ESCUCHAR.. 🎧Mentira de Yendry: cuando la seguridad también esconde dudas YEИDRY convierte la nostalgia por un antiguo amor y por su tierra en el centro de «No me vuelvo a enamorar». Con un sonido de pop latino de inspiración caribeña, la canción mira hacia República Dominicana a través de sus playas, sus amaneceres y ese recuerdo de un amor que todavía parece imposible de reemplazar. ESCUCHAR.. 🎧Paloma de la dominicana Yendry ❤️ Un primer amor que sigue presente La protagonista ha conocido otros caminos y otras personas, pero ninguna consigue compararse con aquella primera historia. Fue su primer amor y también su mejor recuerdo, una relación asociada a momentos que todavía regresan cada vez que sale el sol. Por eso el título funciona como una declaración absoluta: después de aquella persona, parece que nadie ha conseguido provocar lo mismo. ESCUCHAR.. 🎧Mentira de Yendry: cuando la seguridad también esconde dudas 🇩🇴 Quisqueya como refugio La canción utiliza República Dominicana como mucho más que un escenario. Quisqueya representa el lugar al que siempre se puede volver, tanto físicamente como a través de los recuerdos. La arena, el agua de coco, el amanecer y el baile construyen una imagen cálida de la isla, mientras la protagonista compara esa sensación con el frío de la ciudad en la que se encuentra ahora. ESCUCHAR.. 🎧Sin Fronteras de Yendry y Saso 🌊 Amor, distancia y raíces Hay una doble nostalgia en «No me vuelvo a enamorar»: la de una persona que está lejos y la de una tierra que continúa formando parte de su identidad. La distancia hace que los recuerdos sean todavía más intensos. Cuanto más lejos está de aquello que quiere, más presente lo siente, hasta convertir la canción en una especie de regreso imaginario a casa. ESCUCHAR.. 🎧Las Ganas de Odiarte de Nia ☀️ Un recuerdo que todavía invita a bailar YEИDRY mezcla el romanticismo con una energía luminosa y caribeña. Aunque la historia habla de alguien que se fue, la canción no se queda únicamente en la tristeza: hay sol, playa, baile y una conexión muy fuerte con las raíces dominicanas. «No me vuelvo a enamorar» termina siendo así una canción sobre ese amor que se quedó asociado para siempre a un lugar, una persona y una forma concreta de sentir la vida. ESCUCHAR.. 🎧Anghell y Amy Gutiérrez se quedan atrapadas entre el amor y el rencor en “Confundida” ❤️ Esta canción es para ti si.. Hay un primer amor que todavía recuerdas con especial cariño ❤️ Has tenido que alejarte de tu tierra y la nostalgia te acompaña 🌴 Te gustan los sonidos latinos con esencia caribeña 🌊 Una persona y un lugar están unidos para siempre en tus recuerdos ☀️ Sientes que hay amores que simplemente no se sustituyen 💔
Shakira Martinez recupera «Y hubo alguien», una canción de desamor y orgullo sentimental que pone frente a frente a una persona que quiere regresar y otra que ya ha conseguido rehacer su vida. La historia parte de una situación sencilla: alguien que se marchó vuelve cuando descubre que quizá todavía siente algo. El problema es que, durante su ausencia, otra persona apareció y consiguió ocupar ese lugar. ESCUCHAR.. 🎧Antoñito Molina pone límites al pasado y deja la puerta abierta al amor en “Superviviente” 🥀 Cuando volver ya no sirve El antiguo amor regresa buscando una segunda oportunidad, convencido de que todavía existe una puerta abierta. Pero la protagonista ya no está esperando. Mientras él hacía su vida por separado, alguien más estuvo presente, cuidándola, llenándola de detalles y demostrando aquello que el anterior amor no supo darle. ESCUCHAR.. 🎧Las Calicas llevan el flamenco pop al terreno de los amores inevitables en “Destino” ❤️ La aparición de alguien nuevo La clave de la canción está precisamente en esa tercera persona. No aparece como una simple sustitución, sino como alguien que consiguió conquistarla cuando estaba libre para elegir. Por eso el regreso llega demasiado tarde: ella ya ha entregado su cariño y ha encontrado una nueva ilusión. ESCUCHAR.. 🎧El problema no es quererla, es atreverse a decírselo: Alejandro Astola – “Si Tú Quisieras” 🔥 Una respuesta desde el orgullo «Y hubo alguien» tiene ese punto de satisfacción que aparece cuando quien te perdió descubre que ya no tiene el mismo lugar en tu vida. Shakira Martinez pone voz a una historia en la que no hay necesidad de perseguir a quien se fue. El mensaje es directo: si decidiste marcharte, también tuviste que aceptar que yo podía seguir adelante. ESCUCHAR.. 🎧Contacto Cero de María Gil: cuando romper el contacto cero vuelve a ponerlo todo en peligro 🎶 Desamor con sabor a nueva oportunidad La canción mezcla nostalgia por lo vivido con la seguridad de haber encontrado algo diferente. No niega el dolor del pasado, pero tampoco permite que ese pasado decida el presente. Al final, la verdadera protagonista no es quien volvió, sino quien llegó después y consiguió quedarse. ESCUCHAR.. 🎧Te Cantaría de Palomy López: querer convertir un amor en recuerdos que no caben en una foto ❤️ Esta canción es para ti si.. Alguien volvió cuando tú ya habías conseguido pasar página 💔 Has descubierto que merecías más de lo que recibías 🥀 Una nueva persona te ayudó a recuperar la ilusión ❤️ Te gustan las canciones de desamor con un punto de orgullo 🔥 Alguna vez pensaste: «Llegaste demasiado tarde» 🎙️
Lewis Potter apuesta por una combinación de reguetón y trap latino en «EXPRESS», un tema directo, juguetón y cargado de actitud. La canción gira alrededor de una conexión marcada por la atracción, la rapidez y ese juego de mensajes que puede convertir un simple aviso en un encuentro inmediato. ESCUCHAR.. 🎧Teddy Bear de Lewis Potter & Reddy: amor juguetón, intimidad y romance divertido 📲 Un mensaje y sale disparado El concepto de «EXPRESS» está presente desde el propio título: no hay tiempo que perder cuando aparece la persona que interesa. Lewis Potter se presenta como alguien dispuesto a cambiar sus planes y aparecer en cuanto recibe la señal. La letra utiliza referencias al mundo de las carreras y la velocidad para reforzar esa idea de movimiento constante, convirtiendo el deseo en una especie de viaje a toda velocidad. ESCUCHAR.. 🎧Lyalya Maria rescata del fuego a una mujer señalada con folk alternativo en “Bruja” 🔥 Entre deseo y confianza La canción también juega con una actitud bastante segura. El protagonista no duda de la conexión que existe y habla de una relación donde la atracción física ocupa un papel importante, aunque también aparecen intenciones de convertir esa cercanía en algo más. Esa mezcla entre coqueteo, deseo y seguridad es precisamente la que da personalidad al tema. ESCUCHAR.. 🎧Rain y Bejo convierten “Chula” en una celebración de seguir avanzando aunque el camino venga lleno de piedras 🏎️ Una canción hecha para no parar «EXPRESS» mantiene un tono ligero y urbano durante todo el recorrido. Los cambios de planes, los mensajes y las referencias a la velocidad construyen una canción pensada para transmitir movimiento. No busca complicar demasiado el mensaje: si ella avisa, él llega. ESCUCHAR.. 🎧Mar de María Cruz: cuando tenerlo todo no consigue llenar el vacío ❤️ Esta canción es para ti si.. Te gustan los temas urbanos con actitud y desparpajo 🔥 Has tenido alguna relación marcada por la química y la atracción 💋 Eres de los que no necesitan demasiadas vueltas para lanzarse 🚀 Te gustan el reguetón y el trap latino con un punto juguetón 🎧 Un mensaje de esa persona puede hacerte cambiar todos tus planes 📲
OSTON pone voz a una de esas relaciones difíciles de definir en «Sorta, kinda». La artista estadounidense se mueve entre el pop alternativo y el indie-pop para contar una historia de deseo, confusión y sentimientos desiguales: dos personas que tienen intimidad, pero que nunca terminan de ocupar el mismo lugar emocional. La canción forma parte de Isn’t That Sweet?, el álbum debut de OSTON, publicado el 25 de septiembre de 2026. 🫠 Ni amigos, ni pareja, ni ex La protagonista sabe perfectamente dónde está el problema: existe una conexión física evidente, pero fuera de esos momentos no recibe la misma atención ni claridad. La frase que da título al tema resume precisamente esa frustración. No quiere algo a medias, ni una relación indefinida, ni tener que adivinar qué siente la otra persona. 💔 Cuando uno se engancha y el otro se aleja La dinámica se repite constantemente: cuanto más quiere acercarse, más distancia encuentra. Y cuanto más intenta convencerse de que no le importa, más evidente resulta que sí. OSTON utiliza incluso cierto humor y sarcasmo para contar esa contradicción. En lugar de presentar el desengaño como un drama solemne, reconoce lo absurdo de estar atrapada en alguien que no termina de quererla de la misma manera. La propia OSTON explicó que «Sorta, kinda» se sale de lo que suele escribir y que quiso permitirse llevar al extremo esa parte más descontrolada y sin filtros de sus relaciones. 🎧 Pop alternativo con una confesión sin filtros Musicalmente, el tema se mantiene dentro del universo de pop, indie-pop y pop alternativo que caracteriza a OSTON. Su propuesta combina una producción pop con letras muy personales, algo que la artista ha descrito anteriormente como canciones casi de diario personal sobre producciones muy pop. Aquí esa fórmula funciona especialmente bien porque la música contrasta con una letra que va perdiendo cada vez más la paciencia. 🖤 Un “casi” que ya no es suficiente «Sorta, kinda» habla de ese punto en el que una relación indefinida deja de resultar emocionante y empieza a doler. Hay atracción, hay deseo y hay momentos de cercanía, pero no existe la misma implicación emocional por las dos partes. Y para OSTON, esta vez eso ya no basta. ❤️ Esta canción es para ti si.. Estás cansado de las relaciones que nunca terminan de definirse 🫠 Has querido algo serio mientras la otra persona prefería mantenerlo en un “ya veremos” 💔 Te gustan las canciones de pop alternativo con letras muy personales 🎧 Has vivido ese momento en el que la atracción ya no compensa la falta de claridad 🖤 Necesitas algo real y no otra historia a medias 🔥
Lanzado oficialmente el 10 de julio de 2026 OSTON se enfrenta al miedo de volver a enamorarse en «Placebo effect», una canción de pop alternativo e indie-pop que convierte la desconfianza en una historia de atracción, deseo y vulnerabilidad. La artista estadounidense, natural de Park City, Utah, y actualmente afincada en Los Ángeles, construye aquí uno de esos relatos emocionales en los que ilusionarse también significa arriesgarse. 🫀 Demasiado bueno para ser verdad La canción parte de una sensación muy reconocible: conocer a alguien que parece diferente a todo lo anterior y, precisamente por eso, tener miedo de creer que pueda funcionar. OSTON no intenta ocultar esa inseguridad. Al contrario, reconoce que podría estar cayendo de nuevo, pero también que quizá esta vez merece la pena dejarse llevar. 💊 El efecto placebo del amor El título funciona como una metáfora de las experiencias anteriores. Después de haberse sentido decepcionada otras veces, la cantante se pregunta si aquello que está sintiendo es real o simplemente otra ilusión que terminará desapareciendo. Pero la canción no se queda en la duda. Poco a poco, la atracción gana terreno al miedo y OSTON decide apostar por esa sensación aunque no pueda saber cómo terminará. La propia artista explicó que «Placebo effect» nació de ese conflicto entre querer protegerse y permitirse confiar nuevamente. 🎢 Una montaña rusa emocional La segunda mitad del tema aumenta la intensidad y deja atrás la distancia inicial. El contacto físico, la tensión y la incertidumbre convierten ese enamoramiento en una auténtica montaña rusa. Musicalmente, OSTON se mantiene dentro de ese pop alternativo de carácter íntimo y emocional que ha definido buena parte de su propuesta. Su escritura apuesta por historias personales y directas, mientras la producción añade una dimensión más pop y contemporánea. 🌙 Volver a sentir también es arriesgarse «Placebo effect» no promete que esta historia vaya a durar para siempre. De hecho, una de sus claves está precisamente en aceptar que no existe ninguna garantía. Después de haber levantado defensas para evitar otra decepción, OSTON decide probar algo distinto: sentir aunque exista la posibilidad de acabar herida. Y quizá ahí esté la verdadera apuesta de la canción. ❤️ Esta canción es para ti si.. Te cuesta volver a confiar después de una decepción 🫀 Has conocido a alguien que parece demasiado bueno para ser verdad 💫 Te gustan las canciones de pop alternativo con una parte emocional muy personal 🎧 Alguna vez has tenido miedo de ilusionarte demasiado pronto 🌙 Prefieres arriesgarte a sentir antes que volver a quedarte completamente al margen ❤️
Por Amor de Nach y Alice Wonder: un homenaje a quienes siguen creyendo en el amor pese a las heridas 
Por Amor de Nach y Alice Wonder: un homenaje a quienes siguen creyendo en el amor pese a las heridas
Lanzado oficialmente el 26 de septiembre de 2026 Hay quienes dejan de creer en el amor después de una decepción. Otros, en cambio, entienden que cada caída también forma parte del camino. “Por Amor”, de Nach y Alice Wonder, pertenece a ese segundo grupo. No idealiza las relaciones ni promete finales perfectos; abraza las heridas, los errores y los aprendizajes para recordar que, incluso cuando duele, amar sigue siendo una de las experiencias más transformadoras que puede vivir una persona. Con la sensibilidad poética que caracteriza a Nach y la delicadeza interpretativa de Alice Wonder, la canción se convierte en una reflexión íntima sobre todo aquello que somos capaces de hacer cuando dejamos que el corazón hable por encima del miedo. ❤️ El amor como la fuerza que nos transforma La letra recorre distintas etapas de la vida, desde la inocencia de la infancia hasta la madurez emocional que llega después de haber amado y perdido más de una vez. En ese viaje aparecen ilusiones, decepciones, relaciones que parecían eternas y otras que desaparecieron casi sin dejar rastro. Lejos de presentar el amor como un camino sencillo, ambos artistas muestran que abrir el corazón siempre implica un riesgo. Sin embargo, también recuerdan que las mayores alegrías suelen encontrarse precisamente al atreverse a sentir, aunque eso suponga convivir con nuevas cicatrices. 🎙️ Dos voces que encuentran un mismo sentimiento La unión entre Nach y Alice Wonder funciona como un diálogo entre dos maneras distintas de entender las emociones. Mientras Nach aporta versos cargados de imágenes, recuerdos y reflexiones, Alice Wonder envuelve el mensaje con una interpretación llena de sensibilidad y calma. Musicalmente, “Por Amor” apuesta por una producción elegante y contenida, donde cada elemento está al servicio de la emoción. No necesita grandes artificios para transmitir su mensaje: la fuerza nace de la sinceridad con la que ambos artistas interpretan cada palabra. ✨ Una canción que celebra la valentía de sentir Uno de los mensajes más poderosos del tema es que amar nunca debería entenderse como un fracaso, incluso cuando una historia termina. La canción plantea que cada relación deja una enseñanza y que el verdadero valor no está en evitar el dolor, sino en seguir creyendo que siempre puede volver a encenderse una nueva ilusión. En lugar de esconder las heridas, “Por Amor” las convierte en parte de la identidad de quien las ha vivido, defendiendo que el corazón también crece cada vez que se rompe y vuelve a empezar. 💫 Mucho más que una canción romántica Aunque el amor ocupa el centro de la historia, el mensaje trasciende las relaciones de pareja. Habla de la autenticidad, de escuchar la propia intuición y de vivir sin arrepentirse de aquello que se hizo desde el corazón. Nach y Alice Wonder recuerdan que las cosas más importantes casi nunca pueden tocarse ni verse, pero sí sentirse. Y quizá esa sea la mayor enseñanza del tema: que el amor sigue siendo una de las pocas fuerzas capaces de dar sentido a los momentos más felices y también a los más difíciles. Música ideal para.. 💖 Reflexionar sobre el amor desde una perspectiva madura y sincera ❤️ Descubrir letras cargadas de poesía y simbolismo ✍️ Escuchar una colaboración que une rap y sensibilidad pop 🎙️ Recordar que las cicatrices también forman parte del camino 🌹 Conectar con canciones que hablan desde el corazón 💞 Encontrar música para esos momentos de introspección 🌙 Valorar el amor como una experiencia que transforma la vida ✨ Crear una playlist con canciones profundas y emocionales 🎧 Descubrir una de las colaboraciones más sensibles de Nach y Alice...
El compositor y productor británico falleció el 25 de septiembre de 2016 a los 66 años en Londres, tras una breve batalla contra un cáncer agresivo. Conocido en la industria como “The Invisible Man” por su rechazo a la fama, su pluma firmó algunos de los himnos más reconocibles de la música popular: “Thriller”, “Rock with You”, “Give Me the Night” o “Always and Forever”. Rodney Lynn Temperton nació el 9 de octubre de 1949 en Cleethorpes, Lincolnshire, en el seno de una familia trabajadora. Su primer contacto con la música fue el piano, pero su juventud no estuvo marcada por una vocación precoz hacia el estrellato. Trabajó en una fábrica de pescado en Grimsby, una experiencia que él mismo describió como una de las más formativas de su vida: le enseñó el valor del trabajo, la disciplina y la humildad. Aquellos años en la planta no fueron un paréntesis, sino el cimiento sobre el que construiría una carrera de éxito mundial. En 1974, mientras vivía en Alemania, Temperton respondió a un anuncio en la revista Melody Maker. El teclista Johnnie Wilder buscaba un nuevo miembro para su banda. Temperton envió una cinta con una de sus composiciones. Wilder quedó impresionado. Aquel encuentro dio origen a Heatwave, el grupo de funk y disco que le abriría las puertas de la industria y le permitiría demostrar que su verdadero talento no estaba detrás del teclado, sino en el papel pautado. El semillero de Heatwave Heatwave no fue una banda más. Su sonido, una mezcla sofisticada de funk, soul y disco, se distinguía por la calidad de sus arreglos y por la fuerza de sus canciones. Temperton fue el principal compositor del grupo, y en apenas unos años firmó una serie de éxitos que se convirtieron en clásicos instantáneos: “Boogie Nights”, “The Groove Line” y, sobre todo, “Always and Forever”, una balada que se convirtió en un himno atemporal y en un elemento fijo en bodas y celebraciones de todo el mundo. Su trabajo con Heatwave llamó la atención de Quincy Jones, el legendario productor que estaba a punto de embarcarse en el proyecto más ambicioso de su carrera: la producción de los próximos álbumes de Michael Jackson. Jones estaba buscando canciones con la combinación exacta de melodía, groove y sofisticación que Temperton dominaba. Lo encontró en él. La sociedad con Quincy Jones y Michael Jackson La relación entre Temperton y Quincy Jones fue el motor creativo de la era más exitosa de Michael Jackson. Para Off the Wall (1979), Temperton escribió “Rock with You” y la canción que daba título al álbum. “Rock with You” se convirtió en un número uno, y su estilo —una balada disco elegante, con un groove impecable y una melodía inolvidable— definió el sonido de Jackson en aquella época. Tres años después, para Thriller (1982), Temperton escribió tres canciones: “Baby Be Mine”, “The Lady in My Life” y, por supuesto, “Thriller”. La canción homónima se convertiría en un fenómeno cultural sin precedentes, un himno que trascendió la música para convertirse en parte del imaginario colectivo. No era solo una canción: era una experiencia, un relato cinematográfico de terror y funk que, con su icónico monólogo final —escrito por el propio Temperton en un hotel de Los Ángeles, según la leyenda—, redefinió lo que un sencillo pop podía ser. La contribución de Temperton a la carrera de Jackson fue decisiva. Sin sus canciones, la era más creativa y comercialmente exitosa del Rey del Pop habría sido muy diferente. El compositor de todos Temperton no fue un compositor de un solo artista. Su catálogo es una muestra...
Una de las efemérides de hoy, 25 de septiembre es, es realmente muy especial puesto que está dedicada a la posible mejor artista española de todos los tiempos. La mujer española que hasta el momento posee más Grammys de siempre, con la cifra de 4. En segunda posición de los artistas españoles con más grammys de toda la historia, junto a Alejandro Sanz. Y únicamente superados por Plácido Domingo, que cuenta hasta con 12 Grammys en sus manos. Ella, además, recibió el Premio Principe de Asturias de las Artes en 1994. El jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes, que le fue concedido en 1994, la definió como “la mejor pianista del mundo” y “maestra de músicos”. Alicia de Larrocha en uno de sus conciertos entre 1940/1960 Esto, NO era ninguna exageración puesto que su técnica impecable, su sonido limpio y su capacidad para hacer cantar al piano la convirtieron en toda una referencia en una amplia cantidad de pianistas de diferentes generaciones. Fue, la primera artista española en recibir el Premio UNESCO (1995) y también, fue distinguida con el Premio Nacional de Música (1984), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1982), la Legión de Honor Francesa y la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983). Hablamos de ALICIA DE LARROCHA. La que para muchos, es una total y completa desconocida a pesar de ser muy probablemente, la mejor pianista de toda la historia de España e incluso, la calificada por muchos: mejor pianista del mundo durante el siglo XX. Aún hoy es, considerada una de las grandes leyendas del piano del siglo XX, con una carrera de más de setenta años a sus espaldas, que la llevaron a ofrecer casi cuatro mil conciertos por los cinco continentes y a convertirse en la principal embajadora de la música clásica española a lo largo de todo el mundo. Los inicios de Alicia de Larrocha Alicia de Larrocha y de la Calle nació en Barcelona el 23 de mayo de 1923, en el seno de una familia de profunda tradición musical. Su padre, Eduardo de Larrocha, era violinista aficionado y tanto su tía como su madre habían sido discípulas de Enrique Granados. Creció, por tanto, en un ambiente donde la música no era una elección, sino una herencia. Alicia de Larrocha en su infancia, en una de sus primeras fotografías junto a un piano Su vocación se manifestó de forma precoz: antes de aprender a escribir, ya garabateaba sobre las teclas del piano de su tía Carolina. Su formación estuvo marcada por una figura decisiva: Frank Marshall, continuador de la Academia Granados en Barcelona. Marshall no solo fue su maestro, sino el arquitecto de su técnica y de su sensibilidad. A través de él, De Larrocha entró en contacto con los grandes pianistas de la época que visitaban la academia, como Arthur Rubinstein, Emil von Sauer o Alfred Cortot. Rubinstein, impresionado por el talento de aquella niña de seis años, le regaló una pulsera con un cerdito colgante y dos fotografías suyas: una con cara seria, “la que pongo cuando toco” y otra sonriente, “la que pongo cuando te escucho a ti pequeña Alicia”. Una niña prodigio con vocación de leyenda Su primera presentación pública tuvo lugar en mayo de 1929, en la Academia Marshall de Barcelona, interpretando obras de Bach, Mozart y Granados. A los once años debutó con orquesta en el Palau Municipal de Belles Arts de Barcelona y a los doce lo hizo en Madrid con la Orquesta Sinfónica, dirigida por Enrique Fernández Arbós. La Guerra Civil española interrumpió su...
El músico vigués José Costas Peón, conocido artísticamente como Peón Kurtz, falleció en la noche del 25 de septiembre de 2026 a los 55 años, tras ser hospitalizado por un infarto. Miembro fundador de Def Con Dos, pionero del rap metal en español y una figura esencial de la escena musical viguesa. Detrás de su apodo había un DJ, un beatmaker y un apasionado del cine y el cómic que dedicó casi tres décadas a construir un sonido que no existía antes en España. Tío de Dani Dicostas. Peón Kurtz no era un músico convencional. Su nombre artístico, tomado del Coronel Kurtz de Apocalypse Now, ya anunciaba una personalidad que mezclaba la cultura pop con una mirada satírica y sin concesiones. Nació en Vigo y creció en el seno de una familia profundamente vinculada a la música: era hermano menor de Miguel Costas, fundador de Siniestro Total, y de Rosa Costas, integrante de Aerolíneas Federales. Aquella casa olía a discos, a guitarras y a la efervescencia de una ciudad que, en los ochenta, se convirtió en un laboratorio de sonidos nuevos. Su primer contacto con la música fue como oyente. Miguel Costas recordaba cómo, de jóvenes, compartían habitación y escuchaban Radio 3 juntos. Aquella complicidad fraternal se convirtió en una vocación compartida: mientras Miguel formaba parte de la mítica Siniestro Total, José encontró su propio camino en los platos, los samples y las bases electrónicas. El nacimiento de Def Con Dos La historia de Def Con Dos comenzó en la discoteca La Kama, el punto de encuentro de la movida viguesa durante los años ochenta y noventa. Una noche cualquiera, César Strawberry y Peón Kurtz, que ya eran amigos, decidieron formar una banda a la que querían que sonara como los Beastie Boys. Se lo contaron a Julián Hernández, por entonces batería de Siniestro Total, y la idea, que parecía una locura, terminó prosperando. El 5 de enero de 1988, la víspera de la Noche de Reyes, hicieron su primera actuación en el local El Manco de Vigo bajo el nombre de Freddy Krueger y los Masters del Universo. Un año después, en 1989, adoptaron el nombre definitivo: Def Con Dos, inspirado en la secuencia de alerta nuclear de las crisis de la Guerra Fría. Peón Kurtz no era solo un vocalista. Era DJ, beatmaker y encargado del scratching, y su trabajo con los platos Technics SL-1200 MK2 quedó documentado en discos como Segundo Asalto (1990). En una época en la que el rap en español apenas estaba dando sus primeros pasos, él aportaba una base rítmica y un lenguaje sonoro que no tenían nada que envidiar a las producciones anglosajonas. La consagración: del hip hop al rap metal Los primeros discos de Def Con Dos —Segundo Asalto (1990) y Tercer Asalto (1991)— eran hip hop con bases electrónicas y samples, influidos por Public Enemy y Run-D.M.C.. Pero la banda fue mutando. Incorporaron guitarras, batería en directo y voces superpuestas, y su sonido se volvió más contundente, más cerca del rap metal que del hip hop puro. A esta época pertenecen algunos de sus discos más importantes: Alzheimer (1995), Ultramemia (1996) y De Poca Madre (1998). En ellos, la voz de Peón Kurtz y la de César Strawberry se entrelazaban sobre una base musical que combinaba la agresividad del punk y el heavy con la cadencia del rap. Su música llegó a un público mucho más amplio gracias al cine. Fueron los autores de las canciones principales de las películas de Álex de la Iglesia Acción Mutante (1993) y El día de la bestia (1995), dos títulos que se...
Lyalya-Maria regresa con «Bruja», una canción que utiliza el imaginario del bosque, la magia y la persecución para hablar de una mujer que no encaja en las normas de su pueblo. La historia avanza como un pequeño cuento oscuro hasta llegar a un desenlace marcado por el rechazo y el fuego. La artista y cantautora tinerfeña, vinculada a las tradiciones musicales romaní, georgiana y española, se mueve habitualmente por terrenos alternativos y de fusión. «Bruja», publicada como sencillo el 7 de agosto de 2026, continúa esa búsqueda de una identidad propia. ESCUCHAR.. 🎧Jable reivindica la tierra, el baile y la libertad de la mujer en “Niñas Sucias” 🌲 Una mujer fuera de las normas La canción presenta a una mujer que vive al margen de lo establecido. En el bosque encuentra su espacio y transmite su conocimiento a una niña, mientras el pueblo observa con rechazo aquello que considera diferente. La figura de la bruja funciona así como símbolo de libertad, diferencia y resistencia. Lo que para ella representa belleza y conocimiento se convierte para los demás en algo que debe ser eliminado. ESCUCHAR.. 🎧Rita Payés y Lucía Fumero, dos voces del jazz catalán que vuelan hacia el folk en “Petirrojo” 🔥 El fuego como símbolo de rechazo La historia se vuelve más oscura cuando el pueblo decide enfrentarse a ella. La repetición de la idea de quemar a la bruja convierte el estribillo en una especie de sentencia colectiva. Pero la canción no termina realmente con su desaparición. Su espíritu permanece en el bosque y el recuerdo de aquello que enseñó continúa vivo. El fuego, por tanto, no consigue borrar completamente aquello que la comunidad quería hacer desaparecer. ESCUCHAR.. 🎧Eva Hevia y Kike Varela hacen de una verbena el escenario perfecto para un flechazo en “Verbena” 🎻 Folk alternativo con raíces muy personales Musicalmente, «Bruja» se sitúa dentro del folk alternativo y la fusión, un terreno que encaja con la trayectoria de Lyalya-Maria. Sus trabajos anteriores han pasado por etiquetas como folk-rock y alternativa, mientras su propuesta incorpora diferentes tradiciones culturales. En esta ocasión, el ambiente de bosque y cuento oscuro resulta especialmente importante: la música acompaña una historia casi ancestral sin necesidad de convertirla en una narración convencional. ESCUCHAR.. 🎧In Taberna de Kinnia ft. José Pardial: cuando la música se convierte en refugio 🌙 Una historia sobre ser diferente Más allá de la figura fantástica de la bruja, la canción habla de algo mucho más reconocible: qué ocurre cuando alguien se niega a vivir según las reglas que otros han impuesto. Lyalya-Maria convierte esa idea en una pequeña fábula sobre la belleza que incomoda, la libertad que asusta y el recuerdo que permanece incluso cuando intentan hacerlo desaparecer. ESCUCHAR.. 🎧Canción La Danza del Cuervo Negro de la Banda de Rock Folk madrileña Kinnia ❤️ Esta canción es para ti si.. Te gustan las canciones que parecen pequeños cuentos oscuros y mágicos 🌲 Disfrutas del folk alternativo y las mezclas de tradiciones musicales 🎻 Te atraen las historias sobre personas que viven al margen de las normas 🔥 Buscas propuestas diferentes dentro de la música alternativa ✨ Te gustan las canciones que esconden un mensaje de libertad detrás de una historia fantástica 🌙