Este 11 de octubre, Paulini Curuenavuli cumple 44 años. Nacida en Suva (Fiyi) en 1982 y criada en Sídney desde los cuatro años, es una de las voces más queridas y reconocibles del panorama musical australiano. Su historia es la de una artista que supo reinventarse, que pasó del pop masivo al teatro musical y que, más de dos décadas después de saltar a la fama, sigue llenando teatros y sorprendiendo con su talento. De Fiyi a los escenarios de Australia Paulini llegó a Australia siendo una niña, junto a sus cinco hermanos y sus padres, un ex director de coro y una enfermera. Creció en un hogar humilde en el suroeste de Sídney, donde la música y la iglesia fueron un refugio constante. Desde muy pequeña cantó en el coro local y, en 1997, su escuela secundaria, Bankstown Girls High School, la reconoció como un talento excepcional y la incluyó en su programa de desarrollo. A los 16 años ya había ganado el concurso televisivo Starstruck, y en 2003, tras un paso por la banda MIXX, decidió dar el salto definitivo: presentarse a la primera temporada de Australian Idol. El fenómeno de Australian Idol Su paso por Australian Idol en 2003 la convirtió en una de las concursantes más recordadas del programa. Aunque quedó en cuarto lugar, su voz y su presencia escénica la hicieron merecedora de elogios unánimes por parte del jurado, que la comparó con figuras como Aretha Franklin o Whitney Houston. Su eliminación, marcada por una división del voto con su compañera Cosima DeVito, es considerada una de las más sorprendentes en la historia del formato. A pesar de no llegar a la final, las ofertas no tardaron en llegar y terminó firmando un contrato de cuatro discos con Sony BMG. Una carrera discográfica llena de éxitos Su álbum debut, One Determined Heart (2004), fue un auténtico bombazo: debutó en el número uno de la lista ARIA Albums Chart y fue certificado platino. El primer sencillo, “Angel Eyes”, una versión jazzística del clásico de Jeff Healey, se mantuvo tres semanas consecutivas en lo más alto de la ARIA Singles Chart y se convirtió en el cuarto sencillo más vendido del año en Australia. Este éxito le valió dos premios ARIA No. 1 Chart Awards. En 2006, su segundo álbum, Superwoman, aunque no alcanzó las mismas cifras, incluyó el sencillo “Rough Day”, que llegó al top 30 y le valió dos nominaciones en los Australia/New Zealand Urban Music Awards. Ese mismo año, se unió al supergrupo Young Divas, junto a otras finalistas de Australian Idol, y juntos lograron un éxito rotundo con dos álbumes en el top 10 y sencillos como “This Time I Know It’s for Real”. La reinvención en el teatro musical En 2017, Paulini dio un giro a su carrera al debutar en el teatro musical con el papel protagonista de Rachel Marron en la producción australiana de The Bodyguard, el rol que hizo famoso a Whitney Houston en la gran pantalla. Las críticas destacaron su impresionante rango vocal y su capacidad para interpretar temas icónicos como “I Have Nothing” o “I Will Always Love You”, que dejaban al público con la piel de gallina. A pesar de las dificultades personales que atravesaba en ese momento, Paulini demostró una vez más su profesionalidad y su fuerza sobre el escenario. Algunos de sus temas más destacados “Angel Eyes”: su debut en solitario, una versión jazzística que se convirtió en un éxito arrollador y la catapultó a lo más alto de las listas australianas. “Superwoman”: la canción que da título a su segundo álbum, donde...
ISA CRUZ
Redactora del blog de música independiente española y de habla hispana ESTRENO MUSICAL. Amante de la música desde su más corta infancia y especialmente, la urbana y el R&B.
Este 11 de octubre, Jane Zhang cumple 42 años. Nacida en Chengdu (Sichuan) en 1984, Zhang Liangying —su nombre real— se ha consolidado como una de las voces más importantes del pop chino y una de las artistas más reconocidas internacionalmente. Su rango vocal de cinco octavas, comparado en múltiples ocasiones con el de Mariah Carey, la ha llevado a actuar en escenarios de todo el mundo, desde el Festival de la Canción de Asia hasta los Premios MTV Europeos. De Chengdu a los escenarios internacionales Jane Zhang saltó a la fama en 2005 tras quedar tercera en la tercera temporada del concurso Super Girl, el programa de talentos que la catapultó a la fama nacional en China. Un año después, en 2006, publicó su primer álbum de estudio, The One, con el que ganó el Premio de Oro de China (China Gold Record Award). En 2008 llegó uno de los momentos clave de su carrera: la canción “画心” (Hua Xin), tema principal de la película Painted Skin, que superó los 100 millones de descargas en el ámbito de la música digital móvil y le valió un reconocimiento masivo. A partir de ahí, su carrera se expandió más allá de China. En 2009 firmó con Universal Music China, lo que marcó su primer acuerdo con una discográfica internacional de primer nivel y abrió las puertas a una distribución global. Ese mismo año participó en el programa The Oprah Winfrey Show de la CBS, convirtiéndose en una de las primeras artistas chinas en aparecer en un espacio de tal magnitud en Estados Unidos. En 2010 recibió el premio a la Artista Más Destacada de Asia, y en 2015 interpretó el tema principal de la película Terminator: Genisys, “Fighting Shadows”, además de ganar un premio en los MTV Europe Music Awards. Un rango vocal sin precedentes Lo que distingue a Jane Zhang de la mayoría de las vocalistas de pop es su extraordinaria amplitud vocal. Diversos medios especializados han documentado que su rango abarca cinco octavas, desde un re por debajo del do central hasta un sol por encima del do de soprano, lo que le ha valido el apodo de “La Princesa Delfín” en China. Esa capacidad le permite abordar desde baladas de gran intensidad emocional hasta temas que exigen el registro de silbido, uno de los más altos que puede alcanzar la voz humana. Su versatilidad también se refleja en su repertorio: ha interpretado canciones en mandarín, inglés, cantonés y otros idiomas y ha colaborado con artistas de la talla de Timbaland, Ne-Yo y Jacky Cheung. Su discografía incluye más de una decena de álbumes de estudio, entre los que destacan The One (2006), Update (2007), Believe in Jane (2010), The Seventh Sense (2014) y Past Progressive (2019). Las canciones que definen su carrera El catálogo de Jane Zhang combina pop, R&B, baladas de gran formato y temas cinematográficos. Estos son algunos de los más representativos: “画心” (Hua Xin): el tema de Painted Skin que la catapultó a la fama internacional y que superó los 100 millones de descargas digitales. “我相信” (I Believe): el himno de su álbum Believe in Jane, con una letra escrita por ella misma que habla del amor incondicional. “需要你” (I Need You): una balada grandiosa que muestra su capacidad para alcanzar notas altas con una potencia poco habitual en el pop chino. “Dust My Shoulders Off”: su incursión en el pop internacional, con un sonido más moderno y bailable. “Fighting Shadows”: el tema principal de Terminator: Genisys, que la llevó a los MTV Europe Music Awards. “Green Light”: un sencillo de 2024 que demuestra...
Este 11 de octubre, Jah Cure cumple 48 años. Siccaturie Alcock, nacido en Hanover, Jamaica, en 1978, es una de las voces más reconocibles del reggae y el lovers rock de las últimas décadas. Su historia es tan intensa como su música: una carrera marcada por un talento precoz, años de encarcelamiento y una capacidad única para convertir el dolor en melodías que han conquistado escenarios de todo el mundo. De Little Melody a Jah Cure Criado en Kingston, Jah Cure creció escuchando a Bob Marley, Peter Tosh y Beres Hammond. Con apenas once años ya se escapaba por la ventana de su cuarto para colarse en los dancehalls de su barrio y en el Reggae Sunsplash, donde decidió que quería dedicarse a la música. Empezó actuando bajo el nombre de Little Melody y, a los quince años, se mudó a Kingston, donde conoció a Capleton, Sizzla y Jah Mason. Fue Capleton quien le puso el nombre que lo haría famoso. Su primer gran espaldarazo llegó en 1997 con “King in This Jungle”, un dueto con Sizzla que puso su nombre en el mapa del reggae jamaicano. Poco después, el legendario Beres Hammond lo tomó bajo su ala y se convirtió en su mentor y productor. Años de prisión y un regreso triunfal En 1998, Jah Cure fue arrestado en Montego Bay y acusado de cuatro delitos que él siempre negó. Un año después fue condenado a quince años de prisión. Lejos de desaparecer, su carrera creció dentro de la cárcel: grabó y publicó varios discos, entre ellos Free Jah’s Cure (2001) y Ghetto Life (2003), y sus sencillos “Jamaica” y “Longing For” alcanzaron el número uno en las listas jamaicanas y se convirtieron en éxitos internacionales. Luego de cumplir ocho años, fue liberado en julio de 2007. Su regreso a los escenarios fue apoteósico: el álbum True Reflections… A New Beginning (2007) y el sencillo “Love Is” lo consolidaron como una de las voces más queridas del reggae contemporáneo. Las canciones que definen su carrera El catálogo de Jah Cure combina roots reggae, lovers rock y un toque de R&B que le da un sonido inconfundible. Estos son algunos de sus temas esenciales: “Longing For”: su canción más emblemática. Grabada mientras estaba en prisión, se convirtió en un himno internacional y sigue siendo su tema más escuchado en plataformas. “Love Is”: una de sus baladas más bellas, con una letra que habla del amor incondicional y una melodía que se queda pegada. “Never Find”: otro de sus grandes éxitos, con esa voz cálida y ese flow relajado que lo caracterizan. “What Will It Take”: una muestra perfecta de su capacidad para mezclar roots y romanticismo. “Before I Leave”: una de sus canciones más emotivas, con un mensaje de reflexión y despedida. “To Your Arms with Love”: un clásico moderno del lovers rock que demuestra por qué es uno de los grandes del género. Un presente complicado La vida de Jah Cure sigue siendo tan turbulenta como su pasado. En 2021 fue detenido en Ámsterdam por apuñalar a un promotor de conciertos, un caso que le ha mantenido alejado de los escenarios europeos durante años. A finales de 2025, un tribunal neerlandés lo condenó a ocho años y cuatro meses de prisión tras revertir una condena anterior por homicidio involuntario y sustituirla por tentativa de asesinato. Como consecuencia, su actividad en directo está prácticamente paralizada desde 2021. Aun así, su música sigue publicándose. En 2026 ha lanzado el sencillo “Love You”, producido por Young Blood Productions, y su catálogo sigue acumulando millones de reproducciones en plataformas. 48 años de...
Este 11 de octubre, la raper MC Lyte cumple 56 años. Lana Michelle Moorer, nacida en Brooklyn en 1970, sigue en activo y en uno de los mejores momentos de su carrera: acaba de anunciar su inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll, está preparando nueva música en el estudio y arranca una gira de 12 ciudades para celebrarlo. Pocas artistas pueden presumir de una trayectoria tan longeva y tan influyente. La primera en romper el techo MC Lyte empezó a escribir rimas con 12 años. A los 16 ya había grabado su primer single, “I Cram to Understand U”, un relato crudo sobre la adicción al crack que llamó la atención de la industria. En 1988, con solo 18 años, publicó Lyte as a Rock, el primer álbum de estudio completo de una rapera solista en la historia del hip-hop. Ese disco sentó las bases de lo que vendría después: Queen Latifah, Lil’ Kim, Missy Elliott, Lauryn Hill o Eve no existirían sin ese primer paso. A lo largo de su carrera ha publicado ocho álbumes como solista, el último Legend en 2015, y ha colaborado con artistas de la talla de Janet Jackson, Brandy, Beyoncé, Sinéad O’Connor o Missy Elliott. Fue la primera rapera en solitario nominada a un Grammy, la primera en conseguir un disco de oro y la primera en actuar en el Carnegie Hall de Nueva York. Las canciones que la hicieron leyenda El catálogo de MC Lyte es una masterclass de rap consciente y técnico. Estos son algunos de los temas esenciales: “I Cram to Understand U”: su debut, una historia sobre el crack que escribió con apenas 12 años y que sigue siendo uno de los retratos más honestos de la época. “Paper Thin”: uno de sus himnos más reconocibles, con una lírica afilada y un flow que marcó escuela. “Cha Cha Cha”: pura actitud, un tema que demostró que las mujeres podían dominar el micrófono con la misma fuerza que cualquier MC masculino. “Ruffneck”: su primer gran éxito comercial, con el que se convirtió en la primera rapera solista en lograr una certificación de oro. “Keep On, Keepin’ On”: junto a Xscape, una de sus canciones más coreadas y un ejemplo perfecto de su capacidad para moverse entre el rap y el R&B. “Poor Georgie”: una de sus historias más emotivas, un retrato de la vida en la calle que duele por su honestidad. Un 2026 de celebración y nuevos proyectos MC Lyte no vive de recuerdos. Este mismo año ha sido anunciada como parte de la promoción 2026 del Salón de la Fama del Rock and Roll, un reconocimiento histórico que la sitúa junto a leyendas como Queen Latifah, Celia Cruz o Fela Kuti. La ceremonia de inducción será el 14 de noviembre en Los Ángeles. Para celebrarlo, ha puesto en marcha la Road to the Hall of Fame Tour, una gira de 12 ciudades que arranca este mismo 11 de octubre y que recorrerá escenarios desde Brooklyn hasta Honolulu. No es un concierto al uso: cada parada combina música, historias y conversación con el público, con un set de aproximadamente 90 minutos en el que repasa todo su catálogo. Además, ha vuelto al estudio con el productor Warryn Campbell. “Siempre que tengo la oportunidad de dejar el resto del mundo atrás y entrar en el estudio, soy feliz”, ha declarado en una entrevista reciente. También tiene proyectos como actriz y directora en marcha, y sigue gestionando su faceta empresarial a través de su sello y su trabajo con artistas emergentes. 56 años de un legado que...
Hoy 11 de octubre, Cardi B cumple 34 años. No es un aniversario cualquiera: llega en un momento de plenitud absoluta, con un disco reciente bajo el brazo, un nuevo single sonando en la banda sonora del videojuego más esperado de la década y una gira mundial en preparación. Belcalis Marlenis Almánzar, nacida en El Bronx en 1992, sigue siendo exactamente lo que siempre ha sido: imprevisible, magnética y dueña de su propio relato. De El Bronx al trono del hip-hop Su historia no empezó en una sala de grabación. Creció en el barrio de Highbridge, en El Bronx, hija de padre dominicano y madre trinitense, y su adolescencia estuvo marcada por una dureza que ella misma ha contado sin filtros. ESCUCHAR.. 🎧AH HA de Cardi B: convirtiendo las críticas en una demostración de poder Trabajó como estríper antes de que las redes sociales la convirtieran en fenómeno viral y, en 2015, el programa Love & Hip Hop: New York la puso delante de millones de espectadores. El salto definitivo llegó en 2017 con “Bodak Yellow”. El tema alcanzó el número 1 del Billboard Hot 100 y la convirtió en la segunda rapera solista de la historia en lograrlo. Un año después, su álbum debut Invasion of Privacy lo cambió todo: debutó en lo más alto del Billboard 200 y se llevó el Grammy al Mejor Álbum de Rap. Desde entonces, ha sumado cinco números uno en el Hot 100 (un récord para una rapera como artista principal) y ha acumulado un Grammy, cinco American Music Awards y once BET Hip Hop Awards. Las canciones que la mantienen en lo más alto El repertorio de Cardi B es una mezcla de descaro, confesión y ambición sin complejos. Estos son algunos de los temas que mejor la definen: ESCUCHAR.. 🎧Cardi B no deja Nada a la Imaginación en el Provocativo Vídeo de Enough “Bodak Yellow”: el golpe sobre la mesa. Un tema que anunció al mundo que Cardi B no venía a pedir permiso a nadie. “I Like It”: junto a Bad Bunny y J Balvin, una celebración latina que se convirtió en otro número 1 y demostró su capacidad para moverse entre idiomas y géneros. “WAP”: con Megan Thee Stallion, un fenómeno cultural que reventó récords y se convirtió en el mayor éxito de su carrera. “Up”: otro número 1, publicado en 2021, que confirmó que su racha no era casualidad. “Be Careful”: una de sus canciones más personales, donde baja el ritmo para hablar de desamor y traición con una honestidad que duele. “Bodega Baddie” y “Pick It Up”: dos cortes de su último disco que demuestran que sigue teniendo hambre. Un 2026 de celebración y nuevos proyectos Este año está siendo intenso para Cardi B. En julio lanzó “AH HA”, un single que alcanzó el número 25 del Hot 100 y lideró las listas de Rhythmic Airplay. Este mismo mes de octubre ha sorprendido con “Don’t Chart”, un tema que forma parte de la banda sonora de Grand Theft Auto VI: The Album y en el que se permite el lujo de bromear sobre su propio éxito: “I can name this song ‘Don’t Chart,’ it’s gon’ chart”. Además, tiene en marcha su tercer álbum de estudio, que según ha confirmado ella misma está ya en proceso y verá la luz previsiblemente en 2027. Y en lo personal, 2025 fue un año de cambios: dio la bienvenida a su cuarto hijo, el primero junto a su pareja, el jugador de la NFL Stefon Diggs. 34 años de pura determinación Cardi B no es solo una rapera exitosa. Es...
Hoy 11 de octubre, es una de esas fechas que la música en español no puede pasar por alto. Pau Donés, el alma de Jarabe de Palo, habría cumplido 60 años. Se fue demasiado pronto, en junio de 2020, pero su voz sigue sonando cada vez que alguien tararea “La flaca” o se emociona con “Depende”. Su historia es la de un tipo que empezó tocando la guitarra a los 15 años en Barcelona, que estudió Económicas y hasta trabajó de modelo antes de dedicarse a lo que de verdad le llenaba: componer canciones. Pau Donés: el hombre detrás de Jarabe de Palo Nació en Montanuy (Huesca) en 1966, aunque creció en Barcelona. En 1996, con su banda Jarabe de Palo, publicó el primer disco, La flaca, y ese mismo año se convirtió en un fenómeno: el álbum vendió más de 600.000 copias y fue disco de platino. A partir de ahí, Pau se convirtió en una de las voces más reconocibles del pop-rock español, con un estilo que mezclaba rumba, rock y letras que hablaban de amor, desamor y, sobre todo, de vivir sin dramas. Un legado que sigue girando Pau Donés falleció el 9 de junio de 2020 a causa de un cáncer de colon que le diagnosticaron cinco años antes. Pero dejó algo más que canciones: dejó una filosofía. Su frase “Vivir es urgente” se convirtió en un lema para sus seguidores, y su forma de enfrentar la enfermedad, sin victimismo y con una sonrisa, marcó a mucha gente. Hoy, precisamente el día en que habría cumplido 60 años, sus compañeros de Jarabe de Palo estrenan El Mundo de Pau, un proyecto que según han adelantado, no es una despedida sino una forma de mantener su universo girando. La banda ya hizo una gira homenaje entre 2024 y 2025, con 17 canciones suyas interpretadas por los mismos músicos que lo acompañaron durante años, y con vídeos y audios suyos para que su presencia siguiera sintiéndose sobre el escenario. Las canciones que lo mantienen vivo Si hay que quedarse con algunos temas, estos son los que mejor resumen su talento: “La flaca”: el pelotazo que lo cambió todo. Un riff pegajoso, una historia de deseo y ese estribillo que nadie puede dejar de cantar. “Depende”: una de sus baladas más íntimas y coreadas, con esa letra que juega con las contradicciones del amor. “Bonito”: una celebración de la vida y de las cosas sencillas, con una melodía que se queda pegada. “El lado oscuro”: más rockera, más cruda, demostrando que Pau también sabía mirar hacia dentro sin filtros. “Eso que tú me das”: su despedida musical, una canción que escribió y grabó ya enfermo y que se convirtió en un himno de agradecimiento. “Agua”: otra de esas canciones que forman parte de la banda sonora de varias generaciones. Pau Donés no fue solo un cantante. Fue un tipo que hizo de la música una forma de estar en el mundo, sin poses y con una honestidad que se nota en cada verso. Hoy, cuando habría soplado 60 velas, su música sigue sonando y su mensaje sigue más vivo que nunca: vivir, vivir y vivir.
José Ángel Hevia cumple 59 años este 11 de octubre. Nacido en Villaviciosa (Asturias) en 1967, el gaitero y compositor sigue en activo y mantiene intacta esa capacidad que le hizo único: convertir la gaita asturiana en un instrumento capaz de sonar en cualquier escenario del mundo. De Villaviciosa al mundo La historia de Hevia con la gaita comenzó siendo un niño. Con cuatro años vio a un gaitero tocando en la calle y decidió que quería hacer aquello. A los siete ya estaba aprendiendo, y en 1985 fundó su primera banda de gaitas en su pueblo natal. Aquellos primeros años de romerías, procesiones y fiestas populares le dieron un conocimiento profundo de la música tradicional asturiana que después utilizaría como base de su propio lenguaje. Pero Hevia no se quedó ahí. Junto a Alberto Arias y Miguel Dopico desarrolló la gaita electrónica multitímbrica MIDI, un instrumento que le permitió ampliar las posibilidades sonoras de la gaita sin renunciar a su esencia. Esa fusión entre raíz y tecnología definió su estilo y le abrió las puertas de una carrera internacional. “Tierra de Nadie” y el fenómeno de “Busindre Reel” Su debut discográfico, Tierra de Nadie, llegó en 1998 y supuso un antes y un después. El álbum superó el millón de copias vendidas y recibió el Platinum Europe Award, una cifra excepcional para un trabajo instrumental de raíz tradicional. El tema “Busindre Reel” se convirtió en un fenómeno global: su riff de gaita sonó en radios, televisiones y festivales de medio mundo, y sigue siendo hoy la composición más reconocible de Hevia. A partir de ahí, su carrera se consolidó con discos como Al son del indianu, Mundu enritmu o Obsession, y con colaboraciones que le llevaron a tocar en más de 40 países. La gaita asturiana dejó de ser un instrumento local para convertirse en una voz universal. Algunos de sus mejores temas “Busindre Reel”: su himno absoluto. Una pieza instrumental que demostró que la gaita podía llenar estadios y festivales electrónicos. “El Garrotín”: una fusión vibrante que acerca la gaita al flamenco sin perder la identidad asturiana. “Tierra de Nadie”: el tema que da nombre a su disco más emblemático y que resume su filosofía musical. “Si la Nieve”: una de sus composiciones más emotivas, con una melodía que se queda grabada. “El Saltón”: pura energía rítmica, perfecta para entender por qué su música funciona igual en un concierto folk que en una sala moderna. “Tanzila”: otra muestra de su capacidad para crear atmósferas únicas con la gaita como protagonista. Un músico en activo A sus 59 años sigue subiéndose a los escenarios con su banda, en la que le acompaña su hermana María José en las percusiones tradicionales, junto a bajo, batería y teclados. En los últimos años ha conmemorado el 25 aniversario de Tierra de Nadie con una gira que le ha llevado por teatros y auditorios de toda España, revisando sus temas clásicos y demostrando que su música no ha perdido ni un ápice de fuerza. También ha mantenido una presencia relevante en el ámbito institucional y cultural: fue académico de honor de la Academia de la Lengua Asturiana y presidió la SGAE entre 2018 y 2019. Pero, por encima de cargos y reconocimientos, Hevia sigue siendo un gaitero que disfruta tocando. 59 años de tradición y vanguardia Hevia es la prueba de que la tradición no está reñida con la modernidad. Ha llevado la gaita asturiana a escenarios de más de 40 países, vendió millones de discos y ha conseguido que un instrumento milenario suene tan actual como cualquier sintetizador. Hoy, cuando cumple...
La influyente cantante de jazz estadounidense falleció el 11 de octubre de 1976 en Nueva York a los 68 años, víctima de un cáncer de estómago. Fue la voz principal y la arreglista de The Boswell Sisters, el trío vocal que revolucionó la música popular en los años treinta, y después construyó una exitosa carrera en solitario que se prolongó durante más de dos décadas. Frank Sinatra y Sammy Davis Jr. la consideraron “la cantante más imitada de todos los tiempos”. Ella, actuaba desde una silla de ruedas que el público nunca vio.** Constance Foore “Connee” Boswell nació el 3 de diciembre de 1907 en Kansas City, Missouri, aunque su infancia transcurrió en Nueva Orleans, en una casa de la calle Camp donde la música era el idioma cotidiano. Su padre había sido artista de vodevil y su madre era una apasionada de la música; las tres hermanas (Martha, Connee y Helvetia “Vet”) estudiaron piano clásico, violonchelo y violín bajo la tutela del profesor Otto Finck, de la Universidad de Tulane. Connee comenzó a tocar el chelo a los cinco años y, con el tiempo, añadió el piano, el violín y el saxofón a su arsenal. A los seis años contrajo polio. La enfermedad la paralizó casi por completo de cintura para abajo y la condenó a una silla de ruedas de por vida. Pero aquella limitación física que el público de la época desconocía, porque Connee se fotografiaba junto a un piano o cubría la silla con vestidos largos para dar la ilusión de que estaba de pie. Eso, NO le impidió convertirse en una de las artistas más populares de la primera mitad del siglo XX. The Boswell Sisters: la revolución armónica En 1925, las tres hermanas grabaron su primer disco para Victor Records. Lo que las distinguía de cualquier otro trío vocal de la época era su osadía. En un tiempo en que se esperaba que los cantantes de jazz interpretaran las canciones tal como estaban escritas, para que el público pudiera replicarlas, las Boswell rompieron el manual. Sus arreglos (la mayoría escritos por Connee) introducían cambios rítmicos abruptos, scat singing libre, armonías complejas y estructuras que paraban y arrancaban sin previo aviso. Eran maestras de la síncopa, y su influencia allanó el camino para los ritmos sincopados del swing. El éxito fue arrollador. En 1930 y 1935 realizaron dos giras europeas y llegaron a actuar ante la realeza británica en el Palacio de Buckingham. Acumularon veinte éxitos durante la década, incluido el número uno “The Object of My Affection” (1935). Su auge coincidió con los avances en la tecnología del micrófono, que permitieron a Connee desarrollar un estilo vocal íntimo y cercano que cambiaría la forma de cantar en la radio. La carrera en solitario: de Connie a Connee En 1936, sus hermanas se retiraron para formar sus propias familias, y Connee emprendió su camino en solitario. Firmó con Decca Records y más tarde, grabó para Apollo, RCA Victor y Design. Su carrera como solista fue tan exitosa como la del trío, con docenas de éxitos que se prolongaron hasta los años cincuenta. Entre sus grabaciones más recordadas figuran “Say It Isn’t So”, “On the Beach at Bali-Bali”, “Whispers in the Dark”, “I Let a Song Go Out of My Heart”, “If I Give My Heart to You” y “An Apple for the Teacher”. También grabó varios duetos con Bing Crosby, incluyendo los números uno “Bob White” y “Alexander’s Ragtime Band”. En total, sus discos vendieron más de 75 millones de copias. Su voz de contralto, cálida y versátil, se adaptaba con la misma naturalidad...
El músico croata, líder de la banda Majke y una de las figuras más importantes del rock de los Balcanes, falleció el 9 de octubre de 2026 a los 62 años. Fue encontrado sin vida en su apartamento de Zagreb por los miembros de su banda. Su voz áspera, sus letras sin filtro y su presencia escénica incendiaria lo convirtieron en un símbolo de una generación que encontró en el rock una forma de decir lo que nadie quería escuchar. Goran Bare nació el 16 de agosto de 1965 en Vinkovci, una ciudad del este de Croacia que a finales de los años setenta y principios de los ochenta, vivía una efervescencia musical extraordinaria. Creció en una familia trabajadora, y según contó él mismo, la chispa se encendió cuando, siendo un niño, vio a los Rolling Stones en la televisión. Aquel día decidió que la música sería su vida. No tenía un plan B. No lo necesitaba. Su primer grupo lo formó con apenas catorce años. Pero fue en 1984, con diecinueve, cuando fundó Majke, la banda que lo acompañaría —con interrupciones— durante más de cuatro décadas. La formación original incluía al bajista Nedjeljko Ivković “Kilmister”, el baterista Željko Mikulić “Korozija” y los guitarristas Ivica Duspara y Marin Pokrovac. El nombre, “Madres” en croata, era una provocación deliberada. Nada en Goran Bare era casual. El sonido de una ciudad que ya no existe Majke no eran una banda de rock al uso. Su sonido bebía de fuentes diversas: el garage rock de los Stooges y los MC5, el hard rock de Motörhead, el blues más primitivo, la energía del punk. No buscaban la sofisticación ni la experimentación. Buscaban la verdad. Y la verdad, en aquel contexto, sonaba a guitarras distorsionadas y a una voz que parecía arrancada de las entrañas. Su primer material promocional, “Majke zauvijek”, llegó en 1987. Pero el reconocimiento llegó en 1990, con su álbum debut, Razum i bezumlje (“Razón y locura”), que fue proclamado rock-album del año por la crítica croata. Canciones como “A ti još plačeš”, “Mene ne zanima” y “Budi ponosan” se convirtieron en himnos para una juventud que veía desmoronarse el país que conocía. Porque 1990 no fue un año cualquiera. Fue el año en que Yugoslavia comenzó a desintegrarse. Fue el año en que la guerra llamó a la puerta. Y Majke, sin proponérselo, se convirtieron en la banda sonora de aquel desmoronamiento. La voz de una generación que se rompía Razdor (“División”) llegó en 1993, en plena guerra. El título no podía ser más profético. Croacia estaba en llamas, las ciudades eran bombardeadas, las familias se rompían, y Goran Bare cantaba sobre todo ello con una crudeza que no admitía adornos. Su voz, áspera, rota, auténtica, se convirtió en el vehículo perfecto para expresar la rabia, el dolor y la confusión de un país que se deshacía. Vrijeme je da se krene (“Es hora de moverse”) llegó en 1996, cuando los ecos de la guerra aún resonaban. Y Teške boje (“Colores oscuros”) en 2011, tras la reunificación de la banda, se convirtió en uno de los mayores éxitos del rock regional de todos los tiempos, con seis premios Porin (el equivalente croata al Grammy) y once nominaciones. La canción homónima, “Teške boje”, es hoy un estándar del rock balcánico, una canción que habla de pérdida, de oscuridad y de la dificultad de seguir adelante. El hombre detrás de la leyenda Goran Bare no era solo un músico. Era una presencia. Su figura en el escenario, con su voz desgarrada y su energía incendiaria, era algo que había que ver para...
El legendario cantante de soul y R&B falleció el 10 de octubre de 2010 en el aeropuerto de Schiphol, en Ámsterdam, a los 70 años. Fue uno de los arquitectos del soul, el hombre que escribió “Everybody Needs Somebody to Love” y que, pese a no alcanzar la fama de sus contemporáneos, fue considerado por el productor Jerry Wexler como “el mejor cantante de soul de todos los tiempos”. Solomon Burke nació el 21 de marzo de 1940 en Filadelfia, en el seno de una familia que había fundado su propia iglesia, la United Praying Band The House of God for All People. Creció, como él mismo decía, “al sonido de las trompetas y los tambores”. A los doce años ya era predicador y presentaba su propio programa de radio gospel. El gospel no era una influencia en su música: era su lengua materna. Cuando años después empezó a cantar R&B, lo que hacía no era cambiar de género, sino traducir el púlpito al escenario. El gigante que inventó el soul Burke firmó con Atlantic Records en 1960 y, bajo la producción de Bert Berns, se convirtió en uno de los primeros artistas de R&B en ser llamados “soul”. No era una etiqueta comercial: era una descripción. Su voz, un torrente de barítono capaz de pasar del susurro al grito en un solo compás, incorporaba todas las técnicas del gospel —interjecciones gritadas, melismas, recitaciones exhortatorias, un timbre rasgado— y las aplicaba a canciones sobre amor, deseo y pérdida. Sus primeros éxitos llegaron en 1961 con “Just Out of Reach”, una versión R&B de una balada country. Le siguieron “Cry to Me” (1962), “If You Need Me” (1963), “Goodbye Baby (Baby Goodbye)” (1964) y “Got to Get You Off My Mind” (1965). Canciones que definieron el sonido del soul de los sesenta y que siguen sonando, décadas después, en películas, anuncios y emisoras de clásicos. “Everybody Needs Somebody to Love”: el himno que lo trascendió En 1964, Burke coescribió junto a Bert Berns y Jerry Wexler “Everybody Needs Somebody to Love”, una canción que se convirtió en un estándar casi inmediato. The Rolling Stones la grabaron ese mismo año, Wilson Pickett también, y una década después The Blues Brothers la inmortalizaron en su película homónima. La canción es, hoy, un himno universal, un recordatorio de que la necesidad de amor y de conexión es lo que nos hace humanos. Burke no era solo un intérprete: era un predicador. Su música hablaba de amor, de fe, de esperanza y de comunidad. No en vano, en 2000 actuó ante el Papa Juan Pablo II en el Vaticano. El hombre que había empezado predicando en una iglesia de Filadelfia terminó cantando para el líder de la Iglesia católica. No era una contradicción: era la culminación de una vida dedicada a servir a través de la música. El rey sin trono Burke se autoproclamó “Rey del Rock and Soul” y la corona no era una exageración. En el escenario aparecía a veces con una capa y una corona enjoyada, un gesto que algunos leían como arrogancia y que en realidad era teatro, una forma de convertir cada concierto en una ceremonia. Pero su reinado nunca fue reconocido por la industria como el de James Brown o Marvin Gaye. Su popularidad nunca igualó a la de sus contemporáneos, aunque su influencia sí. Jerry Wexler, el legendario productor de Atlantic, lo llamó “el mejor cantante de soul de todos los tiempos”. No era una hipérbole. La voz de Burke tenía una cualidad que pocos podían igualar: autenticidad. Cada palabra que cantaba sonaba como si la hubiera...