Miguel Ángel González Cantú, conocido artísticamente como Srath, fue uno de los integrantes de Mente En Blanco, colectivo de rap nacido en San Nicolás de los Garza, Nuevo León, que se convirtió en uno de los nombres más reconocibles del rap independiente de aquella zona durante finales de los 2000 y comienzos de los 2010. Su historia quedó inevitablemente ligada a la de Adán Zapata, fundador y una de las figuras principales de Mente En Blanco. Pero Srath desarrolló también su propia personalidad dentro del grupo, participando en canciones que reflejaban el ambiente, las amistades, los conflictos y la vida de barrio que caracterizaban aquella escena. Su muerte, ocurrida apenas unos meses después del asesinato de varios compañeros de Mente En Blanco, convirtió 2012 en uno de los capítulos más oscuros de la historia del grupo. Los comienzos de Srath junto a Mente En Blanco Miguel Ángel González Cantú nació el 25 de septiembre de 1990 en Monterrey, Nuevo León. Durante su juventud se incorporó a Mente En Blanco, en una etapa en la que el colectivo comenzaba a ganar notoriedad dentro de la escena del rap mexicano. Mente En Blanco había comenzado como un proyecto vinculado a la escena local y fue creciendo progresivamente hasta conseguir una importante audiencia a través de internet. El grupo terminó reuniendo a varios artistas, entre ellos Adán Zapata, Srath, Nekzo One, Mistyko, Nara, Diego Salvatore, Thug Pol y DJ Esus. Uno de los temas que ayudó a ampliar la popularidad del colectivo fue «Borrachos y Grifos», una canción que terminó convirtiéndose en una de las grabaciones más recordadas de aquella etapa. Srath formó parte de esa generación de jóvenes artistas que encontraron en internet una manera de distribuir su música sin depender de las grandes discográficas. Un rap nacido del barrio La música de Mente En Blanco estaba profundamente relacionada con San Nicolás de los Garza y la colonia México Lindo, lugares fundamentales para comprender la identidad del grupo. Sus canciones hablaban de los amigos, la calle, las fiestas, el alcohol, la marihuana, las relaciones sentimentales, los conflictos y la pertenencia al barrio. En el caso de Srath, esa personalidad podía aparecer tanto en canciones de actitud callejera como en composiciones más sentimentales. Su participación en temas como «Borrachos y Grifos» o «Hoy Brindaré Por Ti» muestra esas dos caras. No era únicamente un rapero de discurso agresivo. También podía adoptar un tono más cercano y emocional cuando la canción lo requería. La obra de Srath La mayor parte de su obra está estrechamente relacionada con Mente En Blanco y con las colaboraciones realizadas junto a otros miembros del colectivo. Entre las grabaciones asociadas a su trayectoria aparecen «Borrachos y Grifos», «Hoy Brindaré Por Ti», «Nadie Escoge Su Destino» y «Somos De Barrio», además de diferentes colaboraciones con Adán Zapata y Thug Pol. Posteriormente apareció material publicado bajo su nombre, entre el que destaca el EP Recordatorio, lanzado de forma póstuma en 2020. El lanzamiento reúne canciones como «Acompáñame a Estar Solo», «Mundo de Tristezas», «Perros de Guerra» y «QEPD Adán Zapata Mireles Mente En Blanco». Estas publicaciones son posteriores a su fallecimiento y forman parte del material que continuó apareciendo en plataformas digitales después de su muerte. 2012: la tragedia que golpeó a Mente En Blanco El año 2012 fue especialmente trágico para Mente En Blanco. El 1 de junio de 2012, Adán Zapata, DJ Esus y Diego Salvatore fueron asesinados junto a Héctor Daniel Almaraz Huerta durante un ataque armado. La muerte de Adán supuso un golpe enorme para el entorno del grupo y para sus seguidores; pero apenas unos...
Existe artistas que llegan con una fuerza tan arrolladora, con una verdad tan cruda en sus letras, que parece que el mundo no tiene tiempo suficiente para contenerlos. Joshua Ribera, conocido para el mundo del rap como Depzman, fue exactamente eso. Con apenas 18 años, no solo estaba rapeando; estaba documentando la realidad más descarnada de Birmingham con una madurez y un dolor que asustaban. Su historia no es solo la de un talento prematuramente interrumpido, sino la de un joven que vivió y murió al ritmo de las calles que él mismo describía en sus pistas. Birmingham, en los albores de la década de 2010, estaba gestando su propia identidad dentro del rap y el grime británico, alejándose de la sombra de Londres. En el centro de esa efervescencia estaba Depzman. Su estilo era único: una mezcla de agresividad callejera y una melancolía profunda, casi fatalista. No rapeaba para presumir de coches o joyas; rapeaba sobre la supervivencia, la traición, la lealtad y la sombra constante de la violencia. Su música sonaba como una advertencia y trágicamente, terminó siendo su propia profecía. El punto de inflexión de su corta carrera llegó con su mixtape/álbum 2 Real. El proyecto fue una revelación. Tracks como “Depzman” o “Know Me” mostraban a un artista que tenía el control absoluto de su flujo, capaz de pasar de la introspección más dolorosa a la rabia más explosiva en cuestión de segundos. La escena del UK rap empezó a prestar atención. Las calles de Birmingham lo veneraban y su nombre empezaba a cruzar las fronteras del país. Justo antes de cumplir los 19, 2 Real alcanzó el número 1 en la lista de iTunes de hip-hop. Por un momento, pareció que el chico de Birmingham iba a conquistar el mundo. Pero la realidad de las calles que tanto cantaba no perdona, y el destino de Depzman estaba escrito con la misma tinta oscura que sus letras. El 21 de septiembre de 2013, la tragedia golpeó con una brutalidad inimaginable. Depzman, que acababa de cumplir los 18 años, se encontraba fuera de una discoteca en Birmingham.. Y lo que debería haber sido una noche de celebración o simple diversión con amigos se convirtió en una pesadilla en cuestión de segundos. Según los informes policiales y los testigos, se desató una altercado fuera del local. En medio del caos, la situación escaló violentamente. Depzman recibió una puñalada directa en el corazón. A pesar de los desesperados esfuerzos por salvarle la vida y su traslado urgente al hospital, la herida era fatal. El joven que había dedicado su arte a narrar los peligros de su entorno, fue reclamado por ese mismo entorno. La ironía era desgarradora: el narrador de las calles había caído por la violencia de las calles. Depzman estaba en esa discoteca por una fiesta benéfica, en memoria de su amigo Kyle Sheehan, quien había sido asesinado exactamente un año antes también con un arma blanca. La noticia de su muerte envió un shockwave a través de todo el Reino Unido. La escena del rap y el grime, que a menudo se enfrenta al estigma de glorificar la violencia, tuvo que mirar al espejo y enfrentar la pérdida de uno de sus hijos más brillantes. En los días posteriores a su muerte, su música experimentó un aumento masivo en reproducciones y descargas, consolidando ese número 1 en iTunes no como un triunfo comercial, sino como un homenaje póstumo de una generación que se sentía identificada con su dolor. El responsable del asesinato fue Armani Mitchell, que también tenía 18 años en aquel momento. Fue acusado...
“He met Marmalade down in old New Orleans…” Esa frase, cantada con una mezcla perfecta de picardía, potencia y un toque de peligro, es probablemente una de las introducciones vocales más reconocibles en la historia de la música popular. Y la voz que la pronunció, la que estableció el tono para uno de los himnos más grandes del siglo XX, pertenecía a Sarah Dash. Pero reducir a Sarah Dash a esa única línea sería hacerle un flaco favor. Ella fue mucho más que la voz inicial de un éxito; fue una fuerza de la naturaleza, una pionera del funk y el rock, y el pegamento vocal que mantuvo unido al legendario trío LaBelle. Nacida en Trenton, Nueva Jersey, en 1945, Sarah creció en un entorno donde el góspel y el R&B eran el aire que se respiraba. Su talento era tan evidente y desbordante que, siendo apenas una adolescente, ya lideraba grupos vocales. Fue en uno de esos grupos, The Ordettes, donde coincidió con una joven Patti LaBelle. Juntas, y más tarde con la incorporación de la brillante Nona Hendryx, formarían LaBelle. Pero no eran las típicas chicas de los grupos vocales de los 60, con vestidos a juego y coreografías rígidas. Bajo la visión vanguardista de Hendryx y la potencia de Dash, el grupo se transformó. Se pusieron trajes espaciales plateados, adoptaron una estética glam-rock y empezaron a cantar sobre liberación, sexualidad y empoderamiento con una ferocidad que el mundo nunca había visto. El punto culminante de esa revolución llegó en 1974 con “Lady Marmalade”. Producida por el genio de Allen Toussaint, la canción era una explosión de funk, ópera y calle. Y fue Sarah, con su tono aterciopelado pero con filo de acero, quien tuvo el honor de cantar ese primer verso icónico, atrapando al oyente desde el primer segundo y lanzando la canción hacia el número 1 en las listas de todo el mundo. Sarah no solo cantaba la canción; la habitaba. Cuando LaBelle se disolvió en 1977, muchas predijeron que las miembros se desvanecerían en el olvido. Sarah Dash demostró que estaban equivocadas. Embarkó en una carrera en solitario feroz e independiente, lanzando álbumes como Sassy (1978) y I’m Not Fireproof (1980), donde exploró el disco, el rock y el soul con una libertad creativa absoluta. Pero donde su verdadera magia se volvió un secreto a voces en la industria fue en los estudios de grabación. Sarah se convirtió en una de las coristas y voces de sesión más codiciadas y respetadas de la historia. Si escuchas con atención, la voz de Sarah Dash está en algunos de los discos más importantes del rock y el pop. Cantó con los Rolling Stones, Bruce Springsteen, Cyndi Lauper, Lou Reed y un larguísimo etcétera de leyendas. No necesitaba ser la estrella del cartel para brillar; su profesionalismo, su increíble rango vocal y su capacidad para elevar cualquier canción la convirtieron en la “cantante de las cantantes”. Era el arma secreta que los grandes artistas llamaban cuando necesitaban que una pista sonora cobrara vida de verdad. Sarah Dash falleció el 20 de agosto de 2021 en Nueva York, a los 76 años, tras una larga y valiente batalla contra el cáncer. Se fue como vivió: con dignidad, rodeada del respeto de una industria que sabía que había perdido a una de sus voces más auténticas y versátiles. Hoy, cada vez que una artista femenina decide romper las reglas de su género, fusionar estilos o simplemente cantar con una verdad que eriza la piel, el espíritu de Sarah Dash está ahí. Ella nos enseñó que la verdadera elegancia no...
Existen amores que terminan mucho antes de que uno consiga despedirse de ellos. Se acaba la relación, desaparece la esperanza y hasta cambia la manera de mirar aquella historia, pero queda algo debajo de la tierra que insiste en volver. “mala hierba” convierte precisamente esa persistencia en una de las imágenes más bonitas y dolorosas del nuevo universo de Paula Pera y el fin de los Tiempos. El tema forma parte de “noquieroquemequieras”, el segundo álbum de estudio del proyecto bogotano, publicado el 22 de mayo de 2026. Un disco de diez canciones construido alrededor de las distintas caras del amor y el desamor, nacido también de conversaciones nocturnas con amigas y de experiencias personales de Paula Pedraza. 🌧️ Una canción para cuando el amor ya se convirtió en cansancio La protagonista de “mala hierba” ya ha llegado a una conclusión importante: quizá aquello que parecía destinado a convertirse en el gran amor de su vida estaba construido, en buena medida, sobre una idealización. Y reconocerlo no significa que deje de doler. Ahí aparece uno de los grandes aciertos de la canción. Paula no presenta el desamor como una ruptura limpia, sino como un proceso incómodo en el que entender la realidad y conseguir aceptarla ocurren a velocidades diferentes. La cabeza puede saber que una relación no funcionaba mientras el corazón continúa atrapado en sus restos. La imagen de la mala hierba resume perfectamente esa contradicción. Algo que parece muerto vuelve a aparecer, se resiste a desaparecer y obliga a regresar una y otra vez al mismo lugar para intentar arrancarlo. 🥀 De la “nostalgia pop” a un universo cada vez más amplio Paula Pedraza lleva varios años construyendo una identidad muy particular dentro de la escena alternativa de Bogotá. Ella misma ha definido su música como “nostalgia pop”, mientras que su propuesta ha sido relacionada con el indie rock, el dream pop y el synth pop, mezclados con referencias de la canción romántica latinoamericana y la llamada música de plancha. El proyecto comenzó a tomar forma durante una etapa en la que Paula trabajaba como cantante en cruceros, entre 2019 y 2020. Allí empezó a escribir canciones que acabarían convirtiéndose en parte de su universo artístico, atravesadas por la nostalgia, el desamor y esa incertidumbre tan característica de crecer mientras todavía intentas averiguar quién quieres ser. Antes de consolidar su propio nombre, además, su voz apareció junto a Esteman en “Difícil Querer”, una colaboración que ayudó a acercarla a un público más amplio dentro de la escena alternativa colombiana. También dejó canciones como “Antes de los 30”, junto a Nicolás y los Fumadores, y “Bajo el Cielo Azul”, que ya mostraban esa mezcla entre sensibilidad pop, melancolía y escritura íntima. 🌊 Un proyecto que creció desde Bogotá hacia fuera El salto definitivo llegó con “FIN DE LOS TIEMPOS”, su primer álbum de estudio, publicado en 2024. El disco reunió canciones como “Los Domingos”, “Problemas de Casa”, “Noche Humana”, “Ojos de Cielo”, “Adiós” y “Se Trata de Estar”, ampliando un imaginario que ya venía creciendo desde sus primeros lanzamientos. Ese recorrido llevó a Paula hasta escenarios como Estéreo Picnic y BIME Live, además de recibir nominaciones a los Premios Nuestra Tierra en categorías relacionadas con el rock/indie alternativo. En 2023 también ganó Rompe Colombia, iniciativa de Amazon Music destinada a impulsar artistas emergentes del país. Pero quizá lo más interesante de esta etapa es que Paula no parece interesada en encajar cómodamente en una sola etiqueta. En una entrevista reciente explicaba que se siente como una artista de indie y pop, aunque sin ser estrictamente pop ni rock, y...
**Hoy, 20 de septiembre de 2026, se cumplen dos años de su muerte. Y en cada episodio de Lycoris Recoil, en cada apertura de My Hero Academia, en cada rincón de internet donde un fan comparte su música, Sayuri sigue viva. Porque ella no fue solo una cantante: fue la voz de una generación de anime, una artista que convirtió el dolor en melodía y la vulnerabilidad en un lenguaje universal.** Hay artistas que nacen para cantar. Y hay artistas que nacen para contar historias. Sayuri perteneció a esta segunda estirpe. Fue cantautora, guitarrista y compositora, y su música acompañó algunos de los animes más importantes de la última década. Su voz, frágil y poderosa a la vez, sonaba como un susurro que se convertía en grito, como una confesión que se transformaba en himno. Tenía 28 años cuando murió, el 20 de septiembre de 2024, tras una larga lucha contra una enfermedad crónica que le arrebató la voz antes que la vida. Sayuri nació el 7 de junio de 1996 en Fukuoka, Japón. Comenzó a componer en su segundo año de secundaria, inspirada por la música de Kanjani Eight. En 2015, con solo 18 años, lanzó su sencillo debut “Mikazuki” , que se convirtió en el tema final del anime Rampo Kitan: Game of Laplace. Fue el inicio de una carrera que, aunque breve, dejó una huella imborrable en la industria del anime y en el corazón de millones de fans. De Fukuoka al mundo del anime Sayuri creció en Fukuoka, en el sur de Japón. Desde muy joven mostró un interés profundo por la música, influenciada por bandas como Kanjani Eight, que la inspiraron a tomar la guitarra. Su estilo se fue forjando en la intimidad de su habitación, donde componía canciones que hablaban de la soledad, la esperanza y la búsqueda de identidad. En 2015, su vida cambió para siempre. “Mikazuki” , su primer sencillo, fue elegido como tema final de Rampo Kitan: Game of Laplace, una serie de misterio y suspense que conectó perfectamente con la atmósfera melancólica de su voz. El tema fue un éxito inmediato y estableció a Sayuri como una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical japonés. A partir de ahí, su carrera fue una sucesión de colaboraciones con algunos de los animes más populares de la época. Su música no era un simple acompañamiento: era una extensión emocional de las historias, un vehículo para que los sentimientos de los personajes llegaran más hondo. Los himnos de una generación Sayuri cantó para algunas de las series más importantes de la última década. Cada canción suya era un pequeño universo emocional, y cada una dejó una marca imborrable en los fans. “Sore wa Chiisana Hikari no Youna” (2016): tema final de Erased, un anime sobre viajar al pasado para corregir errores. La canción capturaba a la perfección la melancolía y la esperanza de la serie. “Heikousen” (2017): tema final de Scum’s Wish, un anime sobre el amor prohibido y las relaciones tóxicas. La canción, con su tono agridulce, se convirtió en un himno para los fans de la serie. “Tsuki to Hanataba” (2018): tema final de Fate/EXTRA Last Encore, una canción que combinaba la grandiosidad del anime con la intimidad de su voz. “Reimei” (2018): en colaboración con MY FIRST STORY, fue el segundo opening de Golden Kamuy, un tema que demostró su versatilidad para adaptarse a sonidos más enérgicos. “Koukai no Uta” (2019): tema final de la cuarta temporada de My Hero Academia. Una canción que se convirtió en un himno de superación y que ella misma interpretó en...
Hoy, 20 de septiembre de 2026, se cumplen 118 años de su muerte. Y en cada nota de Zigeunerweisen, en cada frase de la Fantasía de Carmen, en cada joven violinista que sueña con hacer cantar a las cuatro cuerdas, Pablo de Sarasate sigue vivo. Porque él no fue solo un virtuoso: fue el hombre que le enseñó a Europa que España no solo tenía duende, también tenía técnica. Y la tenía mejor que nadie. Hay artistas que dominan su instrumento. Y hay artistas que reescriben lo que ese instrumento puede hacer. Pablo Martín Melitón de Sarasate y Navascués perteneció a esta segunda estirpe. Fue el violinista más admirado de la segunda mitad del siglo XIX, un niño prodigio que a los ocho años ya daba conciertos y que a los trece ganaba el primer premio del Conservatorio de París. Pero su grandeza no se medía solo en premios: se medía en la capacidad de hacer que un instrumento de madera y tripa sonara como una voz humana, como un lamento gitano, como un zapateado andaluz. Pablo de Sarasate murió en su residencia Villa Navarra de Biarritz el 20 de septiembre de 1908, a los 64 años. La noticia recorrió el mundo en pocas horas. Ramiro de Maeztu escribió desde Londres: *”Todos los periódicos de Londres consagran hoy una columna entera a Pablo Sarasate. De ningún otro español contemporáneo escribirían otro tanto el día de su muerte. Era el más alto prestigio español fuera de las fronteras”*. Ciento dieciocho años después, esa afirmación sigue siendo cierta. De Pamplona a París: el niño que aprendió a leer en el pentagrama Pablo de Sarasate nació en Pamplona el 10 de marzo de 1844, en la calle de San Nicolás, hijo de un músico militar, director de la banda del Regimiento de Aragón. Fue bautizado como Martín Melitón, y usó ese nombre hasta que consolidó su carrera como virtuoso, momento en el que adoptó el de Pablo. Su padre lo describió mejor que nadie: “Conoció los signos musicales antes que las letras del alfabeto, y por tanto aprendió a leer antes en el pentagrama que en los libros”. No era una exageración. A los siete años ya tomaba lecciones de violín en La Coruña, y a los diez dio su primer concierto público, al que asistió la viuda del general Espoz y Mina, quien se ofreció a costearle profesores y le habilitó una pensión anual. En Madrid estudió con Manuel Rodríguez, discípulo de Armingaud, y actuó ante la reina Isabel II, que quedó tan impresionada que le concedió una pensión para estudiar en París. A los doce años ingresó en el Conservatorio de París, donde estudió con Jean-Delphin Alard. En 1857, con trece años, ganó el primer premio de violín del Conservatorio, y en 1859 repitió el logro. Era, en palabras de la musicóloga María Nagore Ferrer, “un niño prodigio en una época en la que la precocidad musical estaba de moda”. El violinista que hizo cantar a las cuerdas Lo que distinguía a Sarasate de otros virtuosos de su tiempo no era solo su técnica, impecable, sino su sonido. Los críticos hablaban de “la pureza y dulzura de su tono” y de una “técnica impecable”. Su arco no atacaba las cuerdas: las acariciaba, las hacía hablar. Era, en palabras de sus contemporáneos, un heredero espiritual de Paganini, pero con una elegancia y un refinamiento que el genovés nunca tuvo. No era un intérprete de masas que buscara el espectáculo vacío. Era un artista aristocrático, que vestía con una elegancia impecable y se movía por el escenario con una naturalidad que desarmaba....
Kim Petras convierte una carretera en el escenario mental de una persona que no consigue dejar atrás a alguien que no siente lo mismo, mientras el paisaje, los coches y el humo funcionan casi como extensiones de esa obsesión. El tema aparece en Detour (Rare N’ Deluxe), la edición ampliada de Detour publicada el 18 de septiembre de 2026 y no llega completamente solo: forma parte de cuatro canciones nuevas que amplían el universo de un álbum en el que Petras ya había empezado a explorar una estética diferente, más caótica y cercana al electro de mediados de los 2000. 🛣️ Una carretera para perderse Kim Petras ha explicado que “Autobahn” nace de una sensación muy concreta: querer a alguien que no te quiere de vuelta. La imagen que utilizó para definirla es la de caminar sin rumbo en la dirección equivocada, como si se hubiera roto la brújula. Eso explica buena parte de lo que ocurre en la canción. Hay una persona conduciendo o caminando hacia alguien que permanece lejos, consciente de que ese encuentro probablemente no va a producirse. La carretera se convierte entonces en una especie de espacio intermedio: no es exactamente huida ni llegada, sino el lugar donde uno sigue avanzando aunque todavía no sepa hacia dónde. Y Petras llena ese trayecto de elementos muy físicos: sol, humo, cigarrillos, perfume, coches y asfalto. Todo parece ligeramente intoxicado, como si la confusión sentimental se hubiera trasladado al paisaje. No es una canción de desamor especialmente solemne. Hay algo más extraño y juguetón en ella, una especie de romanticismo decadente que hace que el dolor pueda convivir con una sonrisa torcida. 🚘 “Jeep” ya había puesto a Kim Petras sobre ruedas La carretera no aparece por casualidad dentro de esta etapa de Kim Petras. En Detour, una de las canciones más particulares era precisamente “Jeep”, una pieza construida alrededor de la cultura automovilística y de una imagen muy americana. “Autobahn” funciona ahora casi como su hermana europea: donde aquella canción miraba hacia las carreteras estadounidenses, esta se dirige hacia uno de los símbolos más reconocibles de Alemania. The FADER ha señalado precisamente esa relación entre ambas canciones, describiendo “Autobahn” como una especie de compañera de “Jeep”. La conexión resulta especialmente divertida tratándose de Petras. Nacida en Colonia, Alemania, y convertida después en una figura del pop de Los Ángeles, la artista puede utilizar ahora la carretera como un puente entre dos partes de su propia imaginaria musical: la Europa que forma parte de su identidad y la cultura pop estadounidense que ha alimentado buena parte de su carrera. 🎸 De “Heart to Break” al pop de los 2000 Hay otra conexión mucho más musical. Petras ha señalado “Michelle Branch en los años 2000” como una de las inspiraciones principales de “Autobahn”, algo que se percibe en ese equilibrio entre guitarra acústica, batería ligera y sintetizadores con sabor a principios de siglo. The FADER describe el tema como una canción nostálgica con guitarra acústica, un ritmo animado y sintetizadores de estética acid de los primeros 2000. Y eso permite mirar hacia atrás en su propia carrera. La Kim Petras de “I Don’t Want It At All” llegó al público con un pop descaradamente brillante, adictivo y muy consciente de la cultura pop. Poco después, “Heart to Break” demostró que podía introducir historias de vulnerabilidad dentro de una producción enorme y luminosa. Aquella canción incluso partía de una idea que sigue apareciendo ahora: saber que algo puede acabar mal y aun así lanzarse hacia ello. “Autobahn” parece recoger aquella misma contradicción desde un lugar mucho más melancólico. La diferencia...
Hay flechazos que llegan sin pedir permiso. Una mirada, una forma de caminar, un perfume y, de repente, alguien que ni siquiera conocemos empieza a ocupar demasiado espacio en nuestra cabeza. “MORENA MÍA” captura precisamente ese instante en el que la atracción deja de ser una posibilidad y se convierte en una certeza difícil de explicar. Para NANO Mz, además, el lanzamiento tiene un significado especial dentro de su evolución artística. Después de varios años explorando el urbano, el artista coruñés decidió girar progresivamente hacia el rock, un territorio que siempre había formado parte de sus inquietudes musicales. Su nueva etapa mezcla rock con indie-pop, soul, R&B y algunos matices urbanos. ⚡ Una nueva etapa con el rock como punto de partida David Cristóbal Martínez, conocido artísticamente como NANO Mz, nació en A Coruña en 1999 y creció musicalmente entre distintos estilos. Sus primeros trabajos estuvieron mucho más ligados al urbano, con canciones como “Malito”, “Tutto Bene” o “100besitos”, pero en 2024 anunció un cambio de dirección que acabaría llevándolo hacia el rock. “HASTA LAS NUBES”, publicado en 2024, funcionó como una especie de puente entre ambas etapas, combinando elementos urbanos con rock and roll. Después llegó “BENDITO INFIERNO”, el álbum de 2026 con el que terminó de consolidar ese nuevo camino. “MORENA MÍA” aparece precisamente dentro de ese momento de transformación: un NANO Mz que conserva la cercanía melódica de sus primeros trabajos, pero mira cada vez más hacia las guitarras y la energía del rock. 🌹 Un flechazo que no necesita presentación La historia de “MORENA MÍA” empieza de una manera casi cinematográfica. Una muchacha aparece, llama inmediatamente la atención del protagonista y provoca algo que él mismo no sabe explicar. Ni siquiera conoce todavía su nombre. Sin embargo, la atracción es tan inmediata que la canción convierte ese encuentro fugaz en una especie de enamoramiento instantáneo. La gracia está en que NANO Mz no intenta racionalizarlo demasiado. Hay personas que simplemente producen algo en nosotros desde el primer segundo, y aquí ese efecto se traduce en nervios, piel de gallina, adrenalina y una sensación de estar entrando en terreno desconocido. 🔥 Deseo, peligro y esa sensación de perder el control La canción utiliza imágenes de gasolina, fuego, guerra y adrenalina para representar una atracción que parece imposible de frenar. Pero debajo de toda esa intensidad hay también cierto vértigo. El protagonista sabe que está entrando en un terreno que puede complicarse, pero la posibilidad de apartarse resulta todavía menos atractiva. Esa contradicción hace que “MORENA MÍA” tenga un punto especialmente juguetón: el peligro no aparece como una advertencia, sino como parte del atractivo. La persona que acaba de conocer no parece una elección tranquila. Precisamente por eso resulta tan difícil resistirse. 🎸 NANO Mz cambia de piel Musicalmente, el tema encaja con la nueva dirección que el artista comenzó a construir antes de “BENDITO INFIERNO”. Beatport clasifica “MORENA MÍA” dentro del rock y el indie rock, mientras que su catálogo reciente refleja una evolución cada vez más alejada del urbano con el que comenzó su carrera. Ese cambio no significa borrar lo anterior. NANO Mz ha pasado por rap, reguetón y electrónica antes de decidir que el rock era el lugar donde quería desarrollar su siguiente etapa. La transición también incorpora elementos de indie-pop, soul y R&B, creando una propuesta menos fácil de encasillar. Y quizá eso sea precisamente lo más interesante de su recorrido: no parece estar intentando convertirse simplemente en un artista de rock, sino utilizar el rock como una nueva casa desde la que seguir mezclando todo lo que ya formaba parte de...
Hay heridas que no desaparecen, pero dejan de doler de la misma manera. Con el tiempo se convierten en experiencia, en prudencia y también en una forma diferente de mirar a quien llega. “Superviviente” nace precisamente desde ese lugar: el de alguien que ha vivido suficiente como para saber lo que no quiere repetir, pero que todavía está dispuesto a quedarse si encuentra algo verdadero. Antoñito Molina abre con este lanzamiento una nueva etapa de su carrera y lo hace sin renunciar a una de sus grandes señas de identidad: contar historias personales con un lenguaje cercano, de esos que parecen hablados antes que escritos. El single inaugura además “Destino Felicidad”, su próximo proyecto discográfico. 🩹 Aprender a vivir con las cicatrices “Superviviente” no presenta al amor desde la ingenuidad. Su protagonista ya ha pasado por suficientes decepciones como para haber construido defensas alrededor de sí mismo. Hay muros, barreras y una especie de puerta emocional que ahora solo se abre ante quien llegue con las cosas claras. No es rechazo al amor, sino una nueva manera de protegerlo: si alguien entra, tiene que hacerlo de verdad. La canción encuentra ahí una de sus imágenes más humanas. Después de tantas experiencias, el corazón puede endurecerse un poco para evitar nuevos golpes. Pero eso no significa que haya dejado de sentir. 🚪 Si vienes, ven de verdad El mensaje central de “Superviviente” tiene algo de ultimátum y algo de declaración amorosa. Antoñito no pide perfección ni promete una relación sin dificultades. Lo que pide es verdad. Si alguien llega dispuesto a quedarse, él también está dispuesto a llegar hasta el final. Si no es así, prefiere que esa persona siga su camino antes de volver a abrir una puerta que tantas veces tuvo que cerrar. Esa seguridad contrasta con la vulnerabilidad que aparece detrás. Porque para poner límites primero hay que haber aprendido, muchas veces a base de golpes, dónde estaban los propios límites. 💡 La luz no se había apagado Uno de los conceptos más interesantes de la canción aparece en la idea de creer que la propia luz se había apagado para descubrir después que simplemente estaba conectada al lugar equivocado. Es una imagen sencilla, pero resume muy bien el espíritu del tema: a veces no hemos perdido lo que somos; simplemente hemos estado demasiado tiempo en un sitio que no nos permitía brillar. Desde ahí, “Superviviente” deja de ser únicamente una canción sobre relaciones. También puede leerse como una canción sobre recuperar la confianza en uno mismo después de una etapa complicada. Y eso explica que el protagonista no se presente como alguien derrotado. Es un superviviente precisamente porque ha pasado por todo aquello y continúa aquí. 🎸 Volver a la azotea para empezar de nuevo El lanzamiento tiene además una conexión especial con la adolescencia de Antoñito Molina. A los 14 años encontraba en la azotea de su casa un refugio donde coger la guitarra y escribir canciones. Aquel espacio, alejado del ruido cotidiano, se ha convertido ahora en una de las imágenes que acompañan la creación de “Destino Felicidad”. La idea resulta especialmente bonita porque este nuevo proyecto mira hacia delante regresando primero al lugar donde todo empezó. Antoñito recupera al adolescente que componía antes de Spotify, de las redes sociales y de toda la maquinaria que hoy rodea a un lanzamiento musical. “Superviviente” representa así una especie de puente entre aquel joven que escribía con una guitarra y el artista que hoy puede mirar atrás desde una experiencia mucho mayor. 🌅 Una nueva etapa con la esencia intacta Canal Fiesta señala que “Superviviente” conserva...
Existen momentos en los que incluso encontrar las palabras parece demasiado difícil. “Me Falta Voz” nace precisamente desde ese bloqueo: una sensación de estar atrapada, confundida y sobrepasada mientras alrededor todo continúa avanzando. Mya Durán convierte esa sensación en una canción de pop emocional que se mueve entre la necesidad de pedir ayuda y el deseo de encontrar una salida. La letra habla de presión, desconcierto y cansancio, pero también de una voluntad que sigue ahí incluso cuando parece que ya no quedan fuerzas. El lanzamiento llegó el 18 de septiembre de 2026 a través de Casa 49 Records. Las plataformas lo clasifican dentro del pop y señalan a Mya Durán como compositora del tema. 🎭 Una artista que creció entre la música y la interpretación Mya Durán, cuyo nombre real es Mya Navarro Durán, nació en Bogotá, Colombia, y su recorrido artístico comenzó mucho antes de este lanzamiento. Su formación incluye cuatro años de estudios de actuación en el CEA, talleres de artes escénicas en la Universidad Javeriana y formación en ballet. También toca guitarra y ukelele, produce música, compone y escribe. Su relación con la música empezó muy pronto. En 2015 participó en “La Voz Kids” Colombia, formando parte del equipo de Andrés Cepeda. Desde entonces ha ido construyendo una trayectoria que combina música e interpretación y que la ha llevado también a producciones audiovisuales como “Ana de Nadie”, “Rojo Carmesí” y “La Primera Vez”. Esa doble faceta resulta interesante en una canción como “Me Falta Voz”, donde la interpretación emocional tiene tanto peso como la propia melodía. 🌫️ Cuando pedir ayuda también cuesta La protagonista de la canción se encuentra en un estado de confusión y agotamiento emocional. Busca una salida, pide que alguien la ayude a entender qué está ocurriendo y reconoce que la presión empieza a ocupar demasiado espacio. El título resume perfectamente ese bloqueo. No tener voz no significa únicamente no poder hablar: también puede representar esa sensación de no saber cómo explicar lo que está pasando por dentro. La canción insiste en esa contradicción entre querer salir y sentirse atrapada. Hay días difíciles, pensamientos que se acumulan y una sensación de crisis que no desaparece simplemente porque llegue un nuevo día. Pero Mya no convierte ese estado en una historia completamente derrotista. El propio hecho de pedir ayuda ya implica que todavía existe una búsqueda de salida. 🖤 Pop emocional con raíces urbanas Aunque “Me Falta Voz” aparece clasificada como pop, encaja dentro de una trayectoria musical más amplia. Mya Durán ha sido descrita como una artista urbana alternativa y compositora, con una propuesta que ha mezclado electrónica, indie, pop y sonidos urbanos. Su discografía demuestra esa amplitud. “Portarse Mal”, junto a Simón Trujillo, apareció en 2022 dentro del urbano latino; “Buenos Aires” se movió hacia el pop latino en 2025; y “Hija De La Luna”, publicada en 2026 junto a Mabel Moreno, fue presentada como afro-pop. También este mismo año ha publicado canciones como “Te Vi Pasar”, “¿Y Qué Pasó?”, “Secreto Afrodisiako”, “besitos en la playa” y “Up To U”, esta última junto a Sergio Palau y descrita como una canción de afrobeat con matices pop. 🫧 Una voz que intenta encontrar su sitio Hay algo especialmente interesante en “Me Falta Voz” dentro de ese recorrido. Mientras otras canciones de Mya han explorado el romance, la sensualidad o los sonidos bailables, aquí el foco se desplaza hacia una vulnerabilidad mucho más interior. La producción y el formato breve —apenas 2 minutos y 37 segundos— permiten que la canción vaya directamente al centro de esa sensación. No hace falta construir una gran...