El pianista, arreglista y director musical falleció el 17 de octubre de 2009 en el Hospital Clínico de Barcelona a los 69 años, a consecuencia de un derrame cerebral. Fue uno de los solistas de jazz más destacados del panorama español y al mismo tiempo, el hombre invisible detrás de las carreras de Nino Bravo, Rocío Jurado, Lola Flores o Isabel Pantoja. Su vida fue la de un músico de músicos: indispensable, respetado y a menudo, desconocido para el gran público. Manuel Gas Cabré nació en Barcelona en 1940, en el seno de una familia donde el espectáculo era una herencia. Hijo del cantante lírico bajo Manuel Gas y de la bailarina Ana Cabré (hermana del actor y torero Mario Cabré), creció entre bambalinas en el ambiente teatral de los años cuarenta y cincuenta. Su hermano, Mario Gas, se convertiría en uno de los directores escénicos más importantes del país, y con él colaboraría en numerosas ocasiones hasta convertirse en su director musical de cabecera. Estudió en el Conservatorio Municipal de Barcelona con los maestros Gibert Camins (piano), Zamacois (armonía y composición) y Juan Masia (música de cámara). Su formación clásica era sólida, pero su vocación pronto tomó otro rumbo. En los años sesenta, la escena jazzística de Barcelona vivía un momento de efervescencia, y Gas se sumergió en ella sin reservas. El jazz como escuela de libertad En los años sesenta, Gas se fogueó con la crema del jazz internacional que visitaba Barcelona: Gerry Mulligan, Stéphane Grappelli, Guy Lafitte, Bill Coleman. Fue una época de aprendizaje intensivo, de noches en clubes, de improvisación sin red. “La fascinación por el jazz de todo músico de raza, que ve en ese género la máxima expresión de la libre inspiración y el virtuosismo”, escribió Carlos Toro en su obituario para El Mundo. Pero Gas no era un pianista de jazz al uso. Pronto se dio cuenta de que en Barcelona no podía competir con Tete Montoliu, el genio indiscutible del piano jazzístico español. Lejos de rendirse, tomó una decisión estratégica: se pasó al órgano Hammond y al piano eléctrico, instrumentos que le permitieron desarrollar una voz propia y diferenciada. Fue una elección inteligente, pero también reveladora de su carácter: no le importaba renunciar al lucimiento personal si con ello encontraba un camino donde pudiera brillar de verdad. La Tinto Brass Band y el éxito popular A finales de los sesenta, Gas se instaló en Madrid y comenzó a trabajar como músico de sesión en infinidad de grabaciones. Participó en los primeros pasos de la fusión del flamenco y el jazz junto a Pedro Iturralde, con quien formó una “parceria” especialmente productiva. En los setenta inició su carrera como solista adaptando éxitos pop del momento, tanto españoles como internacionales. Interpretó versiones de creadores tan distintos como Spencer Davis Group, Santana, Los Módulos, Bee Gees, Beatles o The Archies. Formó parte de orquestas como la Radio Topolino Orquesta (un homenaje nostálgico a las formaciones de baile de los años treinta y cuarenta) y estuvo al frente de otras como la Tinto Brass Band o la Latin Combo, con las que actuaba en las cavas dedicadas al jazz. Sus discos de la Tinto Band Bang, con Pedro Iturralde al saxo, se convirtieron en superventas y le dieron una fama inesperada en el circuito comercial. Pero aquello no era lo que Gas buscaba. Su corazón seguía en el jazz. El director musical de las grandes estrellas Si hay una faceta que define la carrera de Manuel Gas, es la de director musical. Durante décadas, fue el hombre de confianza de algunas de las voces más...
Pianistas
Una de las efemérides de hoy, 25 de septiembre es, es realmente muy especial puesto que está dedicada a la posible mejor artista española de todos los tiempos. La mujer española que hasta el momento posee más Grammys de siempre, con la cifra de 4. En segunda posición de los artistas españoles con más grammys de toda la historia, junto a Alejandro Sanz. Y únicamente superados por Plácido Domingo, que cuenta hasta con 12 Grammys en sus manos. Ella, además, recibió el Premio Principe de Asturias de las Artes en 1994. El jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes, que le fue concedido en 1994, la definió como “la mejor pianista del mundo” y “maestra de músicos”. Alicia de Larrocha en uno de sus conciertos entre 1940/1960 Esto, NO era ninguna exageración puesto que su técnica impecable, su sonido limpio y su capacidad para hacer cantar al piano la convirtieron en toda una referencia en una amplia cantidad de pianistas de diferentes generaciones. Fue, la primera artista española en recibir el Premio UNESCO (1995) y también, fue distinguida con el Premio Nacional de Música (1984), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1982), la Legión de Honor Francesa y la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983). Hablamos de ALICIA DE LARROCHA. La que para muchos, es una total y completa desconocida a pesar de ser muy probablemente, la mejor pianista de toda la historia de España e incluso, la calificada por muchos: mejor pianista del mundo durante el siglo XX. Aún hoy es, considerada una de las grandes leyendas del piano del siglo XX, con una carrera de más de setenta años a sus espaldas, que la llevaron a ofrecer casi cuatro mil conciertos por los cinco continentes y a convertirse en la principal embajadora de la música clásica española a lo largo de todo el mundo. Los inicios de Alicia de Larrocha Alicia de Larrocha y de la Calle nació en Barcelona el 23 de mayo de 1923, en el seno de una familia de profunda tradición musical. Su padre, Eduardo de Larrocha, era violinista aficionado y tanto su tía como su madre habían sido discípulas de Enrique Granados. Creció, por tanto, en un ambiente donde la música no era una elección, sino una herencia. Alicia de Larrocha en su infancia, en una de sus primeras fotografías junto a un piano Su vocación se manifestó de forma precoz: antes de aprender a escribir, ya garabateaba sobre las teclas del piano de su tía Carolina. Su formación estuvo marcada por una figura decisiva: Frank Marshall, continuador de la Academia Granados en Barcelona. Marshall no solo fue su maestro, sino el arquitecto de su técnica y de su sensibilidad. A través de él, De Larrocha entró en contacto con los grandes pianistas de la época que visitaban la academia, como Arthur Rubinstein, Emil von Sauer o Alfred Cortot. Rubinstein, impresionado por el talento de aquella niña de seis años, le regaló una pulsera con un cerdito colgante y dos fotografías suyas: una con cara seria, “la que pongo cuando toco” y otra sonriente, “la que pongo cuando te escucho a ti pequeña Alicia”. Una niña prodigio con vocación de leyenda Su primera presentación pública tuvo lugar en mayo de 1929, en la Academia Marshall de Barcelona, interpretando obras de Bach, Mozart y Granados. A los once años debutó con orquesta en el Palau Municipal de Belles Arts de Barcelona y a los doce lo hizo en Madrid con la Orquesta Sinfónica, dirigida por Enrique Fernández Arbós. La Guerra Civil española interrumpió su...
Hoy 15 de septiembre de 2026, se cumplen exactamente cuarenta y seis años desde que el jazz perdió a su pensador más sensible. Y sin embargo, cada vez que un acorde suspendido queda flotando en el aire, cada vez que el piano deja de ser un instrumento de percusión para convertirse en un susurro, Bill Evans sigue vivo. Porque él no fue solo un pianista; fue el hombre que enseñó al jazz a respirar, el arquitecto de una armonía impresionista que transformó el ruido en emoción pura, y el genio silencioso que demostró que la verdadera revolución no siempre necesita gritar. Hay músicos que tocan para dominar el instrumento, y hay músicos que tocan para que el instrumento los domine a ellos, revelando verdades que las palabras no pueden alcanzar. Bill Evans perteneció a esta segunda estirpe. Fue compositor, líder de trío y un visionario de la armonía. Pero si hay algo que definió su existencia, fue su búsqueda incansable de la belleza frágil. Mientras el bebop de los años 50 se centraba en la velocidad y la virtuosidad frenética, Evans se detuvo. Bajó el volumen, exploró los espacios entre las notas y convirtió el trío de jazz en una conversación íntima y democrática. Sin Bill Evans, el jazz moderno no tendría su columna vertebral armónica. Y sin él, álbumes como Kind of Blue no habrían cambiado para siempre la historia de la música. William John Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, el 16 de agosto de 1929, y falleció en Nueva York el 15 de septiembre de 1980, a los 51 años. Cuarenta y seis años después, su legado nos recuerda que el genio a menudo camina de la mano con la vulnerabilidad, y que la música más sublime nace de las heridas más profundas. De la música clásica a la revolución silenciosa Evans creció con una formación clásica sólida, devorando a Chopin, Debussy y Ravel. Esa influencia fue la semilla de su sonido: un enfoque impresionista donde los acordes no solo marcaban el ritmo, sino que pintaban paisajes emocionales. Al llegar a Nueva York a finales de los 50, se encontró con un entorno dominado por la agresividad del hard bop. En lugar de unirse a la carrera armamentística de las notas rápidas, Evans ofreció algo radicalmente distinto: introspección, delicadeza y una capacidad única para tejer filigranas melódicas que parecían desvanecerse antes de tocar el suelo. 1959: El alma de Kind of Blue El punto de inflexión en su carrera, y en la historia del jazz, llegó cuando Miles Davis lo invitó a unirse a su sexteto. Davis buscaba un nuevo sonido, algo que se alejara de los cambios de acordes frenéticos. Evans, con su conocimiento de la música modal y su sensibilidad única, fue la pieza clave. Fue él quien aportó la base teórica y la atmósfera etérea de Kind of Blue (1959), el álbum de jazz más vendido y aclamado de todos los tiempos. Su composición “Blue in Green” (coescrita con Davis) y su introducción pianística en “So What” no son solo partes de un disco; son el momento en que el jazz aprendió a flotar. Evans no tocaba sobre la banda; tocaba con ella, creando un colchón sonoro que permitía a Coltrane y a Adderley volar. La revolución del trío: LaFaro y Motian Si Kind of Blue fue su contribución al genio colectivo, su propio trío fue su obra maestra personal. A finales de 1959, formó un grupo con el bajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian que redefinió por completo la dinámica del jazz. Antes de ellos, el trío de jazz era...
Lanzado oficialmente en 2004 Dentro de “Historias”, José Luis Altarmiano encuentra en “Piano Lounge” uno de esos momentos en los que no hace falta correr hacia ningún sitio. El piano se convierte en protagonista de una pieza íntima, serena y envolvente, construida para dejar espacio a las sensaciones. El tema respira con una elegancia cercana al lounge y al jazz más accesible, creando una atmósfera cálida que invita a bajar el ritmo. No busca imponerse, sino acompañar: una melodía para escuchar con calma, mientras los pensamientos encuentran su propio camino. “Piano Lounge” encaja así en el espíritu de “Historias”, un álbum que utiliza la música como una forma de contar y evocar momentos. Aquí, la historia parece contarse sin palabras, únicamente a través de las teclas y de ese particular equilibrio entre nostalgia, tranquilidad y belleza. Una pequeña pausa dentro del álbum, pero también una de esas piezas que demuestran que un piano puede decir mucho sin necesidad de explicar absolutamente nada.