JABLE presenta “NIÑAS SUCIAS”, una canción construida alrededor de la tierra, el paisaje y la identidad canaria, pero también de una idea mucho más amplia: la libertad de una mujer que no acepta que otros decidan hasta dónde puede llegar. El tema aparece cargado de referencias a Canarias y convierte ese imaginario en parte esencial de su personalidad. Desde sus primeras imágenes, la canción pisa tierra: manos sucias, cosechas, barrancos, sol, mar y montaña. No es un paisaje de postal, sino un territorio vivido que sirve como punto de partida para una protagonista que avanza sin intención de dejarse domesticar. ESCUCHAR.. 🎧Rita Payés y Lucía Fumero, dos voces del jazz catalán que vuelan hacia el folk en “Petirrojo” 🌿 Tierra, tradición y memoria “NIÑAS SUCIAS” está atravesada por elementos reconocibles de la cultura canaria. Anaga aparece como uno de sus escenarios, mientras el tajaraste y la folía entran directamente en la narración y conectan la canción con la tradición musical del archipiélago. La letra también utiliza imágenes agrícolas y naturales para hablar de resistencia. La tierra está en las manos, en la cosecha y en la propia voz, mientras el sol y el paisaje funcionan como algo que se recoge, se guarda y se transforma. ESCUCHAR.. 🎧Eva Hevia y Kike Varela hacen de una verbena el escenario perfecto para un flechazo en “Verbena” 💃 Las niñas no piden permiso Todo ese universo desemboca en una frase que termina funcionando como manifiesto: las niñas no piden permiso. Entran, bailan y hacen lo que quieren. La protagonista de “NIÑAS SUCIAS” es salvaje, independiente y difícil de encerrar. No necesita demostrar que encaja en ningún sitio; precisamente lo interesante está en que se niega a hacerlo. El baile se convierte así en una forma de ocupar el espacio y de reivindicar la propia libertad. ESCUCHAR.. 🎧In Taberna de Kinnia ft. José Pardial: cuando la música se convierte en refugio 🌋 Del mar hasta el monte Uno de los mayores atractivos del tema está en su manera de utilizar el territorio. La canción recorre barrancos, cumbres, mar y montaña y encuentra en Anaga un lugar casi mítico donde esa libertad puede existir sin restricciones. La tradición tampoco aparece como algo inmóvil. El tajaraste y la folía conviven con una producción contemporánea y con una actitud mucho más desafiante, creando un puente entre raíces canarias y una identidad musical actual. 🔥 Una canción para bailar sin permiso “NIÑAS SUCIAS” termina siendo menos una canción sobre escapar que sobre negarse a vivir encerrada. Hay tierra, memoria y tradición, pero también movimiento, deseo y una voluntad muy clara de seguir avanzando. JABLE construye así un imaginario en el que las raíces no son una jaula. Son precisamente el lugar desde el que poder bailar más lejos. ❤️ Esta canción es para ti si.. Sientes que tus raíces forman parte de tu manera de entender el mundo 🌿 Te gusta descubrir música que mezcla tradición y sonidos actuales 🔥 Nunca has entendido por qué necesitas pedir permiso para ser tú 💃 Te atraen las canciones con paisaje, identidad y carácter propio 🌋 Prefieres abrir la puerta y bailar antes que esperar a que alguien te invite 🖤
Susana Cala lleva años convirtiendo experiencias y emociones en canciones. La colombiana comenzó su trayectoria como compositora para artistas como Morat, Andrés Cepeda y Ximena Sariñana antes de dar el paso al frente como cantante en 2021. Desde entonces, su propuesta se ha movido dentro del pop latino y de una escritura especialmente centrada en las historias personales. “Piano y Voz” parte precisamente de uno de esos momentos íntimos que no necesitan grandes explicaciones: el instante en que una persona se da cuenta de que, después de mucho tiempo, vuelve a estar bien. ☀️ La alegría de volver a reconocerse La canción comienza con una imagen sencilla pero muy efectiva: despertar con el sol entrando por la ventana y sentir que, esta vez, las cosas están de su lado. Susana Cala no plantea una felicidad perfecta, sino algo mucho más reconocible: recuperar poco a poco las ganas de bailar, salir, arreglarse, reír y volver a disfrutar de la propia vida. El pasado sigue ahí, pero ha perdido peso. Los errores ya no son una condena y aquello que antes podía doler ahora puede mirarse con distancia. Incluso las lágrimas cambian de significado: ya no representan necesariamente tristeza, también pueden aparecer en medio de una risa. 🌱 Dejar de luchar contra todo Uno de los puntos más interesantes de “Piano y Voz” está en esa idea de dejar de tomarse la vida como algo que hay que controlar constantemente. Susana habla de avanzar en espiral, de improvisar y de aceptar que el tiempo acaba cambiando la perspectiva sobre aquello que parecía enorme. La recuperación aparece entonces como algo cotidiano. Ordenar la casa, volver a salir, dejar de buscar desesperadamente una respuesta y recuperar pequeños hábitos se convierten en señales de que algo ha cambiado por dentro. No hace falta una gran revelación: basta con comprobar que vuelven las ganas. 🎹 Una nueva etapa para Susana Cala Ese tono cercano encaja con la identidad que Susana Cala ha construido desde sus primeros trabajos. Su debut como solista llegó después de varios años escribiendo para otros intérpretes, y su primer EP, “Sopa de Letras”, reunió pop urbano, baladas y bachata junto a artistas como Lasso, Antonio José y Bacilos. Más adelante llegó “Sin Mensaje de Buenos Días” y, en 2024, su primer álbum, “Arial 12”, ampliando una trayectoria marcada por canciones que ponen las emociones y las historias en primer plano. En “Piano y Voz”, esa mirada se dirige hacia un lugar especialmente luminoso: no contar cómo se supera una etapa difícil desde fuera, sino reconocer el pequeño momento en que puedes decir, simplemente, que ya estás mejorando. ❤️ Esta canción es para ti si.. Has pasado una etapa complicada y empiezas a notar que vuelves a ser tú 🌱 Te has cansado de darle vueltas al pasado y prefieres mirar hacia delante ☀️ Estás recuperando las ganas de salir, bailar y disfrutar de las cosas pequeñas 💃 Ya puedes recordar tus errores sin castigarte por ellos 🫶 Te emociona esa sensación de descubrir que, después de mucho tiempo, por fin estás mejorando 💛
La cantante de jazz y quinta esposa del legendario entertainer falleció el 23 de septiembre de 2013 a los 72 años. Su carrera no se limitó a acompañar a un genio: gestionó su memoria, protegió su obra y se aseguró de que su música siguiera sonando décadas después de su muerte. Gia Maione tenía veintiún años cuando se presentó a una audición en el Latin Casino de Cherry Hill, Nueva Jersey. Louis Prima, que acababa de divorciarse de Keely Smith, su vocalista y compañera durante años, buscaba una nueva voz femenina para su banda. Gia cantó. Prima la eligió en el acto. Lo que empezó como un contrato profesional se convirtió, dos años después, en matrimonio. Y lo que empezó como matrimonio se transformó, tras la muerte de Prima, en una misión de por vida: preservar y difundir la obra de uno de los entertainers más importantes del siglo XX. Nació el 20 de mayo de 1941 en Roebling, Nueva Jersey. Murió el 23 de septiembre de 2013 en Pensacola, Florida, a los 72 años. Una formación clásica para un destino inesperado Gia Maione empezó a estudiar piano a los cuatro años y continuó durante diecisiete años, formándose bajo la tutela de Alma Steedman, directora del coro del Westminster Choir College de Princeton. Se graduó en el instituto de Toms River en 1959 y recibió el National Arion Society Award en música. Su plan era ahorrar trabajando en un Howard Johnson’s para costearse la Juilliard School de Nueva York. No llegó a Juilliard. Pero llegó a algo más difícil de conseguir: se convirtió en la voz femenina de una de las bandas más populares de Estados Unidos. Los años con Louis Prima En 1962, Prima buscaba una vocalista que pudiera llenar el vacío dejado por Keely Smith. La encontró en Gia. La contrató, y un año después, el 12 de febrero de 1963, se casaron. Gia se convirtió en la quinta y última esposa de Prima. Juntos grabaron catorce álbumes y numerosos sencillos para sellos como Capitol Records, Disney Records y Brunswick. Su colaboración más recordada es Let’s Fly With Mary Poppins (1965), un álbum de versiones jazzísticas de las canciones de la película de Disney que se convirtió en un éxito popular. Actuaron en los escenarios más importantes de Estados Unidos: el Copacabana y el Basin Street East de Nueva York, el Sahara y el Sands de Las Vegas, el Palmer House de Chicago. Aparecieron en programas de televisión como los de Ed Sullivan, Johnny Carson, Dean Martin, Merv Griffin y Mike Douglas. Gia se codeaba con Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Peggy Lee. No era una simple acompañante: era una cantante con formación clásica que aportaba a la banda de Prima una sofisticación vocal que complementaba su estilo irreverente y explosivo. La enfermedad y la muerte de Prima En 1975, mientras se sometía a una operación para extirpar un tumor cerebral benigno en Los Ángeles, Louis Prima entró en coma y nunca recuperó la consciencia. Murió casi tres años después, el 24 de agosto de 1978, en Nueva Orleans. Gia tenía 37 años. Se quedó con dos hijos pequeños —Lena y Louis Jr.— y con un patrimonio que, durante casi quince años, quedó atrapado en litigios. No fue un proceso sencillo. Pero Gia no se rindió. La guardiana del legado En 1994, Maione asumió el control de los archivos de Prima. A partir de ese momento, se dedicó a una tarea que rara vez se reconoce en el mundo de la música: gestionar, proteger y difundir el legado de un artista fallecido. Remasterizó grabaciones, gestionó licencias para...
Odalys Velasco está construyendo su proyecto musical después de hacerse conocida en redes sociales. Sus primeros lanzamientos, como “Levitando” junto a Alan Vilches y “Cartagena”, han mostrado una artista todavía en expansión, capaz de moverse entre sonidos latinos, tropicales y urbanos. “ROSITA PORSCHE”, publicada en agosto de 2026, lleva esa actitud hacia un terreno mucho más cercano al reguetón. 🏎️ Una noche que cambia de personalidad A las tres de la mañana todo parece transformarse. Las luces, el ruido, el dinero y la velocidad convierten la noche en una especie de territorio propio donde Odalys deja atrás cualquier límite y adopta una personalidad más atrevida. El Porsche rosa se convierte en el gran símbolo de esa fantasía: conducir rápido, rodearse de escoltas, contar billetes, presumir de Rolex y disfrutar de una atención que parece crecer a cada minuto. Todo está exagerado a propósito, como si la canción quisiera convertir una noche de fiesta en una película de lujo y exceso. 💅 Rosa, velocidad y actitud La estética de “ROSITA PORSCHE” gira alrededor de una imagen muy concreta: el rosa como identidad. Está en el coche, en las uñas y en toda una personalidad que no pretende pasar desapercibida. También aparece la parte más provocadora del tema, con una protagonista consciente del efecto que causa a su alrededor. La atracción, el peligro y las ganas de seguir acelerando terminan formando parte del mismo juego. 🔥 Una nueva pieza en el camino de Odalys El lanzamiento llega después de una primera etapa marcada por canciones como “Ecos de un Sueño”, “Cora Pa Dos”, “sanvalentin”, “Cartagena” y “Loka”. En “Cartagena”, junto a ONIKX, había explorado una vertiente más tropical y cercana al afrobeats; ahora “ROSITA PORSCHE” apuesta por una energía urbana más directa. La canción encaja así en una trayectoria todavía joven, pero que ya empieza a construir una identidad visual muy reconocible: lujo, noche, feminidad, actitud y una personalidad que no parece tener intención de levantar el pie del acelerador. ❤️ Esta canción es para ti si.. Te gusta salir de noche y convertir cualquier plan en una aventura 🏎️ El rosa para ti es mucho más que un color 💅 Disfrutas del reguetón con actitud, lujo y un punto de provocación 🔥 Te gusta sentirte protagonista cuando empieza la noche 💎 Hay noches en las que tampoco tienes ninguna intención de frenar 🌹
Cancamusa lleva buena parte de su carrera detrás de la batería. Natalia Pérez pasó por las bandas de Mon Laferte, Javiera Mena y Amanitas, además de convertirse en baterista de Los Bunkers, antes de desarrollar con mayor libertad su propia voz como cantante y compositora. Su proyecto solista nació de esa necesidad de sacar fuera canciones que llevaba años escribiendo y construir un universo musical propio. Desde entonces ha definido su propuesta como pop cinemático, mezclando dream pop, electrónica, atmósferas envolventes y una fuerte atención por la imagen. “Cielo, llora por mí”, publicado en agosto de 2026, abre la etapa final de “Dopamina” con una canción que vuelve a unir esa sensibilidad atmosférica con una historia profundamente emocional. 🌧️ Que el cielo diga lo que ella no puede La canción parte de una sensación física: un nudo que aparece al recordar a alguien y que vuelve a apretar cuando las emociones regresan. No hay una ruptura explicada de forma convencional; hay recuerdos, puertas cerradas, noches difíciles y una necesidad de sacar todo aquello que permanece dentro. Por eso la lluvia se convierte en la gran imagen del tema. Cancamusa le pide al cielo que llore por ella, que deje caer el agua que ella misma no consigue soltar. Es una forma de convertir el desahogo en algo exterior, casi como si las nubes pudieran expresar aquello que todavía cuesta decir. ☁️ Una canción que continúa el universo de “Dopamina” “Cielo, llora por mí” es el primer adelanto de “Dopamina Deluxe”, la edición extendida del álbum “Dopamina”, publicado en 2025. La canción mantiene ese carácter atmosférico que ha acompañado buena parte de la identidad de Cancamusa, con una base de dream pop y un ritmo hipnótico que sostiene la sensación de estar atrapada entre el recuerdo y el presente. La propia artista ha explicado que concibió el tema como una súplica al cielo para que la lluvia se lleve aquello que resulta demasiado difícil de cargar a solas. Esa idea resume bastante bien su evolución: después de explorar el amor, la separación y la introspección en trabajos anteriores, ahora utiliza elementos naturales y visuales para convertir emociones internas en paisajes. 🥁 De baterista a una identidad propia La historia de Cancamusa resulta especialmente interesante porque su carrera como solista llegó después de años acompañando a otros artistas. Empezó a tocar batería de niña en La Unión, Chile, estudió Música y Sonido en Santiago y posteriormente trabajó con Joe Vasconcellos, Mon Laferte y Javiera Mena, además de formar parte de Amanitas. Sus discos “Cisne” y “Amor Minimal” fueron definiendo progresivamente una identidad alejada del simple papel de baterista. En “Amor Minimal” se acercó especialmente a la canción de autor, las guitarras y el pop, mientras que “Dopamina” amplió de nuevo el componente electrónico y atmosférico. “Cielo, llora por mí” encaja en ese recorrido como una canción de desahogo y transición, donde la lluvia no representa solamente tristeza: también puede ser la manera de limpiar aquello que llevaba demasiado tiempo acumulándose. ❤️ Esta canción es para ti si.. Tienes algo dentro que todavía no sabes cómo soltar 🌧️ Hay recuerdos que regresan aunque creías haberlos dejado atrás ☁️ Necesitas llorar sin tener que explicar exactamente por qué 💧 Te gustan las canciones que convierten las emociones en paisajes 🌙 Sientes que a veces necesitas que algo más grande llore por ti 🖤
La mezzosoprano francesa de origen español falleció el 23 de septiembre de 1836 a los 28 años, tras una carrera tan deslumbrante como breve. Su vida inspiró óperas, novelas y una leyenda que aún hoy perdura. Maria de la Felicidad García nació en París el 24 de marzo de 1808. Era hija del tenor español Manuel García, uno de los músicos más influyentes de su tiempo, y hermana de Pauline Viardot, que también se convertiría en una cantante legendaria. Creció en un ambiente donde la música no era una elección, sino una imposición. Su padre, un maestro riguroso cuya severidad hacia ella era notoria, la sometió desde niña a un entrenamiento vocal de una exigencia que rozaba la crueldad. Aquella disciplina feroz, sin embargo, forjó una de las voces más extraordinarias del siglo XIX. De niña prodigio a estrella internacional Su primera aparición pública fue a los cinco años, cantando en Nápoles en Agnese de Paër. A los diecisiete, con apenas dos días de aviso, debutó en la ópera en Londres con Il barbiere di Siviglia. No era una promesa: era una realidad que deslumbraba a todos los que la escuchaban. En 1825 viajó con su familia a Nueva York, donde los García introdujeron por primera vez la ópera italiana en América. Allí, con apenas dieciocho años, se casó con el banquero François Eugène Malibran, un matrimonio que pronto se reveló desastroso. El hombre que parecía ofrecerle una vía de escape de la tiranía paterna resultó ser un error más en su vida. La unión fue breve, y tras la quiebra de su marido, Maria regresó a Europa en 1827. La consagración en París e Italia Su debut parisino en el Théâtre Italien en 1828 con Semiramide la coronó definitivamente como estrella. A partir de ahí, su carrera fue un ascenso imparable. Cantó en Londres, en Roma, en Nápoles, en Bolonia, en Milán. Se convirtió en la intérprete predilecta de Rossini y Bellini, y sus interpretaciones de Norma, La sonnambula y Desdemona en Otello se convirtieron en modelos que nadie podía imitar. Los compositores escribían para ella: Donizetti le confió el papel protagonista de Maria Stuarda, que estrenó en 1835 causando un escándalo al ignorar las modificaciones que la censura milanesa había exigido. Su voz era un fenómeno en sí mismo. Poseía una extensión extraordinaria que le permitía cantar tanto partes de contralto como de soprano, y su agilidad era asombrosa. Pero más allá de la técnica, lo que la hacía única era su temperamento: era una intérprete original y creadora, capaz de abandonarse al ímpetu de una inspiración repentina y de conmover al público con una intensidad que pocos artistas han igualado. El amor y la tragedia En 1830, mientras su primer matrimonio se desmoronaba, conoció al violinista belga Charles-Auguste de Bériot. Fue, según todas las fuentes, el gran amor de su vida. Juntos vivieron una relación que la sociedad de su tiempo no estaba dispuesta a aceptar, y no fue hasta marzo de 1836, tras la anulación de su primer matrimonio, cuando pudieron casarse. Pero la felicidad duró poco. En julio de 1836, durante una excursión a caballo en Londres, Maria sufrió una caída. Su cabeza golpeó el suelo y quedó inconsciente. A partir de aquel accidente, padeció dolores de cabeza continuos y ataques nerviosos, pero siguió trabajando. Los médicos de la época, según los estudios modernos, no supieron diagnosticar lo que hoy se considera un hematoma subdural crónico. En septiembre de 1836 acudió a un festival de música en Mánchester. Su salud se deterioró rápidamente. Los ataques nerviosos, los dolores de cabeza y los desmayos se...
El actor y cantante de country falleció el 23 de septiembre de 1982 a los 68 años. Fue uno de los últimos representantes de una estirpe que ya no volverá: la de los vaqueros que cantaban, y lo hacían con una voz que sonaba a polvo de carretera, a guitarra prestada y a una América que se desvanecía. James Clarence Wakely nació el 16 de febrero de 1914 en una cabaña de troncos en Mineola, Arkansas. Su familia se trasladó a Oklahoma cuando él era apenas un niño, y fue allí, en los ranchos de vacuno y cerdos de la Depresión, donde aprendió a montar, a trabajar y a cantar. A los siete años tomó su primera lección de música con una guitarra prestada por un indígena choctaw. No era un niño prodigio. Era un niño que escuchaba, que absorbía, que entendía que la música no era un adorno, sino una forma de vida. Murió el 23 de septiembre de 1982 en Mission Hills, California, a causa de una insuficiencia cardíaca derivada del enfisema que padecía desde años atrás. Tenía 68 años. Los años de Oklahoma En 1937, Wakely formó en Oklahoma City un grupo vocal llamado The Bell Boys, bautizado así por el patrocinio de una tienda de ropa. El grupo actuaba localmente, grababa algunos discos y emitía con frecuencia a través de la radio WKY de Oklahoma City. Entre sus miembros estaban Johnny Bond, Dick Reinhart, Scotty Harrell y Jack Cheney, nombres que luego formarían parte de la historia del country de la costa oeste. Durante una gira por Oklahoma, Gene Autry lo escuchó y lo invitó a California. Autry pensó que el trío de Wakely podría ser una buena incorporación a su nuevo programa de radio, Melody Ranch, que debutó en CBS en enero de 1940. Wakely aceptó. Se trasladó a California y se unió al programa, donde permaneció un par de años antes de dejarlo por compromisos cinematográficos y un contrato discográfico con Decca Records que se extendió de 1941 a 1947. El vaquero que cantaba En 1939, Wakely hizo su debut cinematográfico con el Jimmy Wakely Trio en un western de Roy Rogers, Saga of Death Valley. A partir de ahí, su carrera en el cine fue imparable. Apareció en películas de Hopalong Cassidy como Twilight on the Trail y Stick to Your Guns, y en 1942 participó en Heart of the Rio Grande, la única película que hizo con Gene Autry. Entre 1944 y 1949 rodó 28 westerns para Monogram Pictures, convirtiéndose en uno de los rostros más reconocibles del género de serie B. Le llamaban a veces “un Autry de bajo presupuesto”, y él respondía con una humildad que lo retrataba: “Todo el mundo le recuerda a alguien hasta que es alguien. Y prefiero que me comparen con Gene Autry que con cualquier otro. Por la gracia de Dios y de Gene Autry, tengo una carrera”. Sus películas incluían títulos como The Tulsa Kid, Deep in the Heart of Texas, Moon Over Montana, Cowboy Cavalier y Across the Rio Grande. No eran obras maestras del cine, pero eran películas honestas, hechas para un público que quería ver a un vaquero cantar, galopar y hacer justicia en menos de una hora. La música: del country al pop La carrera musical de Wakely fue igual de prolífica que la cinematográfica. Tras su etapa en Decca, fichó por Capitol Records, donde grabó la mayor parte de su obra más popular. Aunque la mayoría de sus canciones eran country western, algunas cruzaron al pop, incluyendo colaboraciones con Margaret Whiting y Karen Chandler, y la canción navideña...
Desde la escena alternativa de Los Ángeles llega untitled (halo), una banda y proyecto artístico que ha ido construyendo su identidad alrededor de una mezcla poco fácil de encasillar. Dream pop, shoegaze, slowcore, rock y electrónica conviven en una propuesta nacida de la escena DIY angelina, donde Ariana Mamnoon, Jack Dione, Jay Are y Nicholas Noneman fueron cruzando sus diferentes inquietudes creativas. “easy rider” llega el 16 de septiembre de 2026 como nuevo adelanto de su primer álbum homónimo, previsto para el 6 de noviembre a través de Dirty Hit, el sello de The 1975, entre otros artistas. 🎸 Del underground de Los Ángeles a Dirty Hit Antes de dar el salto al sello británico, untitled (halo) se había movido por el circuito independiente de Los Ángeles, organizando sus propios eventos y creando espacios para una comunidad artística que, según la propia banda, echaban de menos en la ciudad. Ese recorrido explica en parte su sonido: no parecen interesados en elegir un único género. Su música puede pasar del shoegaze al glitch-rap o de la electrónica a un rock mucho más directo. “easy rider” pertenece precisamente a este último territorio, con guitarras sencillas, textura difusa y una interpretación coral que le da un aire casi clásico. 🖤 Un amor que todavía persigue La canción gira alrededor de una relación marcada por la obsesión, la distancia y los fantasmas del pasado. La persona que habla sigue expresando afecto mientras reconoce el caos emocional que existe alrededor de esa relación. Más que una ruptura perfectamente explicada, “easy rider” transmite la sensación de estar atrapado en algo que sabes que te hace daño pero de lo que todavía no consigues desprenderte. La repetición de “I adore you” funciona casi como una contradicción frente al resto de la canción: cuanto más oscuro se vuelve el paisaje, más insiste el sentimiento. La propia banda la ha definido como una canción de amor torturada y como el cierre que resume todo lo anterior. 🌫️ Una canción que suena a despedida Musicalmente, “easy rider” se aleja de los experimentos más electrónicos de “aimee lou wood freestyle” y apuesta por un rock de guitarras difusas y melodía contenida. Stereogum la describe como un tema de guitarra de aire jangly y destaca los cambios de textura y las voces grupales que aparecen hacia el final. Ese cierre tiene especial importancia porque Ariana Mamnoon explicó que la intención era terminar el disco con una canción de rock clásica, una guitarra sencilla y un momento final en el que toda la banda canta junta. 🌙 El principio de una nueva etapa “easy rider” forma parte de un álbum debut que resume años de trabajo compartido y de búsqueda artística. El disco fue escrito durante aproximadamente un año en el estudio que la banda tiene en Glassell Park y gira alrededor de la construcción de recuerdos, identidades y mitologías personales. El salto a Dirty Hit coloca ahora a untitled (halo) ante un público mucho mayor, pero su música conserva esa sensación de proyecto nacido desde abajo, donde las canciones, las imágenes y la propia comunidad creativa forman parte del mismo universo. Con “easy rider”, la banda encuentra una manera bastante apropiada de cerrar ese primer recorrido: guitarras, voces compartidas y un amor que, aunque esté lleno de fantasmas, todavía se niega a desaparecer. ❤️ Esta canción es para ti si.. Sigues queriendo a alguien aunque sabes que aquella historia dejó demasiadas heridas 🖤 Te atrae el rock alternativo que mezcla guitarras borrosas con una atmósfera soñadora 🌫️ Hay relaciones que todavía regresan a tu cabeza aunque ya hayan terminado 🌙 Prefieres...
Begoña Vargas está viviendo en 2026 una segunda vida artística. Después de hacerse conocida como actriz en series como “La otra mirada”, “Alta mar” y, especialmente, “Berlín”, la madrileña ha recuperado una pasión que llevaba escribiendo y guardando desde niña: la música. Para esta nueva etapa ha elegido presentarse simplemente como BEGOÑA, separando así su identidad musical de la actriz. Su primer EP, “Lunar”, llegó en abril y abrió un proyecto que bebe del pop, la electrónica y la música disco. Después de “A color”, “Luna nueva”, “La luz de las orillas” y “Celeste”, “Spanish Girl” muestra una cara más juguetona y nocturna de la artista. ESCUCHAR.. 🎧Canción A Color de la Cantautora Begoña Vargas 💋 Una mirada que ya lo dice todo “Spanish Girl” empieza con un juego de miradas que rápidamente se convierte en una invitación. La protagonista sabe perfectamente lo que está provocando y no tiene intención de esconderlo: quiere acercarse, bailar, besar y conocer a esa persona que ha conseguido llamar su atención. La letra juega constantemente con esa contradicción entre la apariencia angelical y una actitud mucho más atrevida. Hay coquetería, humor y una seguridad que convierte el flirteo en el verdadero motor de la canción. ESCUCHAR.. 🎧Mya Durán convierte el silencio y la presión en un grito de auxilio con “Me Falta Voz” 🍸 Una noche para no mirar el reloj El Martini, la luna, el baile y la invitación a entrar en su apartamento construyen una escena muy concreta: una noche que acaba de empezar y que nadie quiere dar por terminada. BEGOÑA no plantea aquí un romance complicado, sino la emoción de dejarse llevar por una atracción inmediata. El estribillo insiste en esa sensación de vértigo: si besa como mira, puede ser peligroso; si baila como habla, todavía más. Es una canción de seducción directa, pero presentada con un punto juguetón que evita que todo resulte demasiado solemne. ESCUCHAR.. 🎧Vita intenta construir un corazón de acero después del adiós en “Dejar de Dolerte” 💃 BEGOÑA encuentra su personaje musical La transformación de Begoña Vargas en BEGOÑA no supone abandonar la interpretación, sino ampliar su manera de expresarse. La danza fue su primer contacto con el escenario, después llegó la interpretación y ahora la música le permite reunir canto, baile, actuación, moda y puesta en escena dentro de un mismo proyecto. Ella misma ha definido el futuro de su música como “disco pop”, aunque también ha adelantado que su próximo álbum tendrá espacio para baladas y otros sonidos. “Spanish Girl” encaja especialmente bien en la parte más bailable de ese universo, con una protagonista que parece haber decidido disfrutar de la noche sin pedir permiso. ESCUCHAR.. 🎧Masha Palazzo se entrega al deseo sin mirar el reloj en el reguetón sensual de “Bésame Lento” ❤️ Esta canción es para ti si.. Te encanta ese momento en que una mirada ya dice demasiado 💋 Te gustan las canciones de coqueteo con un punto descarado 🍸 Has salido una noche pensando que volverías pronto y acabaste perdiendo la noción del tiempo 🌙 Tienes una cara angelical que no siempre cuenta toda la historia 😏 Te apetece bailar y dejar que la noche decida qué ocurre después 💃
¿Qué dirías si supieras que no queda tiempo para mañana? Esa pregunta está detrás de “Antes De Que El Mundo Se Acabe”, el single con el que Paty Cantú abrió una nueva etapa en 2026. La canción parte de una idea sencilla: dejar de aplazar las palabras importantes y decirle a quienes queremos lo que significan mientras todavía estamos a tiempo. ESCUCHAR.. 🎧Immasoul se deja llevar por el deseo en “Pienso en Ti” ❤️ Una declaración antes del último día Paty Cantú no utiliza el fin del mundo como una imagen apocalíptica, sino como una excusa para poner el amor en primer plano. La protagonista sabe exactamente qué quiere conservar si todo terminara: la persona que ama, su abrazo y esos momentos cotidianos que normalmente damos por seguros. La canción habla de urgencia emocional, pero sin convertirla en tragedia. El mensaje es más cercano: si hay algo que quieres decir, dilo ahora; si quieres abrazar a alguien, hazlo ahora. La propia Cantú explicó que se preguntó qué necesitaría decir si aquel fuera su último día y qué cosas no querría dejar pendientes con su familia, pareja y amigos. ESCUCHAR.. 🎧La ama pero lo que más le duele es imaginarla feliz con alguien más: Ria, Jasiel Nuñez – “Perderte” ⏳ El tiempo como enemigo Musicalmente, el tema se mueve dentro del pop y utiliza una melodía accesible para acompañar una letra completamente centrada en el presente. Apple Music también lo clasifica como pop. El paso de los segundos aparece como una presión constante: no porque haya que hacer grandes cosas antes del final, sino porque cada minuto junto a alguien querido adquiere otro valor cuando imaginamos que puede ser el último. Y de ahí sale una de las imágenes más bonitas de la canción: querer guardar un instante, como si fuera posible detener el reloj durante un abrazo. 🎬 Una historia que continúa en el videoclip El videoclip lleva esa reflexión a una historia concreta. Regina Blandón interpreta a una mujer que recibe un mensaje avisándole de que su madre está muriendo y decide abandonar todo para llegar hasta ella. La carrera hacia el hospital convierte en imágenes la misma pregunta que plantea la canción: ¿qué haríamos si realmente no quedara tiempo para después? Así, canción y vídeo terminan hablando de lo mismo desde dos lugares distintos. Una declaración amorosa y una despedida familiar comparten una idea: no esperar a que una situación límite nos obligue a decir aquello que ya deberíamos haber dicho. ESCUCHAR.. 🎧Miranda León encuentra un refugio para dos lejos del ruido de la Tierra en “Vámonos a Marte” 🎙️ Una nueva etapa para Paty Cantú “Antes De Que El Mundo Se Acabe” también sirve como puerta de entrada a una etapa diferente dentro de la carrera de Paty Cantú. La cantante y compositora de Guadalajara comenzó profesionalmente en el dúo Lu antes de iniciar su carrera como solista, consolidándose después dentro del pop mexicano. En “Basado En Una Historia Real”, la artista reúne ocho canciones que exploran diferentes relatos y emociones, entre ellas “La Ridícula Idea” junto a Matisse, “Todo Lo Que Está Mal”, “Tres Veces” y “Celos”. “Antes De Que El Mundo Se Acabe” ocupa el último lugar del proyecto y funciona como una pieza especialmente luminosa dentro de ese conjunto. Más que imaginar el final, Paty Cantú propone aprovechar lo que todavía tenemos: decirlo, abrazar, viajar, volver a un lugar querido y no guardar para mañana aquello que importa hoy. ESCUCHAR.. 🎧A prueba solo para comprobar que aún tienes razones para quedarte: Ivana – “Quiéreme así” ❤️ Esta canción es para ti si.. Hay...