El cantante almeriense falleció el 24 de octubre de 2013 en su casa de Benidorm, a los 82 años, tras una larga lucha contra el cáncer de colon. Icono de la copla y embajador de la canción española, su figura trasciende la música para convertirse en un símbolo de una época. Vendió millones de discos, protagonizó decenas de películas y se mantuvo en los escenarios durante más de medio siglo. No fue solo un cantante: fue la banda sonora de varias generaciones de españoles. Manuel García Escobar nació el 19 de octubre de 1931 en Las Norias de Daza, una pedanía de El Ejido, en la provincia de Almería. Fue el quinto de diez hermanos de una familia humilde. Su padre, Antonio García, regentaba un modesto hostal, y su madre, María del Carmen Escobar, fue una presencia central en su vida; a ella le dedicó años después una de sus canciones más emotivas, “Madrecita María del Carmen”. En los años de la posguerra, un maestro republicano retirado se instaló en la casa familiar a cambio de dar clases a los hijos, y fue él quien inició a Manolo en la música: primero el laúd, después el piano. Junto a sus hermanos Baldomero y Salvador formó una rondalla que actuaba en bodas y celebraciones bajo el nombre de “Los niños de Antonio García”. En 1946, con catorce años, la familia se trasladó a Barcelona. Allí, el joven Manolo trabajó como aprendiz de diversos oficios —auxiliar de correos, albañil, dependiente— mientras se dejaba atraer por el mundo de la farándula que conoció en los locales de Badalona y el Barrio Chino de la Ciudad Condal. En 1955, tras cumplir el servicio militar en Larache (Marruecos), inició su carrera musical en un programa de Radio Barcelona, actuando junto a sus hermanos guitarristas. Nació así la formación Manolo Escobar y sus guitarras, que pronto empezó a hacerse un nombre en verbenas y funciones de cine-variedades. El sonido Escobar El éxito no tardó en llegar. En 1961 debutó en el Teatro Duque de Rivas de Córdoba con su propio espectáculo, “Canta Manolo Escobar”, y a partir de entonces los contratos se multiplicaron, tanto en la música como en el cine. Su primer gran éxito discográfico fue “El Porompompero”, una canción que se convirtió en un fenómeno popular y que, aún hoy, sigue siendo reconocida por generaciones de todas las edades. Le siguieron “Mi carro”, “La minifalda”, “Ay, Caridad” y, sobre todo, “Y viva España”, que se convirtió en un himno oficioso de las celebraciones deportivas y en la canción más vendida de su carrera. El “sonido Escobar” se hizo inconfundible: copla, rumba, pasodoble, bolero, ranchera, fandango. Era una música que no buscaba la sofisticación ni la vanguardia, sino la conexión directa con el público. Y lo consiguió como pocos. A lo largo de su carrera obtuvo más de 40 Discos de Oro, lo que lo convirtió posiblemente en el artista que más discos ha vendido en lengua española. El cine y la televisión En las décadas de los sesenta y setenta, Manolo Escobar protagonizó una veintena de películas, muchas de ellas dirigidas por José Luis Sáenz de Heredia o Luis Lucia. Títulos como “Los guerrilleros”, “Mi canción es para ti”, “Un beso en el puerto”, “Juicio de faldas” o “En un lugar de la Manga” lo convirtieron en un rostro habitual de la gran pantalla. No eran películas de autor, pero conectaban con un público que veía en Escobar algo más que a un actor: veían a un conocido, a un vecino, a alguien que les hablaba en su idioma. También fue presentador de...
Legado Musical
Hoy 20 de octubre, se cumplen 76 años del nacimiento de Tom Petty, una de las figuras más importantes y queridas del rock and roll estadounidense. Nacido en Gainesville, Florida, en 1950 y fallecido el 2 de octubre de 2017 en Santa Monica, California, a los 66 años, Petty dejó un legado que trasciende generaciones: una voz inconfundible, una habilidad compositiva fuera de lo común y una integridad artística que le llevó a enfrentarse a las discográficas cuando fue necesario. Su música, al frente de Tom Petty and the Heartbreakers y como miembro de los Traveling Wilburys, sigue sonando con la misma fuerza que cuando se grabó. De Gainesville al Olimpo del rock La historia de Tom Petty es la de un chico que, a los 11 años, conoció a Elvis Presley en el set de una película y decidió que quería dedicarse a la música. Poco después, cambió su tirachinas por una caja de sencillos de Presley y formó su primera banda, los Sundowners, con apenas 14 años. En la década de los 70, tras la disolución de su grupo Mudcrutch, Petty se unió al teclista Benmont Tench y al guitarrista Mike Campbell para formar Tom Petty and the Heartbreakers, la banda que le acompañaría durante más de cuatro décadas. El reconocimiento masivo llegó con su tercer álbum, Damn the Torpedoes (1979), un disco multiplatino que incluía himnos como “Refugee”, “Here Comes My Girl” y “Don’t Do Me Like That”. A partir de ahí, su carrera fue una sucesión imparable de éxitos, con discos como Full Moon Fever (1989) (que contenía “Free Fallin'”, “I Won’t Back Down” y “Runnin’ Down a Dream”) y Wildflowers (1994), considerado por muchos como su obra maestra más íntima. El “hermano pequeño” de los Traveling Wilburys En 1988, Petty se sumó a uno de los supergrupos más legendarios de la historia: The Traveling Wilburys, junto a Bob Dylan, George Harrison, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que empezó como una cara B para un sencillo de Harrison se convirtió en un álbum inolvidable, Traveling Wilburys Vol. 1, que vendió más de dos millones de copias solo en Estados Unidos en sus primeros seis meses. Petty, el benjamín del grupo, adoptó el pseudónimo de Charlie T. Junior Wilbury y aportó su voz y su estilo inconfundible a temas como “Handle with Care” y “End of the Line”. Los himnos que definieron una carrera El catálogo de Tom Petty es un manual de rock and roll en estado puro. Estos son algunos de los temas esenciales que lo mantienen vivo: “Free Fallin'”: su single más exitoso en Estados Unidos, alcanzó el número 7 en 1989. Una canción que, según Petty, nació de las líneas que escribía para hacer reír a Jeff Lynne, y que se convirtió en un clásico atemporal. “I Won’t Back Down”: un himno de resistencia y determinación, con la guitarra slide de George Harrison y una interpretación contenida que hace el mensaje aún más poderoso. “Refugee”: uno de los primeros grandes éxitos de los Heartbreakers, una muestra de la energía cruda y directa de la banda. “American Girl”: un clásico de su debut que captura la esencia del rock de los 70 y que sigue siendo un favorito en directo. “Mary Jane’s Last Dance”: una de sus canciones más icónicas, con un riff inolvidable y una atmósfera melancólica que se quedó grabada en la memoria colectiva. “You Don’t Know How It Feels”: su primer Grammy en solitario, una canción relajada y sincera que demuestra su habilidad para la introspección. “Don’t Do Me Like That”: un tema con un gancho irresistible que Jimmy...
Hoy 18 de octubre, se cumplen cien años del nacimiento de Chuck Berry, una fecha que el calendario musical no puede pasar por alto. Charles Edward Anderson Berry vino al mundo en 1926 en San Luis (Misuri), en el seno de una familia negra de clase media, y falleció el 18 de marzo de 2017 a los 90 años. No es una celebración de un artista en activo, sino el homenaje a una de las figuras fundacionales del rock and roll, el hombre que definió su sonido, su actitud y su lenguaje. El poeta que electrificó el rhythm and blues La historia de Chuck Berry es la de un músico que tomó el rhythm and blues y la música country, los mezcló con letras sobre coches, chicas y la vida adolescente, y creó algo completamente nuevo. Su guitarra eléctrica no solo acompañaba: marcaba el ritmo, lanzaba riffs que se convirtieron en la base de todo lo que vino después. Como dijo John Lennon, “si tuvieras que referirte al rock & roll con otro nombre, tendrías que llamarlo Chuck Berry”. Su influencia fue inmediata y total. Los Beatles, los Rolling Stones, los Beach Boys y prácticamente cualquier artista de rock o pop que haya existido desde entonces bebió de su catálogo. No inventó el género, pero fue quien le dio su forma definitiva en una serie de sencillos icónicos grabados entre 1955 y 1959. Los himnos que siguen sonando El repertorio de Chuck Berry es una masterclass de rock and roll en estado puro. Estos son algunos de los temas que mejor resumen su talento: “Johnny B. Goode”: considerada por muchos como la mejor canción de guitarra de la historia del rock, es un himno universal y la esencia misma del género. “Maybellene”: su primer single, publicado en 1955, está considerada por los expertos como la primera canción de rock and roll. Una historia de un Cadillac y una chica que lo convirtió en superventas. “Roll Over Beethoven”: un golpe de genio que puso a Beethoven en el mismo plano que el rock and roll, con una potencia y una actitud que siguen intactas. “Rock and Roll Music”: una declaración de principios, un tema que los Beatles versionaron y que resume la filosofía de Berry: el rock como forma de vida. “You Never Can Tell (C’est la vie)”: un clásico atemporal que, gracias a Pulp Fiction, se grabó en la memoria de varias generaciones. “Sweet Little Sixteen”: un tema que, con su riff, sirvió de base para el “Surfin’ USA” de los Beach Boys, demostrando su influencia más allá de su propio catálogo. “Promised Land”: una canción de 1972 que se convirtió en un alegato a favor de los desheredados y que demuestra que su talento compositivo no se limitó a los años cincuenta. Un centenario que se celebra por todo lo alto Lejos de ser una fecha que pase desapercibida, el centenario de Chuck Berry está movilizando a la industria musical. En Estados Unidos se están organizando conciertos, publicaciones y exposiciones interactivas bajo la iniciativa oficial CHUCK100, con actividades en San Luis, Washington, Virginia y Maryland. Además, el legado de Berry sigue generando nueva música. El trío formado por Joey Molland (Badfinger), Phil Solem (The Rembrandts) y Jeff Miller ha lanzado una versión de “Roll Over Beethoven” como antesala de un álbum tributo completo que verá la luz en 2027. También se ha publicado material póstumo, como la canción “Big Boys” y su último álbum de estudio, Chuck, grabado en 2017, sigue siendo un testimonio de su vitalidad creativa hasta el final. Cien años de una revolución que no...
El pianista, arreglista y director musical falleció el 17 de octubre de 2009 en el Hospital Clínico de Barcelona a los 69 años, a consecuencia de un derrame cerebral. Fue uno de los solistas de jazz más destacados del panorama español y al mismo tiempo, el hombre invisible detrás de las carreras de Nino Bravo, Rocío Jurado, Lola Flores o Isabel Pantoja. Su vida fue la de un músico de músicos: indispensable, respetado y a menudo, desconocido para el gran público. Manuel Gas Cabré nació en Barcelona en 1940, en el seno de una familia donde el espectáculo era una herencia. Hijo del cantante lírico bajo Manuel Gas y de la bailarina Ana Cabré (hermana del actor y torero Mario Cabré), creció entre bambalinas en el ambiente teatral de los años cuarenta y cincuenta. Su hermano, Mario Gas, se convertiría en uno de los directores escénicos más importantes del país, y con él colaboraría en numerosas ocasiones hasta convertirse en su director musical de cabecera. Estudió en el Conservatorio Municipal de Barcelona con los maestros Gibert Camins (piano), Zamacois (armonía y composición) y Juan Masia (música de cámara). Su formación clásica era sólida, pero su vocación pronto tomó otro rumbo. En los años sesenta, la escena jazzística de Barcelona vivía un momento de efervescencia, y Gas se sumergió en ella sin reservas. El jazz como escuela de libertad En los años sesenta, Gas se fogueó con la crema del jazz internacional que visitaba Barcelona: Gerry Mulligan, Stéphane Grappelli, Guy Lafitte, Bill Coleman. Fue una época de aprendizaje intensivo, de noches en clubes, de improvisación sin red. “La fascinación por el jazz de todo músico de raza, que ve en ese género la máxima expresión de la libre inspiración y el virtuosismo”, escribió Carlos Toro en su obituario para El Mundo. Pero Gas no era un pianista de jazz al uso. Pronto se dio cuenta de que en Barcelona no podía competir con Tete Montoliu, el genio indiscutible del piano jazzístico español. Lejos de rendirse, tomó una decisión estratégica: se pasó al órgano Hammond y al piano eléctrico, instrumentos que le permitieron desarrollar una voz propia y diferenciada. Fue una elección inteligente, pero también reveladora de su carácter: no le importaba renunciar al lucimiento personal si con ello encontraba un camino donde pudiera brillar de verdad. La Tinto Brass Band y el éxito popular A finales de los sesenta, Gas se instaló en Madrid y comenzó a trabajar como músico de sesión en infinidad de grabaciones. Participó en los primeros pasos de la fusión del flamenco y el jazz junto a Pedro Iturralde, con quien formó una “parceria” especialmente productiva. En los setenta inició su carrera como solista adaptando éxitos pop del momento, tanto españoles como internacionales. Interpretó versiones de creadores tan distintos como Spencer Davis Group, Santana, Los Módulos, Bee Gees, Beatles o The Archies. Formó parte de orquestas como la Radio Topolino Orquesta (un homenaje nostálgico a las formaciones de baile de los años treinta y cuarenta) y estuvo al frente de otras como la Tinto Brass Band o la Latin Combo, con las que actuaba en las cavas dedicadas al jazz. Sus discos de la Tinto Band Bang, con Pedro Iturralde al saxo, se convirtieron en superventas y le dieron una fama inesperada en el circuito comercial. Pero aquello no era lo que Gas buscaba. Su corazón seguía en el jazz. El director musical de las grandes estrellas Si hay una faceta que define la carrera de Manuel Gas, es la de director musical. Durante décadas, fue el hombre de confianza de algunas de las voces más...
El legendario baterista de jazz falleció el 16 de octubre de 1973 en su casa de Yonkers, Nueva York, a los 64 años, tras una década de lucha contra una leucemia benigna. Con Benny Goodman popularizó “Sing, Sing, Sing”, convirtió el solo de batería en un acontecimiento y pasó a la historia como el primer baterista solista de la música popular. No fue solo un músico: fue el hombre que cambió para siempre el lugar de su instrumento en el escenario. Eugene Bertram Krupa nació el 15 de enero de 1909 en Chicago, el menor de nueve hermanos de una familia de inmigrantes polacos. Su padre murió cuando él era muy pequeño, y su madre trabajaba como sombrerera para sacar adelante a la familia. Todos los niños tuvieron que empezar a trabajar pronto. Gene lo hizo a los once años, en la tienda de música donde trabajaba su hermano Pete. Allí, entre saxofones y trompetas, eligió la batería: era el artículo más barato del local. No podía saber entonces que aquel instrumento, relegado a un segundo plano en las orquestas de la época, se convertiría en su voz y en su trono. Comenzó su carrera profesional a mediados de los años veinte en bandas de Wisconsin y emergió en la escena de Chicago en 1927. Estudió percusión con maestros como Roy Knapp y Ed Straight, y se fogueó en los clubes de la ciudad, absorbiendo el estilo de los bateristas de Nueva Orleans y de los jóvenes músicos del jazz de Chicago. El encuentro con Benny Goodman: la chispa que encendió el swing El punto de inflexión llegó en diciembre de 1934, cuando se unió a la orquesta de Benny Goodman. Aquella colaboración no solo lo convirtió en una estrella: cambió la historia de la música popular. En la big band de Goodman, Krupa pasó de ser un simple acompañante rítmico a un solista de pleno derecho, una figura que el público iba a ver tanto como al propio clarinetista. Su estilo era pura energía. Se inclinaba sobre la batería, masticando chicle al ritmo del compás, con un mechón de pelo negro cayéndole sobre los ojos. Golpeaba el tambor, los toms y los platillos con una furia casi atlética, y de repente se echaba hacia atrás, con los brazos en alto, mientras aporreaba el bombo con el pedal. Al terminar, sudando a mares, sus brazos y baquetas se convertían en una mancha borrosa. Los aplausos que estallaban en los salones de baile sonaban más a un evento deportivo que a un concierto. “Sing, Sing, Sing”: el himno que lo inmortalizó El 6 de julio de 1937, la orquesta de Benny Goodman grabó en Hollywood “Sing, Sing, Sing”, una composición de Louis Prima que, en manos de Goodman y con Krupa a la batería, se convirtió en el himno del swing. La versión grabada duraba 8 minutos y 43 segundos, una eternidad para la época, y ocupaba las dos caras de un disco de 78 rpm de 12 pulgadas. El solo de Krupa en aquella grabación, con sus toms marcando el groove, se convirtió en el modelo de lo que un baterista podía hacer en una big band. La consagración definitiva llegó el 16 de enero de 1938, en el legendario concierto de Goodman en el Carnegie Hall. Aquella noche, el jazz entró por la puerta grande en el templo de la música clásica, y Krupa, con su solo en “Sing, Sing, Sing”, se llevó uno de los aplausos más ensordecedores de la historia. El hombre que hizo historia en la batería Krupa no inventó el solo de batería, pero...
El músico y pintor Javier Pérez Grueso, conocido artísticamente como Javier Furia, falleció el 17 de octubre de 2019 en Madrid a los 63 años, a causa de un cáncer que padecía desde hacía tiempo. Fue miembro fundador de Radio Futura, una de las bandas esenciales del pop español, y una figura central de la movida madrileña, aunque su verdadera vocación —la pintura— lo acompañó hasta el final de sus días. Javier Pérez Grueso nació en Madrid el 30 de marzo de 1956. Creció en una ciudad que, a mediados de los setenta, comenzaba a despertar de un largo letargo. No era un músico en el sentido tradicional del término. Era, ante todo, un pintor. Se formó en el Ateneo, donde participó en exposiciones colectivas, y su mirada estaba entrenada para ver el mundo en términos de color, forma y composición. Pero la música llegó a su vida como un territorio más de experimentación, una extensión natural de su curiosidad artística. El núcleo de la modernidad Antes de que existiera la movida como fenómeno mediático, ya existía una red informal de creadores que se tanteaban, se mezclaban y construían algo nuevo. Javier Furia fue uno de los catalizadores de ese proceso. Contribuyó a la aparición de un espacio común entre pintores, músicos, escritores y cineastas que hasta entonces se habían dado la espalda entre sí. La Casa Costus, el piso compartido por los pintores Juan Carrero y Enrique Naya, se convirtió en el epicentro de aquellos primeros años, y Furia era una presencia habitual en aquel laboratorio de ideas. En 1976, a través del Ateneo, entró en contacto con los integrantes de Kaka de Luxe, el grupo punk seminal de la movida. Colaboró con ellos haciendo coros bajo el nombre de Kakketes y se encargó de la escenografía de algunas de sus primeras actuaciones. De aquella época nació una amistad profunda con Alaska y Carlos Berlanga, que lo recordarían siempre como un cómplice esencial de su adolescencia creativa. Radio Futura: el proyecto que lo cambió todo A finales de los setenta, Furia era pintor cuando conoció a Enrique Sierra y, sobre todo, al también pintor y poeta Herminio Molero. Los tres compartían una idea: mezclar música y pintura según las pautas más vanguardistas del momento, abordando también el diseño gráfico, el vestuario y el estilismo. Aquel fue el motor inicial de Radio Futura, un proyecto que vio la luz en 1979 con la incorporación de Manolo Campoamor y los hermanos Luis y Santiago Auserón. Furia aportaba la percusión electrónica y compartía la voz principal con Santiago Auserón. Su presencia en el grupo fue breve —apenas dos años—, pero suficiente para formar parte de uno de los debuts más emblemáticos de la movida: Música moderna (1980), el primer álbum de Radio Futura. Producido con la referencia de Roxy Music y la influencia de la new wave anglosajona, el disco contenía “Enamorado de la moda juvenil” , una de las canciones más emblemáticas del grupo y, a la postre, de toda la movida. Furia fue el primero en abandonar la banda, y lo hizo, según recordaría Santiago Auserón años después, “sin guardar rencor”. No fue una ruptura traumática. Simplemente, eligió otro camino. Un artista multidisciplinar Tras su salida de Radio Futura, Furia continuó haciendo música en proyectos como Furia Española y, más recientemente, Mal-Marché, un dúo electrónico que formó junto a su amigo Eduardo Carranza en 2000. También colaboró con Alaska y los Pegamoides y Alaska y Dinarama, y fue miembro no oficial de Kaka de Luxe. Pero la música nunca fue su prioridad absoluta. La pintura fue el ámbito sobre...
El cantante, teclista y compositor sevillano falleció el 14 de octubre de 1983 en Burgos, a los 35 años, tras un accidente de tráfico cuando regresaba de un concierto benéfico. Fue el líder de Triana, la banda que fusionó el flamenco con el rock progresivo y abrió un camino que nadie había transitado antes en España. Jesús de la Rosa Luque nació en Sevilla el 5 de marzo de 1948, en el número 147 de la calle Feria, en el barrio de la Alameda. Fue el menor de ocho hermanos, y creció en una casa donde la música no era un lujo, sino una forma de vida cotidiana. Su hermano Manuel tocaba en la Orquesta Macarena, y Jesús, todavía un adolescente, empezó a sustituirlo ocasionalmente en las actuaciones. De aquellos primeros escarceos con orquestas de verbena y ferias nació una vocación que ya no lo abandonaría. A finales de los sesenta fundó Los Nuevos Tiempos, un grupo de rock con letras en inglés en el que también militaban Manolo Rosa —futuro bajista de Triana y Alameda—, Rafael Marinelli y Gualberto, que años después se convertiría en guitarrista de Smash. El grupo se disolvió con el servicio militar, pero dejó una canción en castellano, “Cansado me encontré”, que ya apuntaba hacia el camino que Jesús recorrería después. Durante su estancia en Madrid por obligación militar, intentó unirse a Los Bravos. No lo aceptaron: su voz sonaba “excesivamente sevillana” para los propósitos comerciales de la banda. Fue una puerta que se cerraba, pero también un mensaje: el acento que le impedía encajar en el pop madrileño sería, años después, la seña de identidad que lo haría irrepetible. De Tabaca a Triana Antes de Triana existió Tabaca, un grupo de experimentación sin brújula comercial formado por Jesús, Emilio Souto y el guitarrista Eduardo Rodríguez Rodway. Grabaron un sencillo en Londres, pero la discográfica CBS intentaba imponerles una orientación que chocaba con su libertad creativa. La aventura duró apenas un año. Souto se marchó al norte, y Jesús y Eduardo regresaron a Sevilla. Allí, junto al baterista Juan José Palacios “Tele”, empezaron a ensayar un proyecto que combinaba rock y esencias flamencas. En un primer momento, Lole y Manuel formaron parte de la idea, pero el dúo decidió seguir su propio camino. Los tres músicos restantes, Jesús, Eduardo y Tele, se quedaron con el proyecto y lo bautizaron como Triana, en honor al barrio sevillano donde había nacido Tele. En el verano de 1974 grabaron su primer sencillo, “Luminosa mañana”, con la ayuda de Teddy Bautista, que les prestó instrumentos y les facilitó el acceso a los estudios. La grabación fue rechazada por todas las discográficas hasta que llegó a manos de Gonzalo García Pelayo, que la publicó en su sello Moviplay. Era el inicio de algo que nadie había hecho antes en España: rock progresivo con raíces flamencas, cantado en castellano, con letras que hablaban de la vida, la muerte y el destino. El Patio: el disco que cambió la historia del rock español En 1975, Triana publicó su álbum debut, El Patio, y el impacto fue inmediato. No era un disco de rock al uso: era una obra conceptual, con canciones largas, estructuras complejas, teclados atmosféricos y una voz —la de Jesús— que sonaba a quejío, a lamento antiguo, a algo que venía de muy lejos. Canciones como “Abre la puerta”, “Luminosa mañana” y “En el lago” se convirtieron en himnos de una generación que buscaba en la música algo más que entretenimiento. A El Patio le siguieron Hijos del agobio (1977), Sombra y luz (1979), Un encuentro (1980), Un mal...
La cantante, actriz y modelo surcoreana falleció el 14 de octubre de 2019 en su residencia de Seongnam a los 25 años. Su muerte, vinculada al ciberacoso que sufrió durante años, conmocionó a la industria del entretenimiento y abrió un debate sobre la salud mental en el sector. Choi Jin-ri, conocida profesionalmente como Sulli, nació el 29 de marzo de 1994 en Busan, Corea del Sur. Debutó como actriz infantil en 2005, a los 11 años, con un papel en la serie histórica Ballad of Seodong de la SBS. Tras varios papeles en televisión y cine, firmó un contrato con SM Entertainment, una de las mayores agencias del país. En 2009 debutó como miembro del grupo femenino f(x), una de las formaciones más innovadoras del K-pop por su mezcla de géneros y su sonido poco convencional. El grupo alcanzó cuatro sencillos número uno en Corea del Sur y se convirtió en uno de los primeros actos de K-pop en actuar en el festival South by Southwest (SXSW) en 2013. En 2014, SM Entertainment anunció que Sulli se apartaba temporalmente de la industria porque estaba “sufriendo física y mentalmente por rumores maliciosos y falsos” sobre ella. En 2015 abandonó definitivamente f(x) para centrarse en su carrera como actriz. Trayectoria posterior y activismo Tras dejar el grupo, Sulli participó en películas como Real (2017) y series como Hotel del Luna (2019). En 2018 regresó a la música con el sencillo en solitario Goblin, publicado por SM Entertainment. Sulli destacó por su discurso público sobre temas que rara vez se abordaban en la industria del K-pop: la salud mental, el ciberacoso y los derechos de las mujeres. Copresentó el programa The Night of Hate Comments, en el que celebridades hablaban sobre sus experiencias con comentarios de odio y acoso en redes sociales. También denunció públicamente las campañas de acoso que recibía por decisiones personales, como no llevar sujetador en fotografías publicadas en redes sociales. Muerte y reacciones Sulli fue encontrada sin vida en su residencia de Seongnam, al sur de Seúl, el 14 de octubre de 2019. Su mánager la halló después de intentar localizarla por teléfono durante dos días sin éxito. La policía abrió una investigación y la principal hipótesis fue el suicidio. Sulli padecía depresión, diagnosticada años antes. Su funeral se celebró el 17 de octubre de 2019 en Seúl. La cantante Goo Hara, amiga cercana de Sulli y también víctima de ciberacoso, falleció poco más de un mes después, el 24 de noviembre de 2019. Impacto y legado La muerte de Sulli provocó una ola de reacciones en Corea del Sur y a nivel internacional. Se abrió un debate público sobre la presión que la industria del entretenimiento ejerce sobre los artistas jóvenes y la impunidad del ciberacoso. La Korea Herald recogió llamados a un sistema de nombres reales en internet y a una legislación antidiscriminación. En 2020, legisladores surcoreanos impulsaron el proyecto conocido como “Ley Sulli” , destinado a combatir los comentarios maliciosos y el ciberacoso que sufren las figuras públicas. Sulli fue una de las pocas estrellas del K-pop que rompió el molde del ídolo silencioso y complaciente. Su decisión de hablar abiertamente sobre salud mental, feminismo y acoso en redes sociales la convirtió en una figura controvertida en una sociedad conservadora, pero también en un referente para quienes exigían cambios en una industria que, en palabras de la BBC, “recompensa a los artistas por su silencio fuera del escenario”.
La cantante, presentadora de televisión y actriz de Broadway falleció el 5 de octubre de 2026 a los 86 años, y su fallecimiento fue conocido recientemente. Fue la primera mujer escocesa en alcanzar el número uno de la lista de sencillos del Reino Unido como solista, con su versión de “One Day at a Time” en 1979. Lena Martell nació como Helen Thomson en Glasgow, en el barrio de Possilpark, el 15 de mayo de 1940. Comenzó a cantar a los once años con la banda de su hermano mayor y, ya en la adolescencia, apareció en el programa de televisión de ITV Find the Singer. A los 16 años firmó su primer contrato discográfico. Su nombre artístico tuvo un origen práctico: “Lena” era el apodo que le daba su padre, y “Martell” lo tomó del brandy de la misma marca porque, según explicó, “alguien ya había gastado una pequeña fortuna publicitándolo”. Poseía una voz de contralto, el registro femenino más grave. Broadway y la televisión En la década de 1960, Martell se trasladó a Estados Unidos para trabajar en Broadway. Fue suplente de Barbra Streisand en el musical Funny Girl y actuó en Nueva York y Las Vegas junto a figuras como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y la propia Streisand. Sin embargo, la añoranza de Escocia la llevó de vuelta a Glasgow. En 1971 la BBC le ofreció su propio programa de variedades en horario de máxima audiencia, que se emitió durante aproximadamente una década y llegó a congregar a más de doce millones de espectadores semanales. Entre sus espacios televisivos figuran The Friday Show, Presenting Lena Martell y Make the Music Speak. One Day at a Time El mayor éxito de su carrera llegó en octubre de 1979 con su versión de “One Day at a Time”, una canción escrita por Marijohn Wilkin y Kris Kristofferson. El sencillo alcanzó el número uno de la lista británica durante tres semanas, vendió cerca de tres millones de copias y permaneció en las listas durante 36 semanas, lo que le valió una entrada en el Libro Guinness de los Récords. Fue la primera artista solista escocesa en lograr un número uno en el Reino Unido. Entre 1974 y 1980 colocó seis álbumes en la lista británica, cuatro de ellos en el top 20. En total, sus ventas discográficas se acercan a los veinte millones de copias. Problemas de salud y dificultades personales Martell afrontó a lo largo de su vida diversos problemas de salud. En 1979, el mismo año de su mayor éxito, fue diagnosticada de cáncer de garganta; en 1997 desarrolló cáncer de mama. En 2008 se sometió a una operación de triple bypass coronario. También cuidó de su madre, que padecía demencia, y a principios de la década de 1990 se declaró en bancarrota tras el colapso de una empresa inmobiliaria de su propiedad. Legado y fallecimiento Lena Martell falleció en una residencia de cuidados cercana a Glasgow tras una breve enfermedad. Tenía 86 años. La cantante escocesa Barbara Dickson la despidió con estas palabras: “Tenía una cualidad melodiosa preciosa en su voz y recuerdo a mi difunto padre admirando su callado talento”. El músico Dougie Stevenson, que giró con ella y trabajó como director gerente de Scot Disc, declaró: “Lena era realmente una gran personalidad y genial para trabajar, tanto dentro como fuera de la música. La echaremos mucho de menos, especialmente en el Barras. Siempre estaba allí con gafas oscuras, de incógnito. Amaba de verdad Glasgow”. Lena Martell desarrolló una carrera que abarcó la música, la televisión y el teatro musical. Su versión de “One...
Hoy 11 de octubre, es una de esas fechas que la música en español no puede pasar por alto. Pau Donés, el alma de Jarabe de Palo, habría cumplido 60 años. Se fue demasiado pronto, en junio de 2020, pero su voz sigue sonando cada vez que alguien tararea “La flaca” o se emociona con “Depende”. Su historia es la de un tipo que empezó tocando la guitarra a los 15 años en Barcelona, que estudió Económicas y hasta trabajó de modelo antes de dedicarse a lo que de verdad le llenaba: componer canciones. Pau Donés: el hombre detrás de Jarabe de Palo Nació en Montanuy (Huesca) en 1966, aunque creció en Barcelona. En 1996, con su banda Jarabe de Palo, publicó el primer disco, La flaca, y ese mismo año se convirtió en un fenómeno: el álbum vendió más de 600.000 copias y fue disco de platino. A partir de ahí, Pau se convirtió en una de las voces más reconocibles del pop-rock español, con un estilo que mezclaba rumba, rock y letras que hablaban de amor, desamor y, sobre todo, de vivir sin dramas. Un legado que sigue girando Pau Donés falleció el 9 de junio de 2020 a causa de un cáncer de colon que le diagnosticaron cinco años antes. Pero dejó algo más que canciones: dejó una filosofía. Su frase “Vivir es urgente” se convirtió en un lema para sus seguidores, y su forma de enfrentar la enfermedad, sin victimismo y con una sonrisa, marcó a mucha gente. Hoy, precisamente el día en que habría cumplido 60 años, sus compañeros de Jarabe de Palo estrenan El Mundo de Pau, un proyecto que según han adelantado, no es una despedida sino una forma de mantener su universo girando. La banda ya hizo una gira homenaje entre 2024 y 2025, con 17 canciones suyas interpretadas por los mismos músicos que lo acompañaron durante años, y con vídeos y audios suyos para que su presencia siguiera sintiéndose sobre el escenario. Las canciones que lo mantienen vivo Si hay que quedarse con algunos temas, estos son los que mejor resumen su talento: “La flaca”: el pelotazo que lo cambió todo. Un riff pegajoso, una historia de deseo y ese estribillo que nadie puede dejar de cantar. “Depende”: una de sus baladas más íntimas y coreadas, con esa letra que juega con las contradicciones del amor. “Bonito”: una celebración de la vida y de las cosas sencillas, con una melodía que se queda pegada. “El lado oscuro”: más rockera, más cruda, demostrando que Pau también sabía mirar hacia dentro sin filtros. “Eso que tú me das”: su despedida musical, una canción que escribió y grabó ya enfermo y que se convirtió en un himno de agradecimiento. “Agua”: otra de esas canciones que forman parte de la banda sonora de varias generaciones. Pau Donés no fue solo un cantante. Fue un tipo que hizo de la música una forma de estar en el mundo, sin poses y con una honestidad que se nota en cada verso. Hoy, cuando habría soplado 60 velas, su música sigue sonando y su mensaje sigue más vivo que nunca: vivir, vivir y vivir.