Hoy, 11 de septiembre de 2026, se cumplen dieciséis años de su muerte. Y en cada fiesta de barrio, en cada emisora que pincha rhythm and blues, en cada grito de “¡A bailar!” que se eleva sobre una base de saxofón, King Coleman sigue vivo. Porque él no fue solo un cantante: fue el hombre que le puso voz a una de las fiebres de baile más grandes de la historia, y lo hizo con una energía que todavía hoy contagia. Hay artistas que construyen una carrera sobre un solo éxito. Y hay artistas que construyen un mundo alrededor de un solo grito. Carlton “King” Coleman perteneció a esta segunda estirpe. Su nombre está grabado en la historia del rhythm and blues por haber prestado su voz a “(Do The) Mashed Potatoes” , un hit de 1959 grabado con la banda de James Brown que se convirtió en una de las fiebres de baile más importantes de la era dorada del R&B. Pero reducir a King Coleman a esa canción sería un error. Fue cantante, DJ, actor, predicador bautista y, sobre todo, un entertainer de pies a cabeza, un hombre que dedicó su vida a hacer bailar a la gente. Carlton Coleman nació en Tampa, Florida, el 20 de enero de 1932, y falleció en Miami el 11 de septiembre de 2010, a los 78 años, a causa de una insuficiencia cardíaca. Dieciséis años después, su figura sigue siendo un recordatorio de que la música, cuando es verdadera, no envejece. De Tampa a Miami: el DJ que se convirtió en estrella King Coleman no empezó cantando. Empezó hablando. En los años cincuenta, se convirtió en disc jockey en Tampa, en la emisora WTMP, y después en Miami, en WFEC y WMBM. En una época en la que la radio era el principal vehículo para descubrir música nueva, Coleman se convirtió en uno de los DJs más populares de Florida. Su voz, cálida y enérgica, se colaba en las casas de miles de oyentes cada día. Pero Coleman no se conformó con pinchar discos. Quería estar en el otro lado del micrófono, ser él quien cantara. Y en 1959 llegó la oportunidad que lo cambiaría todo. “(Do The) Mashed Potatoes”: el grito que se convirtió en himno La historia de “(Do The) Mashed Potatoes” es una de esas anécdotas que definen una época. James Brown había planeado cantar él mismo el tema, pero una disputa con su discográfica lo impidió. Para evitar demandas, el productor Henry Stone decidió que la canción se publicara bajo el nombre de Nat Kendrick and the Swans, la banda del batería de Brown, y que fuera Coleman quien pusiera la voz. El resultado fue un himno de baile que se convirtió en un éxito nacional. Coleman no cantaba: gritaba. Su estilo era crudo, rasposo, lleno de energía. En lugar de entonar una melodía, enumeraba todas las formas posibles de preparar una patata —mashed, hash brown, French fried— mientras la banda de James Brown sostenía un groove imparable. Era una celebración del baile, de la fiesta, de la alegría de moverse. Y el público respondió. Le siguieron otros éxitos como “Mashed Potato Man” y “The Boo Boo Song” , canciones que confirmaron que King Coleman no era un one-hit wonder, sino una voz esencial del R&B de finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Actuó en el legendario Apollo Theater de Nueva York y compartió escenario con leyendas como B.B. King y Jackie Wilson. El hombre de las mil voces King Coleman fue muchas cosas a lo largo de su vida. Fue cantante, pero...
Rhytm & Blues & Soul Americano
Llegar hasta donde estamos nunca es tan sencillo como parece cuando solo miramos el punto de destino. “Keep Steady” de The Jesse Williams Band pone el foco precisamente en todo aquello que suele quedar fuera de la fotografía: las horas, los días, las semanas y los años de esfuerzo, las caídas que obligaron a empezar de nuevo y esas etapas en las que avanzar parecía prácticamente imposible. La canción adopta un tono cercano y reconfortante para recordar que la verdadera medida del progreso no está únicamente en lo conseguido, sino también en la capacidad de continuar después de cada golpe. Su mensaje invita a mirar hacia atrás sin quedarse atrapado en el pasado, reconocer el camino recorrido y entender que incluso los momentos más difíciles pueden terminar formando parte de nuestra transformación. ESCUCHAR.. 🎧Kiana Ledé regresa con “Weakness” junto a Chlöe: intensidad y emoción en cada línea Levantarse una vez más también es avanzar 🌱 Desde el comienzo, “Keep Steady” plantea una idea sencilla pero poderosa: no importa únicamente cuánto luchamos contra las dificultades, sino cuántas veces somos capaces de levantarnos después de ellas. La perseverancia aparece así no como una obligación de permanecer siempre fuertes, sino como la decisión de volver a intentarlo incluso después de haber conocido el cansancio, la frustración o la derrota. La letra también habla de dejar atrás el peso del ayer. Cargar continuamente con aquello que salió mal puede terminar retrasando precisamente a la persona que estamos intentando convertirnos, por eso la canción propone soltar parte de esa carga y concederse un momento para reconocer todo lo que hizo falta para llegar hasta el presente. ESCUCHAR.. 🎧Dear Life de Genia: intentar mantenerse a flote cuando todo pesa Tu valor no depende de lo lejos que hayas llegado ❤️ Uno de los mensajes más bonitos de “Keep Steady” aparece cuando cuestiona la existencia de una verdadera medida para determinar cuánto vale una persona. El éxito, los resultados o la distancia que todavía queda por recorrer no deberían convertirse en una escala para medir nuestra propia importancia. Desde esa perspectiva, la canción funciona casi como un recordatorio contra la tendencia a compararnos constantemente. Habrá momentos en los que todo parezca avanzar y otros en los que la vida obligue a regresar al “sótano” antes de encontrar nuevamente la salida hacia arriba. Esa imagen resume muy bien la naturaleza irregular de cualquier proceso personal: crecer no significa avanzar en línea recta. ESCUCHAR.. 🎧Fan de Ronisia: cuando alguien te conquista desde el primer momento No hagas pequeño aquello por lo que has luchado 🔥 “Keep Steady” también abandona cualquier idea de conformismo. La invitación es precisamente la contraria: hablar con claridad sobre quién eres, defender aquello que te importa y no reducir tus propios sueños para resultar más cómodo a los demás. Hay una energía especialmente luminosa en esa parte de la canción, porque el esfuerzo deja de presentarse como una carga y comienza a entenderse como algo que merece ser celebrado. Los sueños requieren trabajo, tiempo y paciencia, pero también existe un momento en el que toca disfrutar aquello que se ha construido y saborear los frutos de todo ese recorrido. Por eso la imagen de volver a ponerse en marcha adquiere tanta importancia. No se trata únicamente de alcanzar una meta concreta, sino de comprender que cada etapa del camino tiene su propio valor y que incluso los rodeos, las pausas y las caídas forman parte de la historia que nos ha llevado hasta allí. ESCUCHAR.. 🎧Jury de Kiana Ledé: cuando el dolor se convierte en poder y no hay vuelta atrás El significado de...
**Hoy 11 de septiembre de 2026, se cumplen veintiséis años de su muerte. Y en cada nota que se desliza como miel sobre una base de blues, en cada balada que parece susurrada al oído, Stanley Turrentine sigue sonando. No desde un escenario de hard bop. Desde ese lugar intermedio donde el jazz se vuelve carne, donde la improvisación se convierte en conversación, donde un saxofón tenor puede ser, a la vez, una caricia y un grito.** Hay artistas que buscan la pureza. Y hay artistas que buscan la conexión. Stanley Turrentine perteneció a esta segunda estirpe. Fue un saxofonista tenor de formación hard bop que, sin renunciar a su raíz jazzística, se atrevió a ensuciarse las manos con el R&B, el soul y el funk. No le importaban las etiquetas. Le importaba que la música llegara a la gente, que el oyente sintiera algo, que una canción —suya o de otro— se convirtiera en un vehículo para la emoción. Su sonido, grueso y ondulante, estaba enraizado en el blues, y su capacidad para trabajar un groove con alma e imaginación lo convirtieron en una de las figuras más queridas y, a la vez, más discutidas del jazz de la segunda mitad del siglo XX. Stanley William Turrentine nació el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, Pensilvania, y falleció el 12 de septiembre de 2000 en Nueva York, a los 66 años, tras sufrir un derrame cerebral masivo. Veintiséis años después, su legado sigue siendo un ejemplo de integridad artística entendida no como pureza, sino como honestidad. El niño que dejó el chelo por el saxo Turrentine creció en el Hill District de Pittsburgh, un barrio que, como Harlem o Nueva Orleans, fue una incubadora de talento musical. Su padre, Thomas, era un saxofonista tenor aficionado que se ganaba la vida como empresario de construcción. Su hermano mayor, Tommy, se convertiría en un trompetista de renombre que tocaría con Dizzy Gillespie y Count Basie. La música no era una elección en casa de los Turrentine: era el aire que respiraban. Stanley comenzó tocando el chelo, pero pronto lo cambió por el saxo tenor. A los siete años ya estudiaba piano con su madre, a quien recordaba como “una gran pianista de stride”. En el instituto formó su primera banda, Four Bees and a Bop, con la que tocaba en bailes de graduación y fiestas. Su primer concierto profesional llegó a los quince años, en un bar de Pittsburgh, junto a su hermano Tommy. Ese bolo le abrió las puertas de una vida en la carretera. A los dieciséis años, Turrentine dejó el instituto para unirse a la banda del guitarrista y cantante de R&B Lowell Fulson. El pianista de aquella formación era un joven llamado Ray Charles. Stanley viajó con ellos, aprendió el oficio de la carretera y, como él mismo contó años después, le prometió a su madre, que lloraba al verlo marchar: “Un día haré que estés orgullosa de mí”. Cumplió la promesa. El relevo de Coltrane y la escuela del R&B En 1953, Turrentine sustituyó a John Coltrane en la banda de Earl Bostic, un saxofonista de R&B cuyo sonido salvaje y rítmico fue una de las primeras influencias importantes del joven Stanley. Aquel puesto no era un detalle menor: Coltrane, que por entonces aún no era el gigante que llegaría a ser, dejaba un vacío que Turrentine llenó con su propio sonido, más grueso y más bluesero, pero igualmente poderoso. Tras una temporada en el ejército, Turrentine se unió al quinteto de Max Roach, el baterista que había revolucionado el bebop junto a Charlie...
Hoy 11 de septiembre de 2026, se cumplen diecinueve años de su muerte. Y en cada desfile de Mardi Gras, en cada riff de funk que suena en un club de Frenchmen Street, en cada sample de un rapero que ni siquiera sabe su nombre, Willie Tee sigue sonando. Porque él no fue solo un músico: fue el hombre que puso banda sonora a una de las tradiciones más antiguas y sagradas de su ciudad. Hay artistas que persiguen la fama. Y hay artistas que construyen los cimientos sobre los que otros construyen la fama. Wilson Turbinton, Willie Tee para el mundo, perteneció a esta segunda estirpe. Fue pianista, cantante, compositor, arreglista y productor. Tuvo un éxito nacional a los veintiún años con “Teasin’ You”, una canción que llegó al número 12 de las listas de R&B. Pero su contribución más importante no fue un single, ni un álbum, ni una gira. Fue una idea: la de que los cantos de los Mardi Gras Indians, esas tradiciones orales que se remontaban a generaciones, podían tener una banda de funk detrás. Nadie lo había hecho antes. Él lo hizo. Y cambió la música de Nueva Orleans para siempre. Su hermano, el saxofonista de jazz Earl Turbinton, lo describió mejor que nadie: “Era un catalizador y un innovador de la música de Nueva Orleans”. Diecinueve años después de su muerte, esa frase sigue siendo el mejor resumen de su legado. De Calliope a los escenarios Wilson Turbinton nació en Nueva Orleans el 6 de febrero de 1944. Creció en el Calliope Projects, uno de los complejos de vivienda pública más pobres de la ciudad, el mismo barrio donde se criaron los hermanos Neville. Su padre era saxofonista de jazz, y su hermano mayor, Earl, estudiaba saxofón y flauta. Fue Earl quien inspiró a Willie a empezar a tocar el piano a los tres años. En el barrio, la música no era un lujo: era una forma de mantenerse fuera de problemas. Como recordaba el propio Willie en una entrevista, Professor Longhair vivía a la vuelta de la esquina, y su sonido de R&B era una de sus primeras influencias, junto al jazz de John Coltrane. En la escuela, su profesor de música, Harold Battiste, lo incorporó a su combo de jazz, la AFO Band (All for One), donde también tocaba un joven Ellis Marsalis —padre de Wynton y Branford—. En 1962, con solo dieciocho años, Willie grabó su primer single para el sello AFO de Battiste: “Always Accused” . No fue un éxito, pero estableció el matrimonio entre R&B y jazz que sería su firma durante toda su carrera. “Teasin’ You”: el éxito que lo puso en el mapa En 1965, Willie fichó por Nola Records, un sello fundado por su primo Ulis Gaines y el productor Wardell Quezergue. Su debut para la etiqueta fue “Teasin’ You” , una composición de Earl King de tempo medio, soulful y con un groove inconfundible. La canción no solo se convirtió en el primer éxito local de Nola Records: su notoriedad se extendió hasta Los Ángeles, donde The Righteous Brothers la interpretaron en el programa de televisión Shindig! . Atlantic Records licenció la grabación original para distribuirla a nivel nacional. El single, respaldado por la excelente “Walking Up a One Way Street” , rozó el Top 10 de R&B, quedándose en el número 12 . “Walking Up a One Way Street” se convirtió en un clásico del circuito de beach music de las Carolinas y sigue siendo considerada una de las mejores grabaciones de soul de la historia. La BBC la describió como una...
Hoy 11 de septiembre de 2026, se cumplen veinticinco años de los atentados que cambiaron el mundo. Y en medio de aquel horror, una voz se apagó. Su nombre no está en la lista oficial. Su historia apenas ha sido contada. Pero Rodney Jerkins, importante productor, nunca la olvidó. Casserine comenzó a cantar a los tres años. Se graduó de la Escuela Superior de Artes Escénicas de Nueva York y rechazó una beca de ópera de la Universidad de Howard para convertirse en cantante de funk y R&B. Lamentablemente, Casserine falleció en los atentados del 11 de septiembre mientras se encontraba dentro del edificio del World Trade Center. Hay artistas que mueren y dejan tras de sí un catálogo, una discografía, un legado documentado. Y hay artistas cuya memoria se convierte en un eco que nadie sabe dónde colocar. Casserine Gaye Young pertenece a esta segunda categoría. Su nombre no aparece en el memorial oficial del 11-S. No hay obituarios. No hay reportajes. Solamente existe el testimonio de **Rodney “Darkchild” Jerkins****, productor que trabajó con Michael Jackson, Beyoncé y Mary J. Blige, y que en una entrevista en 2020 reveló que Casserine, la **artista que le dio su primer trabajo profesional a los quince años, murió en el World Trade Center aquel fatídico día. Es poco. Es frágil. Es casi nada; pero es todo lo que queda de una cantante que durante un breve instante en los años noventa, pareció destinada a algo grande. La voz que rechazó la ópera por el funk Casserine Gaye Young nació en Nueva York y empezó a cantar a los tres años. Creció en el seno de una familia donde la música no era un pasatiempo, sino una vocación. Estudió en la High School of Performing Arts de Manhattan, la misma escuela que inspiró Fame y que formó a generaciones de artistas. Su talento era tal que recibió una beca de ópera de la Howard University, una de las universidades históricamente negras más prestigiosas del país. Pero Casserine no quería ser cantante de ópera. Quería ser cantante de funk y R&B. Rechazó la beca. Rechazó el camino seguro. Rechazó la respetabilidad del escenario clásico para lanzarse a un territorio más incierto, más visceral, más suyo. Quería cantar con el cuerpo, no solo con la garganta. Gotta Get to Know Me: el disco que prometía una carrera En 1994, Casserine publicó su álbum debut, Gotta Get to Know Me, para Warner Bros. Records. El disco contenía ocho canciones producidas y escritas por Cato, un colaborador habitual de la escena R&B neoyorquina. Pero también incluía dos temas que marcarían un antes y un después: “If You’re Ready” y “Unconditional Love” , producidos y arreglados por un chaval de quince años llamado Rodney Jerkins. Aquel fue el primer trabajo profesional de Rodney Jerkins, el debut de quien se convertiría en uno de los productores más importantes de la historia de la música. Y lo hizo de la mano de Casserine. El chico que luego definiría el sonido del R&B de los 2000 empezó escribiendo y produciendo para ella. El álbum no fue un éxito comercial. Pero tuvo un momento de validación que muchos artistas envidiarían: Patti LaBelle, la gran dama del soul, quedó tan impresionada con el disco que invitó a Casserine a cantar con ella en el Apollo Theatre. Aquel dueto, en el templo de la música negra, fue el espaldarazo que parecía anunciar una carrera larga y fructífera. No lo fue. El segundo disco nunca llegó. La industria, que a veces es caprichosa y a veces cruel, no supo qué hacer con ella. Casserine...
Una carta llega al buzón y antes incluso de abrirla, consigue devolver a alguien a otra época. En “Quit Quiet”, The Jesse Williams Band construye desde ahí una historia de recuerdos, distancia y palabras que quedaron suspendidas durante demasiado tiempo, mientras el pasado regresa a través de aquellas noches de verano, las conversaciones sobre la vida y la sensación de haber compartido algo que todavía cuesta dejar atrás. La canción avanza entre la nostalgia de lo vivido y una pregunta mucho más dolorosa: qué habría ocurrido si aquella despedida se hubiera producido de otra manera. No hay una ruptura presentada de forma explosiva, sino una relación que parece haberse ido apagando con el paso de los años, dejando detrás recuerdos que siguen teniendo la capacidad de hacer daño. ESCUCHAR.. 🎧Love y Money Don´t Go de Jessie Reyez: cuando perseguir los sueños también puede alejar a quienes amas Los recuerdos de una vida que quedó atrás 🌙 El pasado aparece en “Quit Quiet” con imágenes muy concretas: las noches de verano, las ventanillas bajadas mientras se recorría la carretera buscando algo desconocido, las conversaciones sobre las vidas que ambos estaban construyendo y aquella juventud todavía marcada por la ingenuidad. Son recuerdos que no necesitan grandes explicaciones porque pertenecen a una etapa en la que todo parecía posible y el futuro todavía estaba por descubrir. Precisamente por eso, la nostalgia de la canción no se limita a echar de menos a una persona. También existe cierta añoranza por quienes eran entonces, por aquella versión más joven de ambos y por una relación que quedó asociada a un momento irrepetible. El tiempo ha seguido avanzando, las estaciones han cambiado y cada uno ha tomado su propio camino, pero algunas escenas continúan intactas en la memoria. ESCUCHAR.. 🎧That Girl de Tyla: lujo, confianza y empoderamiento en clave de pop urbano Cuando el silencio termina haciendo más daño que la despedida 🕯️ Uno de los aspectos más interesantes del tema aparece en la frustración por no haber recibido una despedida clara. La persona que habla en la canción parece aceptar que las cosas podían haber terminado, pero no consigue entender por qué tuvieron que hacerlo de una manera tan silenciosa, dejando atrás preguntas y sentimientos que nunca llegaron a resolverse. La idea se vuelve especialmente dolorosa cuando aparece el deseo de que todo hubiera sido diferente: bastaba con decir adiós para poder soltar, reconocer la verdad y aceptar el final. En lugar de eso, quedó un vacío que el tiempo no consiguió llenar completamente. La carta del comienzo adquiere entonces un nuevo significado, porque puede representar precisamente todas esas palabras que llegan demasiado tarde. ESCUCHAR.. 🎧But, Nvm de Baby Rose: cuando aceptas que diste todo… y aun así no fue suficiente El significado de “Quit Quiet” ✨ “Quit Quiet” habla de una relación que pertenece al pasado, pero cuyo recuerdo sigue teniendo fuerza porque nunca existió una despedida capaz de cerrar realmente la historia. The Jesse Williams Band utiliza la nostalgia para recorrer una conexión marcada por la juventud, los años compartidos y una separación que dejó más preguntas que respuestas. La canción también habla de crecer y aceptar que las personas cambian, toman caminos distintos y pueden terminar convirtiéndose casi en desconocidos. Sin embargo, eso no significa que desaparezca automáticamente todo lo que existió entre ellas. Hay recuerdos que permanecen precisamente porque estuvieron ligados a una etapa importante de nuestra vida, incluso cuando ya no existe la posibilidad de regresar a ella. Al final, “Quit Quiet” transmite una sensación agridulce: agradecer los años compartidos mientras se aprende a convivir con aquello que nunca...
Lanzamiento oficial el 19 abril de 2024 Existen momentos en algunas relaciones en el que las sospechas dejan de ser sospechas. En “Pretty Lies”, Genia retrata precisamente ese instante: aparecen los mensajes, las explicaciones dejan de convencer y la confianza se rompe por completo. La canción comienza desde la incredulidad, pero poco a poco se transforma en algo mucho más frío: la decisión de dejar de necesitar a alguien que ya no merece confianza. ESCUCHAR.. 🎧California de Jessie J: el precio de perseguir tus sueños sin renunciar a quién eres Las mentiras dejan de funcionar cuando aparecen las pruebas 👀 El estribillo de “Pretty Lies” plantea una situación cargada de ironía. La protagonista parece pedir que continúen las mentiras, pero existe una razón detrás de esa actitud: ya sabe que algo no encaja. Después aparecen los mensajes y las sospechas adquieren otra dimensión. La explicación de que esa otra persona es “solo una amiga” ya no resulta suficiente. La mirada también se convierte en un elemento importante. Ni siquiera puede sostenerle los ojos, y ese detalle termina diciendo mucho más que cualquier explicación. ESCUCHAR.. 🎧Fuhyuh de Genia: cuando enamorarse significa perder el control De la desconfianza a sentir que todo es un problema 💔 A partir de ahí, la relación comienza a verse como una especie de bomba de tiempo. Permanecer junto a esa persona significa mantenerse constantemente alerta, intentando descubrir qué está ocurriendo realmente. Genia transmite esa sensación de agotamiento que aparece cuando la confianza desaparece: ya no se puede amar con tranquilidad cuando cada gesto genera nuevas dudas. El problema deja de ser únicamente aquello que pudo haber ocurrido y pasa a ser la imposibilidad de volver a sentirse segura dentro de la relación. ESCUCHAR.. 🎧Sugar Trap de Jae Stephens: coqueteo, poder y un juego de seducción irresistible Ya no quiere respuestas: quiere recuperar el control 🔥 La segunda mitad de la canción cambia completamente de actitud. La protagonista deja atrás la necesidad de entenderlo todo y empieza a asumir que no necesita esa relación para seguir adelante. Ya no está dispuesta a alimentar su ego ni a seguir entregándole amor a alguien que la ha decepcionado. Esa transformación es probablemente una de las partes más potentes del tema. Lo que empezó como dolor termina convirtiéndose en desapego y poder personal. ESCUCHAR.. 🎧Jaded de Genia: cuando las decepciones empiezan a cambiarte El significado de Pretty Lies ✨ “Pretty Lies” habla de una relación en la que las mentiras terminan siendo demasiado evidentes para seguir creyendo en ellas. Genia retrata el descubrimiento de unos mensajes, la sospecha de una traición y la pérdida progresiva de confianza. Pero la canción no se queda únicamente en el desamor. Su verdadera evolución está en cómo la protagonista deja de buscar explicaciones y comprende que puede vivir perfectamente sin esa persona. Las “pretty lies” del título representan esas mentiras que quizá alguna vez fueron capaces de mantener una relación en pie, pero que pierden todo su poder cuando la verdad empieza a aparecer. Al final, la protagonista ya no necesita que él sea sincero. Lo único que necesita es alejarse de alguien en quien ya no puede confiar. ESCUCHAR.. 🎧No Caller ID de Ash B: aprender a dejar atrás una relación que ya no funciona Música ideal para.. 🎧 Superar una traición que te rompió la confianza 💔 Una playlist sobre mentiras y decepciones 🖤 Cuando descubres mensajes que cambian completamente la historia 👀 Recuperar tu seguridad después de una relación complicada 🔥 Dejar de necesitar explicaciones de alguien que te falló ✨ Cantarle indirectamente a quien nunca fue sincero 😏 Una...
