva vida sin pedir permiso La segunda mitad de «SOLA» cambia completamente la energía. Aparecen el brillo, las botellas de vino, salir a la calle, los bolsillos llenos y las historias compartidas en redes. Son imágenes de una vida que continúa y se disfruta sin necesidad de dar explicaciones. Incluso hay cierta provocación en mostrar que todo sigue adelante. No parece tratarse de demostrarle nada a la expareja, sino de dejar claro que ya no tiene ningún papel en lo que viene. NEZZA ha dejado de seguir sus pasos y ahora está ocupada siguiendo los suyos. 🔥 Cuando volver ya no es una opción «SOLA» tiene algo de celebración porque la ruptura ha dejado de sentirse como una pérdida. La protagonista ha pasado de preguntarse qué ocurrió a disfrutar de todo aquello que puede hacer ahora. La negativa a contestar llamadas o mensajes representa ese punto definitivo en el que los límites dejan de necesitar explicaciones. Puede haber recuerdos, pero ya no existe la misma dependencia. Y quizá esa sea la verdadera victoria de la canción: descubrir que la ausencia de alguien puede convertirse en espacio para volver a encontrarse. NEZZA transforma así el desamor en una declaración de independencia luminosa, segura y bastante orgullosa. Porque a veces quedarse sola no significa quedarse sin nada. Significa, simplemente, quedarse contigo. ❤️ Esta canción es para ti si Has descubierto que estar sola puede darte más tranquilidad que una relación que te hacía daño 💅 Una persona del pasado ha intentado regresar cuando tú ya habías seguido adelante 🔥 Estás disfrutando de una etapa en la que vuelves a hacer planes pensando únicamente en ti ✨ Has aprendido a poner límites y ya no sientes que debas responder a quien te hizo daño 👑 Te encuentras en ese...
Masha Palazzo, nos sorprende con tres minutos de reguetón sensual en los que el mundo exterior parece desaparecer para dejar espacio a la atracción, los besos y esa sensación de que una noche puede hacerse eterna. El sencillo, publicado el 18 de septiembre de 2026, aparece catalogado dentro del reguetón y el Latin Urban, un territorio sonoro que encaja con la evolución que la artista italiana ha ido construyendo durante los últimos años. 🇮🇹 Una artista italiana que encontró otra voz en español Masha Palazzo no llegó al español como una simple elección estética. Su relación con esta lengua está ligada a una etapa importante de su trayectoria. Cantautora y multiinstrumentista italiana, comenzó muy joven en la música y llegó a firmar su primer contrato discográfico con solo 14 años. Aunque aquella primera experiencia terminó llevándola a apartarse temporalmente de los escenarios para buscar con mayor libertad qué quería decir y, sobre todo, cómo quería sonar. Después de varios años dedicados a la escritura y a esa búsqueda personal, publicó en 2022 el EP “La mia vita nel tuo battito”. Poco después empezó a abrazar progresivamente el español como vehículo artístico, con canciones como “Ex Sinceridad” y “Tres mil por hora”, hasta convertirlo en una parte cada vez más reconocible de su identidad musical. Esa conexión también tuvo una dimensión personal. Durante su estancia en Argentina, Palazzo explicó que encontraba un vínculo especial entre la musicalidad del italiano y del español, especialmente en su capacidad para transmitir emociones y contar historias. 💃 Del pop a los ritmos latinos Su música resulta difícil de encerrar en una única etiqueta. La propia presentación de la artista la sitúa en un espacio nacido del pop, pero abierto a los ritmos latinos y a una escritura marcada por las emociones y las sensaciones. Shazam, por su parte, clasifica su propuesta dentro del pop latino. En “Bésame Lento”, esa inclinación hacia Latinoamérica encuentra una forma especialmente directa. El reguetón se convierte en el motor de una canción construida alrededor del contacto, la atracción y el deseo de alargar una noche que parece tener sus propias reglas. No hay aquí una relación complicada que resolver ni una ruptura que superar. El conflicto desaparece para dejar sitio a algo mucho más sencillo: dos personas que quieren estar juntas y disfrutar del momento. 💋 Una noche sin reloj La protagonista de “Bésame Lento” no tiene demasiadas dudas sobre lo que quiere. La atracción es inmediata y se expresa desde la cercanía, las caricias y esa complicidad que convierte cada gesto en una invitación a quedarse un poco más. El propio título funciona como la clave de todo el tema. Besar despacio significa estirar el instante, retrasar deliberadamente el final y convertir una noche cualquiera en un pequeño espacio privado donde el tiempo parece detenerse. Musicalmente, el reguetón permite que esa sensación avance con naturalidad. El ritmo mantiene el movimiento, pero la interpretación y el carácter romántico de la melodía hacen que el resultado no se sienta agresivo, sino cálido y envolvente. ✨ “Bésame Lento” dentro de una nueva etapa El lanzamiento llega después de un 2026 especialmente activo para Palazzo. Durante estos meses ha publicado canciones como “Almas Abrazadas”, “Lluvia de Gracia”, “Primavera Espera el Sol”, “Besos de Seda” y “GIRASOLES”, dibujando una etapa mucho más prolífica de su carrera. Ese recorrido también muestra la amplitud de su propuesta. Mientras “Lluvia de Gracia” se mueve claramente hacia la música cristiana y espiritual, otros lanzamientos recientes exploran el pop y los sonidos latinos desde perspectivas diferentes. “Bésame Lento” ocupa dentro de ese conjunto el lugar más cálido y...
Existen historias de amor que no necesitan demasiadas explicaciones. Basta con que dos personas sigan pensando la una en la otra para que todo vuelva a parecer posible. “Destino”, el nuevo lanzamiento de Las Calicas, se mueve precisamente en ese territorio: el de un amor que intenta esconderse detrás del orgullo, pero que termina apareciendo una y otra vez. Saray y Tamara Bayona Cortés forman este dúo nacido en Alcoy, una propuesta vinculada al flamenco pop que lleva el romanticismo, las emociones y las relaciones sentimentales al centro de su repertorio. En 2025, Las Calicas actuaron por primera vez en su ciudad natal dentro de la programación cultural “Viu l’estiu”, presentándose ante el público alcoyano con un repertorio de flamenco pop. ❤️ Cuando negar el amor ya no sirve de nada En “Destino” hay una pequeña batalla entre lo que se siente y lo que se quiere reconocer. Una de las dos personas parece resistirse a admitir que todavía existe algo entre ellas, mientras la otra habla desde una seguridad casi absoluta: sabe que sigue presente en sus pensamientos, especialmente durante esas horas nocturnas en las que resulta más difícil esconder aquello que durante el día se intenta controlar. La canción no plantea el amor como una conquista complicada, sino como algo que ya está ahí y que tarde o temprano termina imponiéndose. Por eso la idea del destino funciona tan bien. No se trata solamente de creer en algo escrito de antemano, sino de utilizar esa palabra para describir una conexión que ninguna de las dos partes parece capaz de cortar completamente. 💃 Flamenco pop con una historia de amor al frente La identidad de Las Calicas se encuentra en ese cruce entre flamenco y pop, una combinación que les permite mantener la cercanía emocional de la canción romántica mientras se acercan a sonidos más contemporáneos. La prensa local las ha presentado expresamente como un dúo de flamenco pop y su repertorio reciente confirma esa dirección. “Destino” encaja naturalmente en ese universo. Su estribillo gira alrededor de una idea muy sencilla —dos personas haciendo camino juntas— y la convierte en una especie de declaración sentimental. No hace falta hablar de grandes promesas ni imaginar un futuro perfecto. Caminar juntos ya es suficiente. Y precisamente esa sencillez hace que el mensaje resulte cercano: el amor aparece aquí menos como una fantasía inalcanzable que como la decisión de seguir avanzando al lado de alguien. 🌹 De “Sin Ti” y “Te Extraño” a una historia que todavía quiere continuar “Destino” tampoco llega aislada dentro de la trayectoria reciente de Las Calicas. El dúo ha ido construyendo durante 2025 y 2026 un pequeño repertorio alrededor de las relaciones y sus distintas caras. “Sin Ti” apareció en octubre de 2025, mientras que “Te Extraño” llegó en enero de 2026. Más tarde publicaron “El Tiempo”, junto a Miguel el Pin, y “Cuando Te Fuiste” junto a Isaac Fortuna. Incluso “Bum Bum”, publicado en junio de 2026, amplía esa etapa reciente con una faceta diferente del dúo. Vistos juntos, estos lanzamientos permiten entender “Destino” como una pieza más dentro de una etapa en la que Las Calicas están desarrollando su identidad alrededor del flamenco pop y de canciones capaces de pasar de la ausencia al deseo, de la ruptura al reencuentro y de la nostalgia a la celebración. ✨ El amor como camino, no como final Hay algo especialmente luminoso en la manera en que “Destino” plantea su historia. La protagonista no quiere conformarse con un recuerdo. Tampoco parece interesada en esperar eternamente a que la otra persona decida qué siente. Lo que propone es...
Hay rupturas que terminan antes de que el corazón esté preparado para despedirse. Marta Sango entra precisamente en ese espacio extraño de «No puedo olvidarte», una canción sobre intentar continuar con la vida mientras una parte de ti permanece todavía en aquello que ocurrió. La otra persona parece haber avanzado con facilidad. Ella, en cambio, sigue habitando los recuerdos, preguntándose qué habría sucedido si pudiera regresar al momento en el que todo todavía estaba encendido. 💔 Dos personas que ya no viven el mismo recuerdo Uno de los aspectos más dolorosos de la canción está en esa diferencia de tiempos emocionales. Mientras para una persona lo ocurrido parece formar parte del pasado, para la otra sigue siendo algo completamente presente. Marta Sango expresa esa sensación desde la dificultad de reconocerse en su propia vida. Ya no está viviendo exactamente la relación, pero tampoco ha conseguido desprenderse de ella. El recuerdo ocupa un espacio demasiado grande y convierte el paso del tiempo en algo contradictorio: los días avanzan, pero emocionalmente parece que una parte de ella continúa detenida. 🕰️ Cuando cada segundo pesa La canción consigue transmitir muy bien esa percepción distorsionada del tiempo que aparece después de una pérdida afectiva. Los minutos se hacen largos y cada segundo parece traer consigo el mismo pensamiento. Hay un intento consciente de volver a poner en funcionamiento la propia vida, de recuperar una normalidad que ya no surge de manera natural. Pero hacerlo no significa haberlo superado. Marta Sango habla de esa contradicción con una imagen especialmente interesante: funcionar en una especie de autonomía parcial. El cuerpo sigue adelante, las obligaciones continúan, pero emocionalmente todavía falta algo para sentirse completamente de vuelta. 🔥 La tentación de volver atrás «No puedo olvidarte» también plantea una pregunta que aparece tantas veces después de una ruptura: ¿y si hubiera sido diferente? La protagonista fantasea con retroceder para comprobar si aquel fuego realmente podía haber seguido creciendo. No necesariamente porque exista una solución, sino porque aceptar el final definitivo resulta todavía demasiado difícil. Esa mirada hacia atrás no es tanto una invitación a regresar como el reflejo de una mente que todavía intenta encontrar una explicación. Cuando algo nos importa de verdad, incluso después de terminar podemos seguir imaginando caminos alternativos. 🌙 Todavía es demasiado pronto para decir adiós La canción termina aferrándose precisamente a esa idea. Decir adiós parece demasiado definitivo porque el sentimiento todavía está demasiado cerca. No hay una resolución completamente feliz ni una superación repentina. Y esa ausencia de cierre perfecto es precisamente lo que hace que la canción resulte cercana. «No puedo olvidarte» habla de una etapa que muchas personas conocen: aquella en la que sabes racionalmente que tienes que continuar, pero emocionalmente todavía no estás preparado para hacerlo. Marta Sango convierte esa contradicción en una canción íntima y vulnerable, donde olvidar no aparece como una decisión que pueda tomarse de un día para otro, sino como un proceso que necesita su propio tiempo. ❤️ Esta canción es para ti si… Has intentado seguir adelante mientras una parte de ti continúa viviendo en un recuerdo 🕰️ Te ha dolido descubrir que la otra persona parecía haber superado la ruptura mucho antes que tú 💔 Alguna vez has deseado volver atrás para entender qué ocurrió realmente 🔥 Estás intentando recuperar tu rutina aunque emocionalmente todavía no te sientas completamente bien 🌙 Sabes que una historia terminó, pero todavía sientes que es demasiado pronto para decir adiós 🖤
Existen amistades musicales que empiezan mucho antes de que exista un disco. Rita Payés y Lucía Fumero se conocen desde sus años en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) y llevan tiempo compartiendo escenarios, canciones y una curiosidad musical que las ha llevado a cruzarse en distintos proyectos. Lo que durante años fue una complicidad entre dos músicas terminó encontrando su propio espacio en Rueda Eterna, el primer álbum que graban juntas como proyecto conjunto. Publicado el 18 de septiembre de 2026, el disco reúne doce canciones compuestas a partes iguales por ambas artistas. Entre ellas aparece «Petirrojo», una pieza que parece recoger toda esa delicadeza que caracteriza el encuentro entre la voz de Payés, su trombón y el piano de Fumero. 🎷 Del jazz a una música mucho más difícil de encasillar Rita Payés llega a este proyecto con una trayectoria especialmente ligada al jazz, el trombón y la canción de raíz popular. Formó parte de la Sant Andreu Jazz Band durante varios años y comenzó su carrera discográfica junto a Joan Chamorro, antes de desarrollar una discografía propia en la que conviven jazz, bossa nova, bolero, música clásica y canción popular. Su camino tampoco se ha quedado dentro de las fronteras del jazz. Payés ha colaborado con artistas tan diferentes como Sílvia Pérez Cruz, Yerai Cortés, Jon Batiste, Maria Schneider, Silvana Estrada, Oques Grasses o C. Tangana, construyendo poco a poco una trayectoria donde las etiquetas parecen quedarse pequeñas frente a la variedad de sus encuentros musicales. Lucía Fumero comparte parte de esa formación jazzística, pero su música también se alimenta de otros lugares. Su trabajo alrededor del folklore latinoamericano y sus proyectos anteriores muestran una intérprete interesada en conectar diferentes tradiciones sin necesidad de separarlas en compartimentos estancos. En Folklore I, por ejemplo, ya había contado con Rita Payés entre sus colaboradoras. Y quizá por eso «Petirrojo» no necesita sonar como una demostración de virtuosismo. Hay conocimiento musical detrás, por supuesto, pero lo que queda delante es la canción. 🌿 Una amistad que llevaba años esperando su propio disco Resulta curioso que dos músicas que llevan tanto tiempo tocando juntas hayan tardado hasta 2026 en entrar juntas en el estudio para grabar un álbum completo. Ellas mismas lo explicaban con humor: pensaban que acabarían haciendo un disco de boleros cuando tuvieran 80 años. La broma dice bastante de la relación entre ambas. No se trata de una colaboración puntual creada alrededor de un lanzamiento, sino de una conversación musical que llevaba años desarrollándose. Payés incluso ha definido a Fumero como alguien muy cercano, una persona que le ha enseñado música y que la inspira tanto en lo personal como en lo artístico. Antes de Rueda Eterna ya habían dejado pequeñas muestras de esa conexión. Fumero contó con Payés en «Pichón», publicado en 2020, y ambas volvieron a coincidir en otros proyectos y escenarios. También habían trabajado juntas en «Juna», incluida en De camino al camino, el álbum de Payés de 2024. Ahora, sin embargo, la situación cambia: ya no están entrando en la canción de la otra como invitadas, sino construyendo juntas un repertorio propio. 🐦 Un petirrojo entre montañas, flores y alas En medio de ese universo aparece «Petirrojo», una canción que utiliza la figura de este pequeño pájaro para hablar de algo mucho más grande. La imagen inicial es luminosa: un ave que canta desde la sierra y esparce su melodía como si fuera parte de la primavera. Después llega una pregunta íntima: qué ocurriría si la propia voz no fuera suficientemente suave para cantar como ese pájaro. Ahí la canción deja...
Existen momentos en los que protegerse deja de ser una forma de cuidarse y empieza a parecerse demasiado a una forma de encerrarse. “Dime que no” nace precisamente en ese territorio incómodo, donde todavía quedan heridas, pero también permanece la necesidad de encontrar una salida. Violeta Hódar presenta una canción íntima y vulnerable en la que no busca esconder las marcas de aquello que ha vivido. Al contrario, las coloca en el centro de una composición construida alrededor de una pregunta sencilla y desesperada: si todavía queda una parte de ella al otro lado del dolor. El lanzamiento llega, además, en una etapa especialmente importante para la artista granadina. Después de su paso por “Operación Triunfo 2023”, Hódar ha ido construyendo una identidad propia que mezcla pop, electrónica y distintas referencias artísticas, mientras 2026 la ha llevado hasta su primera nominación a los Latin Grammy por “III. Ojalá! – Bronquio Remix”. 🪞 Una artista que ha convertido la sensibilidad en identidad Violeta Hódar nació en Motril y llegó a “Operación Triunfo” después de haber intentado entrar anteriormente en el programa. Su formación musical comenzó mucho antes de la televisión y también pasó por el Conservatorio de Música de su ciudad. Aquella etapa televisiva sirvió como punto de partida para una carrera que pronto empezó a alejarse de la etiqueta de concursante, “el x venir” fue su primer lanzamiento en solitario y ya dejaba ver una personalidad artística marcada por la literatura, la sensibilidad y una mezcla de referencias que podía acercarse al R&B, el pop, lo urbano y el flamenco. Con canciones como “Libertá” o “Palmas y desamores”, fue ampliando ese universo hasta llegar a un primer álbum concebido con una ambición mucho mayor. El proyecto tomaba como referencia “La traviata” y utilizaba el amor, la nostalgia y el deseo como materiales para construir una propuesta alejada de la lógica de la canción inmediata. 🩹 “Dime que no” nace desde una herida que todavía está abierta En su nuevo lanzamiento, Violeta cambia el foco. Ya no se trata tanto de mirar hacia otra persona como de observar qué ocurre dentro de una misma después de haber pasado demasiado tiempo intentando protegerse. La imagen de una cara fría frente a un corazón que continúa ardiendo establece desde el principio esa oposición. Exterior e interior parecen vivir en dos lugares diferentes: uno intenta mantenerse firme mientras el otro continúa buscando una salida. Hay algo especialmente interesante en la manera en que la canción construye ese encierro. Las defensas han cumplido su cometido: ya no dejan entrar aquello que puede hacer daño. Pero tampoco permiten salir a quien las levantó. Ahí aparece uno de los grandes ejes emocionales de “Dime que no”: protegerse puede convertirse también en una prisión. 🌊 Un río que ya no encuentra su propio cauce Las cicatrices aparecen como algo más que una consecuencia del pasado. Son parte del paisaje desde el que la protagonista intenta reconocerse de nuevo. La metáfora del río resulta especialmente poderosa porque introduce movimiento dentro de una canción marcada por el bloqueo. Un río necesita avanzar, pero aquí parece luchar contra su propio cauce. La persona quiere salir, pero algo dentro de ella continúa reteniéndola. También aparece la imagen del escudo y la espada: dos objetos destinados a defenderse, aunque de maneras distintas. Uno recibe el golpe; el otro responde. Juntos representan una personalidad que ha aprendido a sobrevivir permaneciendo constantemente alerta. Por eso el “dime que no” del estribillo no suena tanto a una petición de olvidar lo ocurrido como a una necesidad de escuchar que el dolor no será para siempre....
Existen personas que no saben quedarse. Cuando algo deja de ser nuevo, empiezan a mirar hacia otro lado, convencidas de que quizá exista alguien más interesante, más atractivo o más especial esperando al otro lado. «El Coleccionista», de Neva, convierte esa incapacidad para conformarse en el retrato de una persona que acumula primeras veces, besos y relaciones fugaces, pero que cuanto más consigue, más vacía parece sentirse. 🖤 Siempre habrá un jardín más verde La canción parte de una idea sencilla: el jardín de enfrente siempre parece mejor. Para su protagonista, nunca es suficiente. Siempre puede aparecer alguien más guapa, más lista o simplemente diferente. El problema no está necesariamente en las personas que encuentra, sino en esa necesidad permanente de comparar lo que tiene con lo que podría tener. Cada nueva persona parece ofrecer la posibilidad de empezar otra vez. Pero la novedad dura poco. Y entonces vuelve a aparecer la misma necesidad de buscar. 💋 Una colección de primeras veces El título encuentra todo su sentido en la imagen del coleccionista. Los primeros besos, las noches compartidas y las nuevas conquistas terminan convertidos en pequeñas medallas de una colección que crece mientras el vínculo emocional se hace cada vez más superficial. Lo interesante es que Neva no presenta esa acumulación como una señal de plenitud. Al contrario: cuanto más colecciona, más evidente resulta el vacío. Las experiencias se suceden tan rápido que dejan de tener verdadero significado. Lo que un día parecía especial puede convertirse al siguiente en otro recuerdo guardado en una estantería imaginaria. 🌿 La trampa de buscar siempre algo mejor Hay una metáfora especialmente poderosa en la canción: el jardín de enfrente. Desde lejos, siempre parece más verde, más bonito y más florecido. Pero acercarse demuestra que las cosas no son exactamente como parecían. Lo mismo ocurre con las personas. Siempre puede existir alguien que, a primera vista, parezca más atractivo, más interesante o más adecuado. Pero ninguna comparación garantiza que aquello nuevo vaya a ofrecer lo que realmente falta. El protagonista parece perseguir constantemente esa sensación inicial de descubrimiento, sin darse tiempo para conocer lo que puede crecer cuando una relación deja de ser novedosa. 💭 Amores que duran menos que un recuerdo Neva utiliza comparaciones cotidianas para mostrar lo fugaz de esos vínculos. El amor dura tan poco que termina perdiendo relevancia. Las relaciones se consumen rápidamente, como algo comprado por impulso y abandonado poco después. Y ahí aparece la parte más dura de la canción: el problema no es solamente que los demás terminen olvidándole, sino que él mismo parece estar convirtiéndose en alguien fácil de olvidar. Su necesidad de pasar constantemente a la siguiente persona acaba haciendo que ninguna historia llegue a tener suficiente tiempo para dejar una verdadera huella. 🥀 El verdadero vacío del coleccionista «El Coleccionista» no habla únicamente de alguien que tiene muchas relaciones. Habla de alguien que no sabe construir permanencia. No sabe quedarse solo, pero tampoco sabe llegar realmente a otra persona. Esa contradicción convierte la canción en algo más profundo que un simple retrato de un conquistador. Detrás de las noches, los besos y las nuevas caras aparece una persona incapaz de detenerse y descubrir qué ocurre cuando deja de buscar. Porque quizá el problema nunca fue encontrar a alguien suficientemente especial. Quizá fue no aprender a reconocer lo especial antes de que dejara de ser nuevo. ❤️ Esta canción es para ti si.. Has conocido a alguien que siempre parecía estar buscando algo mejor 🥀 Te has preguntado alguna vez por qué algunas personas son incapaces de quedarse 💭 Has vivido una relación...