El cantante, compositor y productor estadounidense falleció el 6 de octubre de 2017 en su casa cerca de Filadelfia a los 76 años, víctima de un infarto masivo. Fue una de las figuras fundamentales del Philly Soul, el sonido que definió el soul de los setenta, y su pluma firmó éxitos para The O’Jays, Patti LaBelle y Lou Rawls. Nunca fue una estrella mediática. Fue algo más difícil de encontrar y más valioso: el hombre que construyó los cimientos sobre los que otros brillaron. Walter “Bunny” Sigler nació el 27 de marzo de 1941 en Filadelfia. Su apodo no era un capricho: nació dos días antes del Domingo de Resurrección, y su familia lo bautizó como “Bunny” (Conejito) desde la cuna. Creció cantando en la iglesia baptista Emmanuel, donde un DJ local, Leon “Cannonball” Fisher, lo descubrió y lo guio hacia sus primeras grabaciones. Su primer gran éxito como intérprete llegó en 1967, con una versión del clásico de Shirley & Lee “Let the Good Times Roll & Feel So Good”, producida por Leon Huff para Cameo-Parkway Records. La canción alcanzó el número 22 de la lista pop y el número 20 de la lista de R&B. Sigler tenía 26 años y parecía destinado a convertirse en una estrella. Pero el destino, y la industria, tenían otros planes. El semillero del Philly Soul Cuando Cameo-Parkway quebró en 1967, Sigler se encontró sin sello y sin rumbo. Fue entonces cuando Kenny Gamble y Leon Huff, los arquitectos del futuro sonido de Filadelfia, lo reclutaron para su incipiente Philadelphia International Records. No como cantante, sino como compositor. Y allí encontró su verdadera vocación. Su primer gran éxito como escritor llegó al coescribir “(You Are My) Sunshine” para The O’Jays junto a Phil Hurtt. A partir de ahí, su nombre apareció en los créditos de algunas de las canciones más importantes del catálogo de Philadelphia International. Fue coautor de “When the World Is at Peace” para The O’Jays, de “I See the Light” para Billy Paul, y de dos de las canciones más emblemáticas de Patti LaBelle: “Love, Need and Want You” (1983) y “Somebody Loves You Baby (You Know Who It Is)” (1991). También produjo el primer éxito de Instant Funk, “I Got My Mind Made Up”, que llegó al número uno de la lista de R&B en 1979. Su contribución no se limitaba a escribir. En una entrevista de 2012, Sigler reveló que también había puesto su voz en los coros de algunos de los mayores éxitos del sello: *”Hice un montón de cosas en los coros. Estoy cantando en ‘If You Don’t Know Me by Now’ de Harold Melvin. Ese soy yo, Kenny y Huff. La mayoría de las grabaciones de los Stylistics: yo, Carl Helm y Kenny Gamble. Archie Bell, ‘Gonna Be a Showdown’: ese soy yo, Kenny y Huff”*. El hombre que descubrió a Instant Funk Sigler no era solo un compositor de estudio. Tenía un oído infalible para el talento. En los años setenta descubrió a Instant Funk, un grupo de Filadelfia que se convirtió en su banda de respaldo y que, bajo su producción, alcanzó el número uno de la lista de R&B en 1979 con “I Got My Mind Made Up”. También firmó el éxito de Jackie Moore, “If” (1973), que Jay-Z samplearía casi tres décadas después para abrir su álbum The Blueprint con “The Ruler’s Back”. Y su canción “Love, Need and Want You”, en la voz de Patti LaBelle, fue sampleada por OutKast en “Ghettomuzick” y por Nelly en “Dilemma”, un éxito que llevó el nombre de Sigler a una generación que...
Legado Musical
La cantante falleció el 6 de octubre de 1999 en su casa de Lisboa a los 79 años, víctima de un infarto agudo de miocardio. Fue la mayor intérprete del fado, una artista que transformó un género considerado música de arrabal en un símbolo de Portugal y en una de las expresiones más reconocibles de la cultura europea del siglo XX. Amália da Piedade Rebordão Rodrigues nació el 23 de julio de 1920 en Lisboa, en el seno de una familia muy humilde de la ribera del Tajo. Su infancia transcurrió entre la pobreza y el trabajo: vendía limones por los muelles del puerto y cantaba fados mientras ayudaba en la frutería familiar. Aquellos años de escasez, lejos de ser un obstáculo, se convirtieron en la materia prima de una voz que nunca dejó de sonar a verdad. Debutó profesionalmente en 1939, a los diecinueve años, en el Retiro da Severa, y el éxito fue inmediato. En 1940 dio su primera actuación en el Teatro de Revista, y en 1943 inició su carrera internacional con actuaciones en Madrid y Brasil, donde grabaría sus primeros discos en 1945. La voz del fado Amália no inventó el fado, pero lo transformó. Innovó al musicar a poetas clásicos de la lengua portuguesa, como Luís de Camões, y elevó un género asociado a los barrios populares de Lisboa a la categoría de arte universal. Su repertorio abarcaba también música folclórica, rumbas, tangos, sambas y rancheras mexicanas, demostrando que su talento no conocía fronteras. Su discografía supera los 170 discos y grabó en varios idiomas, incluyendo portugués, español, francés e italiano. Entre sus fados más emblemáticos figuran “Barco Negro”, “Uma Casa Portuguesa”, “Canção do Mar”, “Estranha Forma de Vida”, “Lisboa Antiga”, “Coimbra”, “Nem às Paredes Confesso” y “Foi Deus”. Una carrera sin fronteras A partir de 1949, su carrera internacional se intensificó con actuaciones por Europa, África, México y Estados Unidos. Actuó en casi setenta países de todos los continentes, pasando por escenarios como el Olympia de París, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Sistina de Roma y salas de Moscú, Londres, Río de Janeiro y Tokio. En 1967 recibió el premio MIDEM, que distingue al cantante que más discos ha vendido en su país, y lo volvió a ganar en 1968 y 1969. En 1970, con el disco Com que voz, escrito por Alain Oulman, alcanzó uno de los mayores éxitos de su carrera, obteniendo premios como el IX Premio de la Crítica Discográfica Italiana (1971) y el Gran Premio del Disco de París (1975). Fue condecorada con la Orden de las Artes y las Letras de Francia, la Orden de Isabel la Católica de España y las más altas distinciones portuguesas, incluida la Gran Cruz de la Orden de Santiago de la Espada en 1990. La actriz y la mujer Amália no fue solo una cantante. En 1947 debutó como actriz protagonista en Capas Negras, la película más exitosa del año en Portugal, que la convirtió en una celebridad internacional. Le siguieron títulos como Fado, História de Uma Cantadeira (1947), Sangue Toureiro (1957, la primera película portuguesa filmada en color) y Os Amantes do Tejo (1954). Su vida personal estuvo marcada por dos matrimonios y por una salud frágil. En 1984, tras ser diagnosticada erróneamente con un tumor, se encerró en un hotel de Nueva York con pensamientos suicidas. Fueron las películas de Fred Astaire las que la convencieron de que la vida merecía la pena. En diciembre de 1994 dio su último concierto, con 74 años, durante los actos de Lisboa como Capital Europea de la Cultura. Poco después...
El legendario y temperamental baterista de Cream falleció el 6 de octubre de 2019 en un hospital de Canterbury, Inglaterra, a los 80 años, tras una larga batalla contra una enfermedad pulmonar obstructiva crónica. Fusiónó el rock con el jazz y la música africana, y su estilo innovador lo convirtió en uno de los bateristas más influyentes de la historia. Fue, en palabras de sus contemporáneos, la encarnación de la furia musical. Peter Edward “Ginger” Baker nació el 19 de agosto de 1939 en Lewisham, al sur de Londres, pocos días antes de que estallara la Segunda Guerra Mundial. Su padre, un albañil, murió en combate en 1943, y él creció en la pobreza junto a su madre, su padrastro y su tía. De niño fue un estudiante problemático, se unió a una banda callejera en su adolescencia y se vio envuelto en pequeños hurtos. Cuando intentó dejar el grupo, sus compañeros lo atacaron con una navaja. Su primera ambición no fue la música, sino el ciclismo: soñaba con correr el Tour de Francia. Pero a los 16 años, un accidente con un taxi le obligó a abandonar el deporte. “Siempre estaba golpeando los pupitres en la escuela”, recordaba. “Así que todos los niños decían: ‘Venga, ve y toca la batería’. Y simplemente me senté y supe tocar. Es un regalo de Dios. O lo tienes o no lo tienes. Y yo lo tengo: tiempo. Tiempo natural”. De los clubes de jazz a la banda que lo cambió todo Baker se formó en la escena del jazz londinense de finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Tocó con formaciones como las de Terry Lightfoot y Acker Bilk, pero su estilo —fragmentado, agresivo, articulado— no encajaba del todo en los moldes del jazz tradicional. En 1962, Charlie Watts lo recomendó para sustituirlo en Blues Incorporated, la banda de Alexis Korner, y allí conoció al bajista Jack Bruce y al organista Graham Bond. Aquella fue su escuela de verdad: el rhythm and blues, la improvisación, la energía cruda de los clubes londinenses. En 1966, Baker y Bruce se aliaron con Eric Clapton, que acababa de dejar los Bluesbreakers de John Mayall, para formar Cream. La banda fue uno de los primeros “supergrupos” de la historia, un power trío que fusionaba el blues, el rock y la psicodelia con una intensidad que nadie había escuchado antes. Baker no era un simple acompañante rítmico: era el motor, el hombre que empujaba la música hacia territorios inexplorados con sus patrones de batería poli-rítmicos y sus solos interminables. “Toad”: el solo que elevó la batería a la categoría de arte Si hay un momento que define la contribución de Ginger Baker a la historia de la música, ese es “Toad”, el solo de batería que grabó con Cream en Wheels of Fire (1968). No era una simple exhibición de técnica: era una composición, una narrativa rítmica que se extendía durante minutos y que Baker construía con una precisión de relojero y una furia de animal salvaje. “Toad” convirtió el solo de batería en una forma de arte autónoma, algo que nadie había logrado antes en el rock. Junto a “Sunshine of Your Love”, “White Room” y “Strange Brew”, Cream vendió más de 35 millones de discos y obtuvo el primer disco de platino de la historia por un álbum doble. Pero el éxito comercial era casi anecdótico para Baker. Lo que le importaba era la música, la exploración, el riesgo. Nigeria, Fela Kuti y el amor por los ritmos africanos Tras la disolución de Cream en 1968, Baker formó Blind Faith con Clapton...
El rapero francés Moussa Magassa, conocido artísticamente como Prince Waly, falleció el 4 de octubre de 2026 a los 34 años, tras ocho años de lucha contra un cáncer de timo que derivó en un pénfigo paraneoplásico, una enfermedad autoinmune rara. Su muerte deja un vacío en el rap francés, pero también un legado de honestidad artística que pocos de sus contemporáneos pueden igualar.** Moussa Magassa nació en Montreuil, en el departamento de Sena-Saint-Denis, en 1991. Creció en una de esas banlieues que Francia prefiere no mirar, y aprendió el hip-hop escuchando los discos de su hermano mayor. Su primer contacto con la música no fue una vocación, sino una necesidad de expresión: la misma que años después lo llevaría a convertirse en una de las voces más singulares de su generación. En 2012 debutó con Big Budha Cheez, el grupo que formó junto a su amigo de infancia Fiasko Proximo. Su primer EP, Ma Routine roule à M.City, era un ejercicio de rap clásico, influido por el boom bap de los noventa, con letras que hablaban de la vida en el barrio y de las ambiciones de unos chavales que aún no sabían muy bien hacia dónde iban. Era una carta de presentación honesta: dos raperos de Montreuil que querían encontrar su lugar en la industria. La construcción de una voz propia El salto a la carrera en solitario llegó en 2016 con Junior, un EP de siete canciones producido íntegramente por Myth Syzer. Aquel disco marcó un antes y un después. Las producciones eran planantes, retro, con ecos de jazz y soul, y la manera de rapear de Waly —pausada, precisa, cargada de referencias cinematográficas y culturales— lo distinguía de la mayoría de sus contemporáneos. Le siguieron BO Y Z (2019) y BO Y Z Vol. 2 (2023), dos EPs que confirmaron su evolución y lo consolidaron como una figura respetada dentro de la escena. Colaboró con artistas como Alpha Wann, Freeze Corleone, Luidji e Ichon, y su nombre empezó a circular en los círculos donde se habla de rap con mayúsculas. En 2022 publicó su primer y único álbum, Moussa. Un disco de catorce canciones que era, en esencia, una autobiografía. Waly hablaba de su enfermedad, de la pérdida temporal de la voz, del miedo a la muerte y de la reconciliación consigo mismo. Incluía colaboraciones con Feu! Chatterton, Jazzy Bazz, Luidji, Freeze Corleone, Enchantée Julia y Makala, y fue descrito por la crítica como “un futuro clásico del rap francés”. No era una exageración. Moussa es un disco que se escucha con el cuerpo, no solo con los oídos. “Balotelli”: el homenaje que cruzó fronteras Entre las canciones más conocidas de Waly figura “Balotelli” , un tema grabado junto a Freeze Corleone que se convirtió en un fenómeno también fuera de Francia. La canción, incluida en el álbum Moussa, era un homenaje al futbolista italiano Mario Balotelli, un símbolo de talento indomable y de una generación que se identifica con los que nunca encajaron del todo. “Génération Mario Balotelli”, repite el estribillo. La frase resume algo que Waly entendía mejor que nadie: la sensación de ser un extraño en tu propio entorno. El hombre que perdió la voz y encontró la verdad En 2019, Waly fue diagnosticado con un cáncer de timo. El tumor le afectó las cuerdas vocales y le hizo perder la voz durante varios meses. Para un rapero, aquello era una condena. Pero Waly no se rindió. Aprendió a esperar, a escuchar, a reconstruirse. Cuando regresó, en 2022, no era el mismo artista. “No me gusta demasiado el que era hacia 2018-2019”,...
La cantante de rock y blues, nacida en Gran Bretaña y criada en Montreal, falleció el 2 de octubre de 2026 a los 63 años, rodeada de su familia. Ganó un Juno en 1989, firmó himnos como “Make You a Believer” y fue jueza en las seis temporadas de Canadian Idol. Su carrera de casi cuatro décadas dejó una huella imborrable en la música canadiense y allanó el camino para las mujeres en un género dominado por hombres.** Sarah “Sass” Jordan nació el 23 de diciembre de 1960 en Birmingham, Inglaterra, hija de un profesor de literatura francesa y una bailarina de ballet. Cuando tenía tres años, su familia se mudó a Montreal, donde su padre había aceptado un puesto en la Universidad Concordia. Creció en una ciudad vibrante, bilingüe y llena de música, y a los trece años ya tocaba la guitarra. A los dieciséis, frenteaba bandas en los clubes del centro de Montreal. Poco después se convirtió en cantante y bajista de la banda local The Pinups. Sus influencias eran tan amplias como su talento: David Bowie, Bonnie Raitt, Aretha Franklin y Steven Tyler de Aerosmith. Esa mezcla de rock, blues y soul definiría su voz, una de las más reconocibles del rock canadiense. El despegue: de Montreal a Los Ángeles Su carrera discográfica comenzó en 1986, cuando participó como co-vocalista en la canción “Come On (Baby Tonight)” del álbum Mauve de Bündock. Dos años después, en 1988, firmó con Atlantic Records y publicó su álbum debut, Tell Somebody, que incluía los sencillos “Tell Somebody”, “Double Trouble”, “Stranger Than Paradise” y “So Hard”. El disco la estableció como una de las voces emergentes más prometedoras del rock canadiense, y en 1989 ganó el Juno Award a la artista femenina más prometedora del año. El gran salto llegó en 1992 con Racine, su segundo álbum, publicado por MCA Records tras su mudanza a Los Ángeles. El disco contenía “Make You a Believer” que alcanzó el número 11 de la lista Mainstream Rock Airplay de Billboard, y “You Don’t Have to Remind Me”, que también llegó al Top 20. Racine vendió más de 450.000 copias en todo el mundo y se convirtió en el mayor éxito comercial de su carrera. Ese mismo año, su canción “Trust in Me”, un dueto con Joe Cocker, apareció en la banda sonora de The Bodyguard, el álbum más vendido de la historia en ese momento, que pasó 20 semanas en el número 1 de la lista Billboard 200. En 1994 publicó Rats, que incluyó “High Road Easy”, su canción mejor posicionada en la lista Mainstream Rock de Billboard, alcanzando el número 6. “Sun’s Gonna Rise”, del mismo álbum, se convirtió en su mayor éxito en Canadá, llegando al número 7. Durante esta época, su baterista de directo era un joven de 22 años llamado Taylor Hawkins, que años después se uniría a Foo Fighters. La jueza de Canadian Idol A partir de 2003, Sass Jordan se convirtió en una figura familiar para millones de canadienses al unirse como jueza a Canadian Idol, el concurso de talentos que se emitió durante seis temporadas. Su presencia en el programa la mantuvo en el centro de la cultura popular canadiense y le permitió conectar con una nueva generación de artistas. Entre sus concursantes favoritos citó a Carly Rae Jepsen y Melissa O’Neil. En 2001 había interpretado a Janis Joplin en el musical off-Broadway Love, Janis, demostrando una vez más su versatilidad como intérprete. El regreso al blues Tras unos años alejada de los estudios, regresó en 2006 con Get What You Give. Pero fue en sus...
La soprano barcelonesa falleció el 6 de octubre de 2018 en el Hospital de Sant Pau de Barcelona a los 85 años, tras una vida dedicada a la ópera que la convirtió en una de las intérpretes más importantes del siglo XX. Su técnica impecable, su repertorio inabarcable y su colaboración con Freddie Mercury en “Barcelona” la elevaron a la categoría de leyenda universal. María Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folch nació el 12 de abril de 1933 en el barrio de Gracia de Barcelona, en el seno de una familia modesta. Su madre le dio sus primeras clases de solfeo, y a los once años ingresó con una beca en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. La delicada salud de su padre la obligó a compaginar los estudios con el trabajo en una fábrica, e incluso a abandonar temporalmente la música, hasta que en 1950 un industrial textil melómano y mecenas le patrocinó su carrera a tiempo completo. Se graduó en 1954 en una accidentada prueba final en la que llegó a perder el conocimiento. Su primer debut operístico fue con el papel de Serpina en La serva padrona de Pergolesi, en el Teatro Principal de Valencia, el 27 de junio de 1955. Una carrera construida desde la adversidad Su camino hacia la cima no fue meteórico. Fue rechazada en audiciones del San Carlo de Nápoles y de la Ópera de Roma, y un empresario italiano le aconsejó volver a Barcelona y dedicarse a la vida doméstica. Caballé no le hizo caso. Inició su carrera profesional en la Ópera de Basilea en 1956, interpretando a Mimi en La bohème de Puccini. Durante dos años formó parte de la compañía, abordando roles de Mozart y Strauss, incluida Salomé. Luego vinieron Bremen y Viena. El gran salto llegó en 1965, cuando sustituyó a Marilyn Horne en el protagónico de Lucrecia Borgia de Donizetti, en una versión de concierto en el Carnegie Hall de Nueva York. Al día siguiente, el New York Times tituló: “Callas más Tebaldi es igual a Caballé”. Aquella frase la consagró definitivamente. La Superba: una diva de otra era La crítica la situó entre las grandes voces líricas del siglo XX, a la altura de mitos como Maria Callas, Joan Sutherland, Elisabeth Schwarzkopf o Renata Tebaldi. El público y la prensa la llamaron “La Superba” , elevándola a la categoría de diva asociada a una era dorada de la ópera. Su carrera abarcó más de 50 años, con casi 90 papeles operísticos correspondientes a más de 40 óperas y más de 4.000 actuaciones. Actuó en los escenarios más prestigiosos del mundo: la Metropolitan Opera de Nueva York (donde cantó 98 veces), Covent Garden, La Scala de Milán, el Liceo de Barcelona (donde actuó más de 200 veces) y un largo etcétera. Entre sus galardones figuran la Medalla de Oro del Liceo, un Grammy y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. “Barcelona”: el encuentro de dos mundos Si hay un momento que acercó a Caballé al gran público, fue su colaboración con Freddie Mercury. El vocalista de Queen era un admirador confeso de la soprano desde que la vio actuar en Un ballo in maschera de Verdi en la Royal Opera House de Londres en 1983. La llamaba cariñosamente “Montsy” y llegó a decir en televisión que era su cantante favorita. Mercury intentó contactarla durante meses a través de sus representantes, sin éxito. Finalmente, llamó en persona. En una de aquellas llamadas, su pronunciación del nombre catalán derivó en un involuntario “Monster fat”, un equívoco que quedó en anécdota. El encuentro se produjo en el...
**El virtuoso guitarrista y cofundador de Van Halen falleció el 6 de octubre de 2020 en el hospital Providence Saint John’s Health Center de Santa Mónica (California) a los 65 años, tras una larga batalla contra un cáncer de garganta. Redefinió la técnica de la guitarra eléctrica, popularizó el tapping y convirtió su instrumento en una extensión de su propio cuerpo. Fue, en palabras de sus contemporáneos, el Mozart de la guitarra del rock.** Edward Lodewijk van Halen nació el 26 de enero de 1955 en Ámsterdam, Países Bajos, en el seno de una familia profundamente musical. Su padre, Jan, era clarinetista, saxofonista y pianista; su madre, Eugenia, era de origen indonesio. En febrero de 1962, cuando Eddie tenía siete años, la familia emigró a Estados Unidos y se instaló en Pasadena, California. Allí, los hermanos Van Halen —Eddie y Alex— comenzaron a estudiar piano con el maestro Stasys Kalvaitis. Eddie fue un niño prodigio del piano. Ganó el primer premio en un recital local durante cuatro años consecutivos, compitiendo con más de cinco mil estudiantes, a pesar de que no sabía leer una sola nota de música. “Engañé a mi profesor durante seis años”, confesó años después a Rolling Stone. “Nunca lo supo. Yo miraba sus dedos y tocaba”. Pero el rock and roll lo llamaba. Tras escuchar a su hermano Alex tocar el solo de batería de “Wipe Out” de The Surfaris, Eddie decidió cambiar de instrumento y comenzó a practicar guitarra eléctrica. Se encerraba en su habitación durante horas, con la puerta cerrada, imitando los solos de Eric Clapton nota por nota. “Siempre he dicho que Eric Clapton fue mi principal influencia”, reconocería después. Pero fue ver a Led Zeppelin en el Forum de Los Ángeles a principios de los setenta lo que cambió su forma de tocar para siempre. Jimmy Page tocó el solo de “Heartbreaker” usando ambas manos para golpear las notas en el mástil. Para Page era un alarde; para Eddie, fue una revelación. El sonido de una nueva era En 1974, los hermanos Van Halen formaron la banda que llevaría su apellido junto al vocalista David Lee Roth, el bajista Michael Anthony y el baterista Alex Van Halen. Firmaron con Warner Bros. Records en 1977 y en 1978 publicaron su álbum debut homónimo, Van Halen, un disco que, en palabras de la crítica, “anuncia su llegada con el sonido inconfundible de sirenas en la distancia”. El álbum contenía “Runnin’ with the Devil”, “Ain’t Talkin’ ’bout Love”, una versión adrenalínica de “You Really Got Me” de The Kinks y, sobre todo, “Eruption”, un solo instrumental de menos de dos minutos que cambió la historia de la guitarra eléctrica. Guitar World lo votó como el segundo mejor solo de la historia; Rolling Stone, como el sexto. Eruption no era una canción. Era una demostración de posibilidades. En menos de dos minutos, Eddie desplegaba una técnica que nadie había escuchado antes: el tapping a dos manos, los armónicos artificiales, el vibrato, el tremolo picking. Combinaba velocidad cegadora con precisión quirúrgica, y lo hacía con una sonrisa que desarmaba a cualquiera que intentara imitarlo. El tapping: la técnica que lo cambió todo Eddie Van Halen no inventó el tapping. Ace Frehley, Jimmy Page, Jimi Hendrix y Brian May ya habían experimentado con técnicas similares. Pero fue Eddie quien la refinó, la sistematizó y la convirtió en un lenguaje. “Es como tener un sexto dedo en la mano izquierda”, explicaba en 1978. “En lugar de puntear, golpeas una nota en el diapasón”. Su aproximación a la guitarra era, en esencia, la de un pianista. Al fin y...
El guitarrista flamenco puertollanense falleció el 1 de octubre de 2020 a los 61 años en su ciudad natal, tras una larga enfermedad que le fue robando los dedos pero nunca el alma. Fue alumno de Serranito, ganador del Bordón Minero en el Festival de La Unión y una de las figuras más destacadas de la historia reciente de la guitarra flamenca. Su toque, profundo y preciso, se apagó demasiado pronto, pero su magisterio sigue vivo en cada alumno que pasó por su escuela. Francisco Manzano Ramos nació en Puertollano, Ciudad Real, y desde niño supo que su vida estaría ligada a las seis cuerdas. Con tan solo diez años ya tocaba la guitarra, y con once ofrecía sus primeros conciertos. Su talento precoz no pasó desapercibido, y pronto se puso en manos de uno de los grandes: Víctor Monge “Serranito”, maestro madrileño de la guitarra flamenca que lo tomó bajo su tutela. Con quince años, Manzano ya compartía escenario con Manolo Sanlúcar en el desaparecido Gran Teatro de Puertollano, un hito que anunciaba lo que estaba por venir. No era un adolescente con una guitarra: era un músico que había entendido que el flamenco no se toca, se habita. El Bordón Minero: la consagración Su carrera fue una sucesión de reconocimientos que jalonaron una trayectoria construida desde la humildad y el estudio. En 1975 ganó el Premio Festival de Jerez, y al año siguiente obtuvo el tercer premio en el mismo certamen. En 1986 llegó la Muestra de Córdoba, y en 1989 sumó dos accésits nacionales: en la Muestra de Córdoba y en la de Hospitalet. Pero el momento que lo consagró llegó en 1990, cuando se presentó al Festival Internacional del Cante de las Minas de La Unión, el certamen de guitarra flamenca más importante de España. Allí obtuvo el máximo galardón: el Bordón Minero, el premio que distingue al mejor guitarrista del festival. No era un premio más. Era la confirmación de que aquel chico de Puertollano había llegado a la cima del toque flamenco. El hombre detrás de la guitarra Manzano no fue solo un intérprete. Fue un músico de tablao, de escenario, de premio en premio, como lo describió el periodista Chema Fabero en 2008: “Todo el toque flamenco se ha puesto en pie ante su figura de tablao en tablao y de premio en premio, desde Jerez de la Frontera, Córdoba, La Unión, Puertollano…”. También acompañó en numerosos recitales de poesía a los integrantes del grupo de Teatro Enea, demostrando que su guitarra no entendía de compartimentos estancos: servía tanto para el flamenco más jondo como para el verso recitado. La enfermedad y el magisterio En sus últimos años, una enfermedad en las manos le apartó de tocar la guitarra. Fue un golpe cruel para alguien que había dedicado su vida a las cuerdas. Pero Manzano no se rindió. Continuó dando clases de flamenco, acompañándose de un teclado para seguir transmitiendo lo que sabía. En su escuela de guitarra flamenca se formaron músicos como Marco Reyes, que después desarrollaría su propia carrera en el flamenco. Esa capacidad de reinventarse, de seguir siendo maestro cuando ya no podía ser intérprete, dice más de él que cualquier premio. Porque el magisterio de Manzano no estaba solo en sus dedos: estaba en su cabeza, en su oído, en su manera de entender el flamenco como un lenguaje que se transmite de generación en generación. La despedida Paco Manzano murió en la madrugada del 1 de octubre de 2020 en Puertollano, a los 61 años. Su sepelio se celebró esa misma tarde en la Parroquia de Nuestra...
El legendario guitarrista y cantante de blues de Chicago falleció el 29 de septiembre de 2018 a los 83 años, en su casa de Chicago, a causa de complicaciones derivadas de un derrame cerebral sufrido en 2003. Fue el arquitecto fundamental del sonido del West Side, un hombre que convirtió la melancolía en un idioma y que, sin buscarlo, se convirtió en uno de los guitarristas más influyentes de la historia. Nunca fue una estrella del espectáculo. Fue algo más difícil de encontrar y más valioso: un músico de músicos.** Otis Rush nació el 29 de abril de 1935 en Filadelfia, Mississippi, en el seno de una familia de granjeros. Aprendió a tocar la guitarra y la armónica siendo un niño, y en 1948, con apenas trece años, se mudó a Chicago siguiendo la estela de otros bluesmen sureños que buscaban en la ciudad industrial el futuro que el Delta les negaba. En los clubes del West Side, con su sombrero de cowboy y su guitarra colgada al revés, empezó a forjar un sonido que no se parecía a nada de lo que se había escuchado antes. Rush era zurdo, pero tocaba una guitarra para diestros, lo que significa que las cuerdas graves quedaban en la parte inferior del mástil. Para colmo, en lugar de pulsar las cuerdas hacia arriba, las doblaba hacia abajo. Aquel “handicap” se convirtió en su firma: el tono redondo, limpio y líquido que salía de sus dedos parecía hablar, suspirar, llorar. No era un virtuoso de la velocidad. Era un narrador. Cada frase que construía con su guitarra tenía un principio, un desarrollo y un final, como si estuviera contando una historia que solo él conocía. “I Can’t Quit You Baby”: el disparo que lo cambió todo En 1956, Willie Dixon lo vio tocar en un club de Chicago y quedó tan impresionado que lo ayudó a firmar con Cobra Records. Su primer single fue “I Can’t Quit You Baby” , una canción que Dixon había escrito y que Rush convirtió en un lamento de una intensidad sobrecogedora. Alcanzó el número 6 de la lista de R&B de Billboard y lo catapultó a la fama internacional. Le siguieron clásicos como “Double Trouble” , “My Love Will Never Die” , “All Your Love (I Miss Loving)” , “Keep On Loving Me Baby” y “So Many Roads, So Many Trains” . Sus grabaciones para Cobra entre 1956 y 1958 son consideradas su mejor obra y definieron su sonido: un blues lento, ardiente, con ecos de jazz, que modernizaba la tradición sin traicionarla. El arquitecto del West Side Sound Junto a Magic Sam y Buddy Guy, Otis Rush fue uno de los arquitectos del West Side Sound, un estilo que se distinguía del blues del South Side por su sonido más amplificado, más jazzístico y más introspectivo. No era un blues de fiesta. Era un blues de insomnio, de calles vacías a las tres de la mañana, de amores que se desmoronan. Su influencia se extendió mucho más allá del blues. Eric Clapton lo citó como una de sus mayores inspiraciones. Led Zeppelin versionó “I Can’t Quit You Baby” en su primer álbum. Carlos Santana, Peter Green, Mike Bloomfield y Stevie Ray Vaughan bebieron de su sonido. Como dijo Gregg Parker, fundador del Chicago Blues Museum: “Fue uno de los últimos grandes héroes de la guitarra de blues. Era un Dios eléctrico”. La carrera de los discos malditos A pesar de su talento, la carrera discográfica de Rush estuvo marcada por la mala fortuna. Tras el cierre de Cobra, grabó para Chess, Duke, Vanguard, Cotillion y Capitol....
Artis Leon Ivey Jr., conocido artísticamente como Coolio, fue uno de los raperos que mejor representaron la expansión del hip-hop estadounidense durante los años noventa. Con una personalidad fácilmente reconocible y una capacidad especial para convertir el rap en música accesible para un público masivo, consiguió algo que pocos artistas de su generación lograron: llevar una canción nacida de la cultura hip-hop hasta prácticamente todos los rincones del mundo. Su nombre quedó ligado para siempre a «Gangsta’s Paradise», publicada en 1995 para la película Dangerous Minds y construida sobre una reinterpretación de «Pastime Paradise» de Stevie Wonder. La canción llegó al número uno de las listas estadounidenses, vendió millones de copias y le proporcionó el Grammy a la mejor interpretación solista de rap en 1996. Pero reducir a Coolio a un solo éxito sería quedarse muy corto. Antes y después de aquella canción hubo una carrera marcada por el rap de la Costa Oeste, colaboraciones, televisión, cine y una sucesión de canciones que ayudaron a definir el sonido popular del hip-hop de los 90. Coolio murió el 28 de septiembre de 2022, en Los Ángeles, con 59 años. 🎤 De Compton a la escena del hip-hop Artis Leon Ivey Jr. nació el 1 de agosto de 1963 en Monessen, Pensilvania, aunque posteriormente se trasladó con su familia a Compton, California, ciudad en la que creció y que terminaría teniendo una enorme importancia en su identidad artística. Comenzó a rapear siendo adolescente y, antes de dedicarse profesionalmente a la música, pasó por diferentes trabajos y llegó incluso a estudiar en una universidad comunitaria. Durante los años ochenta comenzó a introducirse en la escena rap de Los Ángeles. Su primer sencillo, «Whatcha Gonna Do», apareció en 1987, aunque el gran salto todavía tardaría algunos años en llegar. Coolio empezó a ganar reconocimiento dentro de la escena californiana colaborando con artistas y grupos como WC and the Maad Circle. Aquella etapa sirvió para que desarrollara un estilo propio: un rap que podía hablar de las dificultades de la vida en los barrios de Los Ángeles, pero que también tenía suficiente capacidad melódica para llegar a emisoras de radio y a un público mucho más amplio. 🚀 «Fantastic Voyage» cambia su carrera El verdadero despegue llegó en 1994 con su primer álbum, It Takes a Thief. El disco incluía «Fantastic Voyage», una reinterpretación de la canción de Lakeside que Coolio transformó en uno de sus primeros grandes éxitos. El tema llegó hasta el número 3 del Billboard Hot 100 y convirtió al rapero en una figura nacional. Coolio había encontrado una fórmula que le permitía mantener la esencia del hip-hop sin renunciar a estructuras mucho más accesibles. Pero todavía estaba a punto de llegar la canción que cambiaría completamente su dimensión. 🖤 «Gangsta’s Paradise»: el himno que lo cambió todo En 1995, Coolio publicó «Gangsta’s Paradise». La canción fue incluida en la banda sonora de Dangerous Minds, protagonizada por Michelle Pfeiffer, y utilizaba como base musical «Pastime Paradise», de Stevie Wonder. El resultado fue extraordinario. «Gangsta’s Paradise» se convirtió en uno de los mayores éxitos musicales de 1995, alcanzó el número uno de Billboard y terminó vendiendo más de seis millones de copias. Pero su importancia fue más allá de las cifras. La canción presentaba una visión mucho más oscura y reflexiva de la vida en la calle que buena parte del rap que llegaba entonces al gran público. Su tono sombrío y su producción hicieron que funcionara tanto dentro de la cultura hip-hop como fuera de ella. En los Grammy de 1996, Coolio ganó el premio a la mejor interpretación solista de...