El hombre que convirtió el saxofón en azúcar, Stanley Turrentine

**Hoy 11 de septiembre de 2026, se cumplen veintiséis años de su muerte. Y en cada nota que se desliza como miel sobre una base de blues, en cada balada que parece susurrada al oído, Stanley Turrentine sigue sonando.

No desde un escenario de hard bop. Desde ese lugar intermedio donde el jazz se vuelve carne, donde la improvisación se convierte en conversación, donde un saxofón tenor puede ser, a la vez, una caricia y un grito.**

Hay artistas que buscan la pureza. Y hay artistas que buscan la conexión. Stanley Turrentine perteneció a esta segunda estirpe. Fue un saxofonista tenor de formación hard bop que, sin renunciar a su raíz jazzística, se atrevió a ensuciarse las manos con el R&B, el soul y el funk. No le importaban las etiquetas.

Le importaba que la música llegara a la gente, que el oyente sintiera algo, que una canción —suya o de otro— se convirtiera en un vehículo para la emoción. Su sonido, grueso y ondulante, estaba enraizado en el blues, y su capacidad para trabajar un groove con alma e imaginación lo convirtieron en una de las figuras más queridas y, a la vez, más discutidas del jazz de la segunda mitad del siglo XX.

Stanley William Turrentine nació el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, Pensilvania, y falleció el 12 de septiembre de 2000 en Nueva York, a los 66 años, tras sufrir un derrame cerebral masivo. Veintiséis años después, su legado sigue siendo un ejemplo de integridad artística entendida no como pureza, sino como honestidad.

El niño que dejó el chelo por el saxo

Turrentine creció en el Hill District de Pittsburgh, un barrio que, como Harlem o Nueva Orleans, fue una incubadora de talento musical. Su padre, Thomas, era un saxofonista tenor aficionado que se ganaba la vida como empresario de construcción. Su hermano mayor, Tommy, se convertiría en un trompetista de renombre que tocaría con Dizzy Gillespie y Count Basie. La música no era una elección en casa de los Turrentine: era el aire que respiraban.

Stanley comenzó tocando el chelo, pero pronto lo cambió por el saxo tenor. A los siete años ya estudiaba piano con su madre, a quien recordaba como “una gran pianista de stride”. En el instituto formó su primera banda, Four Bees and a Bop, con la que tocaba en bailes de graduación y fiestas. Su primer concierto profesional llegó a los quince años, en un bar de Pittsburgh, junto a su hermano Tommy. Ese bolo le abrió las puertas de una vida en la carretera.

A los dieciséis años, Turrentine dejó el instituto para unirse a la banda del guitarrista y cantante de R&B Lowell Fulson. El pianista de aquella formación era un joven llamado Ray Charles. Stanley viajó con ellos, aprendió el oficio de la carretera y, como él mismo contó años después, le prometió a su madre, que lloraba al verlo marchar: “Un día haré que estés orgullosa de mí”. Cumplió la promesa.

El relevo de Coltrane y la escuela del R&B

En 1953, Turrentine sustituyó a John Coltrane en la banda de Earl Bostic, un saxofonista de R&B cuyo sonido salvaje y rítmico fue una de las primeras influencias importantes del joven Stanley. Aquel puesto no era un detalle menor: Coltrane, que por entonces aún no era el gigante que llegaría a ser, dejaba un vacío que Turrentine llenó con su propio sonido, más grueso y más bluesero, pero igualmente poderoso.

Tras una temporada en el ejército, Turrentine se unió al quinteto de Max Roach, el baterista que había revolucionado el bebop junto a Charlie Parker y Clifford Brown. Allí, Stanley y su hermano Tommy se sumergieron en las complejidades rítmicas del bebop, desarrollando una musicalidad que, en palabras del crítico John Fordham, “reflejaba tanto su amplio lirismo desenfadado como un ingenio melódico que no siempre fue puesto a prueba por las elecciones de carrera de Stanley”.

Shirley Scott y el matrimonio del Hammond y el tenor

A finales de los cincuenta, Turrentine se instaló en Filadelfia, la capital del soul jazz, donde conoció a la organista Shirley Scott. Se casaron en 1960 y se convirtieron en una de las parejas musicales más fructíferas de la época. Discos como The Soul Is Willing o Soul Shoutin’ son ejemplos perfectos de la química entre el Hammond de Scott y el tenor de Turrentine: el saxofonista aportaba una ferocidad controlada, mientras la organista respondía con un swing preciso y económico.

Aquel matrimonio musical se prolongó hasta 1971, y de él quedaron grabaciones que siguen siendo estudiadas por cualquier aficionado al soul jazz. Pero Turrentine también trabajó con Jimmy Smith, el otro gran organista de Hammond de la época, en discos fundamentales como Back at the Chicken Shack y Midnight Special, donde su saxo se integró en el sonido de grupo como una voz más, sin buscar el protagonismo.

Blue Note: la consagración del soul jazz

En 1960, Turrentine firmó con Blue Note Records y comenzó su carrera como líder. La etiqueta, que en aquel momento era el hogar natural de los jóvenes hard boppers con la mente abierta al gospel y al funk, le dio el espacio que necesitaba para desarrollar su sonido.

Sus primeros discos como líder —Look Out! (1960), Blue Hour (1960, con The Three Sounds), Comin’ Your Way (1961), That’s Where It’s At (1962)— son documentos esenciales del soul jazz de los sesenta.

El crítico Steve Huey describió a Turrentine como “famoso por su tono distintivamente grueso y ondulante [y] su arraigo terrenal en el blues”. No era un virtuoso de la velocidad ni un experimentalista del sonido. Era un narrador. Cada solo suyo era una historia contada con frases cortas, silencios cargados de significado y una capacidad para el blues que pocos tenían.

Sugar: el dulce que lo cambió todo

El gran punto de inflexión llegó en 1970, cuando Turrentine fichó por CTI Records, el sello de Creed Taylor orientado a la fusión y al sonido más pulido y comercial del jazz. Su primer disco para la etiqueta fue Sugar, grabado en noviembre de 1970 y publicado en 1971. No era un disco de jazz al uso. Era un acontecimiento.

Sugar contenía solo tres temas, todos largos: el tema homónimo (una composición de Turrentine), Sunshine Alley y una versión magistral de Impressions de John Coltrane. En la grabación participaron Freddie Hubbard a la trompeta, George Benson a la guitarra, Ron Carter al bajo, Billy Kaye a la batería y otros músicos de primer nivel. El sonido era enorme, cálido, envolvente. Era jazz, sí, pero jazz que podía sonar en cualquier radio sin pedir permiso.

El disco fue un éxito de ventas y convirtió a Turrentine en uno de los pocos músicos de jazz con verdadero éxito en las listas de popularidad. El tema Sugar se convirtió en su firma, en su apodo —”The Sugar Man”— y en la puerta de entrada de toda una generación al jazz.

La acusación de “venderse” y la respuesta de Turrentine

Con el éxito llegaron las críticas. Algunos puristas acusaron a Turrentine de haberse vendido, de haber abandonado el jazz por el funk comercial. Sus discos para CTI –Salt Song (1971), Don’t Mess with Mister T. (1973)- eran más accesibles, con arreglos de cuerda de Bob James y un sonido más cercano al soul y al pop que al hard bop de sus años en Blue Note.

Turrentine nunca se disculpó por ello. Su respuesta era tan sencilla como reveladora: “No me gusta usar la palabra ‘jazz’. Escucho todo tipo de música. Si oigo una canción y me atrae, y siento, oye, es una buena canción para tocar, la toco, sin importar en qué categoría la pongan”.

No era una excusa. Era una declaración de principios. Para Turrentine, la música no era un compartimento estanco. Era un continuo. El R&B de su adolescencia, el bebop de Max Roach, el soul jazz de Blue Note y la fusión de CTI eran partes de la misma conversación. No había traición. Había evolución.

El regreso a las raíces y el último aliento

Tras su etapa en CTI, Turrentine grabó para Fantasy y otros sellos, con resultados desiguales según la crítica. Pero en los ochenta y noventa, con el resurgimiento del jazz clásico, volvió a trabajar con Jimmy Smith y regresó a un sonido más directo y menos producido. En 1989 sufrió un edema pulmonar que casi le costó la vida; estuvo en coma y, al despertar, dijo que la experiencia le había cambiado. “Intento vivir la vida lo más plenamente que puedo”, declaró.

El 10 de septiembre de 2000, Turrentine sufrió un derrame cerebral en su habitación de hotel, apenas unas horas antes de actuar en el Blue Note, el club de jazz de Nueva York que lleva el nombre del sello que lo consagró. Fue ingresado en un hospital de Manhattan y falleció dos días después, el 12 de septiembre, a los 66 años. Fue enterrado en el Cementerio Allegheny de Pittsburgh, su ciudad natal.

Veintiséis años después

Hoy, 11 de septiembre de 2026, el calendario nos acerca al aniversario de su muerte. Pero Stanley Turrentine no se ha ido del todo. Sigue en cada disco de Blue Note que alguien pone en el tocadiscos. Sigue en cada versión de Sugar que suena en un bar a medianoche. Sigue en la memoria de sus compañeros, de sus fans, de todos los que alguna vez lo vieron tocar y sintieron que estaban presenciando algo que no era solo jazz: era vida.

No fue el más experimental. No fue el más virtuoso. No fue el más puro. Pero fue, quizá, el más humano. Su saxo no buscaba impresionar: buscaba conectar. Y esa conexión, veintiséis años después, sigue siendo su legado más valioso.

Descansa, Sugar Man. Tu música sigue endulzando el silencio.

Stanley Turrentine, en pocas palabras

• Nombre completo: Stanley William Turrentine
• Apodos: “Mr. T”, “The Sugar Man”
• Nacimiento: Pittsburgh, Pensilvania, 5 de abril de 1934
• Fallecimiento: Nueva York, 12 de septiembre de 2000 (66 años)
• Causa: Derrame cerebral masivo
• Lugar de entierro: Cementerio Allegheny, Pittsburgh
• Instrumento: Saxofón tenor
• Géneros: Hard bop, soul jazz, jazz fusión, R&B
• Familia musical: Padre saxofonista aficionado; hermano Tommy Turrentine (trompetista); hermano Marvin (batería)
• Esposa: Shirley Scott (organista, casados en 1960, divorciados en 1971)
• Inicios: Banda de Lowell Fulson con Ray Charles (1950-1951); reemplazó a John Coltrane en la banda de Earl Bostic (1953); quinteto de Max Roach (finales de los 50)
• Discos clave en Blue Note: Look Out! (1960), Blue Hour (1960), Comin’ Your Way (1961), That’s Where It’s At (1962), Never Let Me Go (1963), The Soul Is Willing (con Shirley Scott)
• Discos clave en CTI: Sugar (1970), Salt Song (1971), Don’t Mess with Mister T. (1973)
• Colaboraciones destacadas: Shirley Scott, Jimmy Smith, Max Roach, Freddie Hubbard, George Benson, Ron Carter, Ray Charles, Earl Bostic
• Éxito más popular: Sugar (1970), que lo estableció en el mainstream y le dio su apodo
• Legado: Uno de los saxofonistas tenor más influyentes del soul jazz y el hard bop; su sonido grueso y bluesero y su capacidad para el groove lo convirtieron en un puente entre el jazz clásico y el público popular
• Frase que lo define: “No me gusta usar la palabra ‘jazz’. Escucho todo tipo de música. Si oigo una canción y me atrae, la toco, sin importar en qué categoría la pongan.”