Hay artistas que hablan del éxito como si fuera una meta. Soffia Philo prefiere plantearlo como una partida que todavía se está jugando. En “NEXT LEVEL” no presume de haber llegado al final: celebra seguir avanzando, equivocarse, levantarse y volver a pulsar el botón. La artista uruguaya convierte esa filosofía en un tema de actitud descarada, referencias al videojuego y espíritu competitivo. Todo gira alrededor de una idea sencilla: perder una partida no significa haber perdido el juego. ESCUCHAR.. 🎧No Lo Sabe de Soffia Philo y Noel Schajris: aprender a seguir cuando nadie tiene todas las respuestas 🎤 Del Cerro al rap como punto de partida Soffia Philo nació musicalmente en el barrio del Cerro, en Montevideo. Empezó a escribir canciones a los 14 años y creció en un entorno familiar vinculado a la música a través de su padre, cantante y compositor. Sus primeros pasos públicos llegaron mediante vídeos en redes sociales, donde fue construyendo una comunidad cada vez mayor. El rap y el hip hop son la base declarada de su propuesta, pero reducirla a esos dos géneros sería quedarse corto. Su perfil también recoge influencias de dembow, funk, techno, afro, pop, cumbia, bolero, bachata, reguetón y reggae. Esa amplitud explica que pueda saltar de una canción urbana a otra de inspiración rock-soul sin perder una identidad propia. ESCUCHAR.. 🎧Lo Siento de Soffia Philo: cuando dejar de pedir perdón se convierte en libertad 🎮 Una partida en la que las reglas las pone ella “NEXT LEVEL” utiliza el lenguaje de los videojuegos para hablar de algo mucho más humano. Hay niveles, partidas, botones, misiones y una jugadora que insiste en avanzar incluso después de haber fallado. La clave está en que Soffia no intenta vender una imagen de invulnerabilidad. Reconoce haber perdido, haberse equivocado y tener que empezar de nuevo. Pero cada tropiezo se convierte en información para la siguiente jugada. Esa actitud aparece condensada en la idea de procesar el error, ajustar la estrategia y volver a intentarlo. No hay demasiado espacio para la autocompasión: la partida continúa. ESCUCHAR.. 🎧Me Presento de Soffia Philo: la historia de alguien que nunca dejó de creer en sí misma 🔥 El fracaso como parte del juego Musicalmente, la canción mantiene esa energía desafiante que caracteriza buena parte de su universo urbano. La voz se mueve entre el rap y una interpretación cargada de personalidad, mientras el estribillo en inglés refuerza la sensación de estar ante una especie de mantra competitivo. Pero lo interesante está debajo de la fanfarronería. La seguridad que proyecta no nace de pensar que todo va a salir bien, sino de asumir que también va a salir mal algunas veces. Por eso “NEXT LEVEL” funciona menos como una canción sobre ganar que como una canción sobre no abandonar. El éxito aparece casi como una consecuencia de seguir jugando. ESCUCHAR.. 🎧Number One de Soffia Philo: la confianza de quien ya no necesita demostrar nada a nadie 🚀 Una nueva etapa para Soffia El lanzamiento llega después de una primera mitad de 2026 especialmente activa para Soffia. En julio publicó “Nivel 1”, un EP de cinco canciones que reunió temas como “Me Presento”, “Me Levanté Chill”, “Number One” y “No lo Sabe”. Precisamente “No lo Sabe” mostró otra cara de la artista. La canción, que había nacido en redes y acumulado millones de reproducciones, terminó convirtiéndose en una colaboración con Noel Schajris, presentada en una versión de inspiración rock-soul. Schajris destacó además la combinación de cantante y rapera que encontró en Soffia. Ese recorrido ayuda a entender “NEXT LEVEL” como algo más que una declaración aislada. Soffia está...
Hay canciones que no necesitan levantar la voz para hacer que un recuerdo vuelva. “Angel de la Ciudad” se mueve precisamente en ese territorio: el de una memoria que ha perdido algunos detalles, pero conserva intacta la sensación de haber querido a alguien y de haber encontrado junto a esa persona una forma de paz. Cardellino construye ese regreso desde la calma. Una guitarra eléctrica limpia, tocada con una delicadeza casi hipnótica, sostiene la canción mientras su voz se acerca a una historia de distancia, nostalgia y esperanza. El resultado tiene algo de soul suave y cálido, de esos temas que parecen pedir poca luz y mucha atención. 🌙 Cardellino y una música que prefiere no encerrarse Javier Cardellino es un músico, cantante y productor uruguayo que ha construido su carrera precisamente desde la mezcla. Antes de desarrollar plenamente su proyecto como solista pasó por la batería y la producción, y su trayectoria ha ido incorporando influencias brasileñas, latinas y urbanas. Él mismo ha explicado que no suele pensar demasiado en géneros porque entiende la música desde la libertad, aunque reconoce que el soul y el R&B siempre han estado presentes de alguna manera en sus canciones. También ha descrito su propuesta actual como una música tranquila y agradable, lejos de planteamientos excesivamente pesados o urbanos. Esa filosofía ayuda a entender por qué “Angel de la Ciudad” funciona mejor desde la sensación que desde una etiqueta cerrada. 🎸 Una guitarra que deja respirar la nostalgia Lo primero que llama la atención es precisamente la sencillez del acompañamiento. La guitarra eléctrica no busca protagonismo ni convierte la canción en una exhibición instrumental. Sus acordes suaves permanecen alrededor de la voz, creando un espacio cálido, íntimo y ligeramente nocturno. Ahí aparece ese pequeño matiz de blues cálido que le da personalidad al tema. No como una etiqueta estricta de género, sino como una sensación: una música reposada, algo melancólica y con ese punto de calidez que hace que incluso una historia triste pueda sentirse reconfortante. Cardellino no necesita dramatizar la ausencia. La guitarra parece entender que hay recuerdos que duelen precisamente porque todavía resultan agradables de recordar. 🕯️ Lo que queda después de una historia La memoria del protagonista no conserva necesariamente todos los detalles de aquella relación. Algunos se han borrado o cambiado con el tiempo. Sin embargo, permanece algo mucho más profundo: la manera en que se sentía al ver llegar a esa persona. Esa diferencia sostiene buena parte de la canción. No se trata únicamente de recordar a alguien, sino de recordar quién eras tú cuando estabas junto a esa persona. Incluso aparece la posibilidad de un encuentro casual: dos personas que podrían cruzarse por la calle después de que sus vidas hayan tomado caminos diferentes. La otra persona puede estar acompañada, puede parecer completamente instalada en otra etapa, pero para quien todavía recuerda, un instante sería suficiente para que todo regresara. 🌊 El “Angel de la Ciudad” como refugio El título introduce una imagen casi cinematográfica. La ciudad se convierte en un espacio enorme donde alguien intenta encontrar el camino de vuelta hacia una persona que ya no sabe dónde está. Ese “ángel” funciona como una especie de guía emocional. No hace falta interpretarlo literalmente: representa esa fuerza que todavía empuja a buscar aquello que alguna vez sentimos como hogar. Y ahí la canción encuentra uno de sus puntos más delicados. No hay una promesa de que ese amor pueda recuperarse. Lo que existe es el deseo de llegar a tiempo, de volver a encontrar aquel abrazo y de recuperar, aunque sea por un instante, la sensación...
A veces una discusión no termina porque se haya acabado el amor, sino porque el miedo consigue hablar más alto que todo lo demás. Izzy Escobar parte precisamente de esa contradicción en “Ego Talking”, un single publicado el 18 de septiembre de 2026 en el que reconoce cómo el orgullo, las inseguridades y las heridas pueden convertir una reacción impulsiva en algo mucho más grande de lo que realmente se quería decir. La canción no intenta presentar a su protagonista como alguien que siempre sabe reaccionar bien. Al contrario: la vemos equivocarse, levantar muros, decir cosas de las que después se arrepiente y terminar reconociendo que detrás de todo aquello había miedo. 🫀 El orgullo como mecanismo de defensa “Ego Talking” comienza después del desastre. Ya ha habido palabras demasiado duras, una discusión que se ha ido de las manos y una respuesta que ha hecho que todo escale todavía más. Pero la protagonista no busca repartir culpas. Se mira a sí misma. Reconoce que puede volverse fría de repente, desconectarse sin avisar y utilizar la despedida como una especie de escudo. No porque realmente quiera marcharse, sino porque el miedo a que le rompan el corazón termina activando una defensa automática. El título adquiere así un sentido bastante preciso: cuando aparece el “ego”, no necesariamente está hablando la persona que realmente quiere ser. 🪞 Detrás del ego están las inseguridades Uno de los aciertos de la canción está en no detenerse en la palabra “orgullo”. Izzy va más profundo y señala lo que existe debajo: las inseguridades, las heridas y las barreras que una persona puede construir para no volver a sentirse vulnerable. Eso cambia completamente la lectura. La frialdad deja de parecer una actitud de superioridad y empieza a entenderse como una forma imperfecta de protección. La protagonista sabe que puede ser egoísta y reconoce sus propios defectos, pero también deja claro que esa versión de ella no representa todo lo que siente. Hay algo especialmente humano en esa confesión: querer que alguien comprenda que una mala reacción no siempre cuenta toda la historia de una persona. 🎹 Una artista entre la formación clásica y el pop La sensibilidad de Izzy Escobar tampoco nace únicamente de la escritura. La artista de Massachusetts tiene raíces musicales en el violín y el piano, instrumentos que estudió desde joven, y su propuesta combina esa formación melódica con una manera muy personal de escribir sobre emociones y relaciones. Su catálogo anterior incluye canciones como “Vendetta”, “These Eyes”, “Sunny in London”, “Jackie O”, “White Horse” y “Nevermine”, además del EP “Sunny in London” de 2025. En 2026 ha continuado ampliando ese recorrido con lanzamientos como “Hate to Be the One”, “Here You Come Again” y “Evergreen Avenue”. “Ego Talking” llega, por tanto, dentro de una etapa especialmente activa para una artista que se mueve actualmente dentro del pop y que también está llevando su música a los escenarios internacionales. 🌙 Una disculpa que no intenta maquillarse La parte más interesante del tema aparece precisamente cuando deja de justificar lo ocurrido y simplemente reconoce la responsabilidad. No dice que todo estuviera bien. No intenta convertir el daño en una consecuencia inevitable. Admite haber cruzado una línea, haber reaccionado desde el miedo y haber dejado que el ego tomara el control. Después llega la petición de confianza: esa necesidad de demostrar que detrás de aquella reacción existe alguien que sigue queriendo a la otra persona y que está dispuesto a hacer lo necesario para que pueda creerle. Esa tensión entre “esto no soy yo” y “sé que hice esto” evita que la canción sea...
Existe una clase de celos que no apagan el deseo, sino que lo hacen crecer. Skylar Simone convierte precisamente esa contradicción en el combustible de “Gasoline”, su nuevo single, publicado el 18 de septiembre de 2026 junto a un videoclip dirigido por Kanya Iwana. La canción juega con la tensión de descubrir que otra persona también puede sentirse atraída por quien tienes delante. Lejos de plantear los celos únicamente como inseguridad, Simone los transforma en una sensación casi eléctrica: una mirada, una fantasía que empieza a crecer y un deseo que se vuelve todavía más intenso precisamente porque existe alguien más alrededor. ESCUCHAR.. 🎧Jastin Martin convierte el R&B lento en pura emoción con “Catch Me” 💋 El deseo cambia cuando aparece la competencia “Gasoline” parte de una situación sencilla pero cargada de tensión. La protagonista observa cómo alguien mira a otra mujer y, aunque sabe perfectamente lo que está ocurriendo, esa escena no provoca únicamente enfado. La reacción es mucho más contradictoria. Los celos se mezclan con curiosidad, excitación y fantasía, hasta convertir una situación incómoda en algo inesperadamente estimulante. La propia Skylar Simone ha explicado que la canción nace de esa sensación: ver a la persona con la que estás recibiendo atención de otra persona puede hacer que la desees todavía más. Y ahí aparece el verdadero significado del título: “Gasoline” no habla simplemente de fuego, sino de aquello que hace que una chispa se convierta rápidamente en algo mucho más difícil de controlar. ESCUCHAR.. 🎧Niykee Heaton convierte la seducción en un juego de poder en “Take Me To Your Leader”” ⛽ Una nueva etapa para Skylar Simone Aunque hoy la asociamos con un R&B más sensual y adulto, Skylar Simone lleva más de una década trabajando en la música. Nacida en Tampa, Florida, comenzó siendo conocida como Skylar Stecker y publicó su primer álbum, “This Is Me”, en 2015, cuando todavía era una adolescente. Durante aquella primera etapa se movió entre el pop, el R&B y la música dance, llegando incluso a colocar canciones en las listas de baile estadounidenses. El cambio de nombre a Skylar Simone llegó en 2024 y marcó también un cambio de perspectiva. Después de haber comenzado profesionalmente siendo una niña, la artista quería separar aquella primera imagen de la mujer y creadora en la que se había convertido. Ese nuevo capítulo comenzó con “SHIVER”, su EP de 2024 para Def Jam, donde abrazó un R&B mucho más sensual y orientado a las relaciones. La producción contó con nombres como D’Mile, Scribz Riley y Yonatan Watts. ESCUCHAR.. 🎧La voz de terciopelo y alma que hizo rugir a Broadway, Marva Hicks 🎹 Del pop adolescente a un R&B más atrevido La evolución resulta especialmente interesante porque Simone nunca ha abandonado su faceta de multiinstrumentista. Piano, guitarra, batería y voz forman parte de una formación que empezó a desarrollar desde muy pequeña. También cambió la manera de entender su música. Si sus primeros trabajos podían moverse con naturalidad entre el pop y el dance, su etapa como Skylar Simone ha ido profundizando en un R&B más íntimo, elegante y sensual. “Gasoline” continúa esa evolución, pero añade una textura distinta. La canción incorpora una producción de inspiración ochentera y alt-R&B, creando un contraste interesante entre una estética retro y una historia completamente contemporánea de deseo y celos. No necesita grandes dramatismos. La tensión está en las miradas, en lo que se imagina y en esa sensación de que algo aparentemente negativo puede terminar convirtiéndose en una fuente inesperada de atracción. ESCUCHAR.. 🎧Quit Quiet – Jesse Williams: el recuerdo de un amor que se fue sin decir...
Después de quince años al frente de Fuel Fandango y cinco álbumes que hicieron de la mezcla entre electrónica y raíz una de las señas de identidad más reconocibles de la música española reciente, Cristina Manjón, Nita, abre ahora una etapa completamente propia. Su primer álbum en solitario, “Magma”, publicado el 18 de septiembre de 2026, nace precisamente de esa necesidad de mirar hacia dentro y transformar todo lo vivido en un nuevo lenguaje sonoro. “Aquí”, noveno corte del álbum y elegido como uno de sus singles de enfoque, representa quizá una de las caras más serenas de ese universo. Frente a la energía física y electrónica de “Milagro 18:08”, el tema apuesta por la quietud, la presencia y la sensación de estar exactamente donde uno necesita estar. 🌿 De Córdoba al corazón de la electrónica Nita nació en Córdoba dentro de una familia estrechamente vinculada a la música. Su abuelo, el clarinetista y saxofonista Manuel Manjón Campos, llegó a acompañar en gira a artistas como Antonio Machín y Juanito Valderrama, mientras que en casa los fandangos de Huelva formaban parte del paisaje cotidiano. Ella comenzó a actuar con apenas diez años y pasó por la copla y el flamenco antes de ampliar progresivamente su universo musical. Ese recorrido terminó desembocando en Fuel Fandango junto a Alejandro Acosta, proyecto en el que Nita fue cantante, compositora y coproductora durante quince años. La banda construyó una identidad propia alrededor del encuentro entre electrónica, flamenco, folclore y vanguardia, publicó cinco álbumes y colaboró con nombres como Estrella Morente, Vicente Amigo, Mala Rodríguez, Iván Ferreiro, Macaco o Amadou & Mariam. Ahora aquella experiencia no desaparece: se transforma. 🔥 “Magma”, una nueva vida después de Fuel Fandango El título del álbum resume bastante bien el momento creativo de Nita. “Magma” representa aquello que permanece oculto bajo la superficie, acumulando temperatura hasta encontrar una vía para salir y convertirse en algo nuevo. Para construirlo, la artista se ha unido al productor jerezano Santiago Gonzalo, BRONQUIO, con quien ya había trabajado en “La retama” en 2021. El resultado es un disco electrónico que parte de sus raíces andaluzas y de una mirada mucho más íntima y visceral. Los primeros adelantos ya mostraban dos caras complementarias de ese proceso. “Milagro 18:08” recuperaba a una Nita más física y bailable, con ritmos rotos, techno y bass music británica, mientras “Azul Nomeolvides” reducía la velocidad para adentrarse en un espacio más contemplativo. “Aquí” continúa precisamente por ese segundo camino. 🌌 Un lugar donde no hace falta llegar a ninguna parte La letra se desprende de la urgencia. No habla de alcanzar algo concreto, sino de aprender a permanecer. El movimiento aparece al principio casi como un proceso de despertar: avanzar despacio, despegarse del suelo, imaginar que se levita. Pero poco a poco todo se detiene. La memoria pierde peso, la luz adquiere protagonismo y el presente termina ocupando todo el espacio. Es una canción sobre la presencia, pero sin necesidad de convertirla en un discurso. Basta con esa insistencia en el ahora para entender que la protagonista ya no necesita mirar demasiado lejos. Y ahí encaja especialmente bien dentro de “Magma”: después de una carrera construida sobre el movimiento, los escenarios y la mezcla constante de lenguajes, Nita parece interesada ahora en explorar también lo contrario, el lugar íntimo en el que simplemente se puede estar. 🔵 La luz azul de un disco que mira hacia dentro El azul ya había aparecido con fuerza en “Azul Nomeolvides”, donde Nita utilizaba el agua, la naturaleza y la luz como imágenes de renacimiento. “Aquí” continúa explorando ese territorio, aunque desde...
Hay despedidas que no terminan en el momento de decir adiós. Se quedan en el cuerpo, en los recuerdos y en esos pequeños espacios del día en los que todavía aparece la persona que ya no está. VITA convierte precisamente esa contradicción en el centro de “dejar de dolerte”, un lanzamiento publicado el 18 de septiembre de 2026. El propio título plantea una intención aparentemente sencilla: dejar de dolerle a alguien. Sin embargo, a medida que avanza la canción, esa decisión se vuelve mucho más complicada. Porque alejarse puede ser necesario y, al mismo tiempo, profundamente doloroso. ESCUCHAR.. 🎧Masha Palazzo se entrega al deseo sin mirar el reloj en el reguetón sensual de “Bésame Lento” 🥀 Cuando terminar también duele La canción se mueve alrededor de una ruptura que todavía está demasiado cerca. La protagonista sabe que existe una vida que ya no le pertenece y que necesita empezar a construir otra, pero aceptar esa realidad no significa haberla superado. Hay una sensación especialmente humana en esa lucha: querer cuidar a la otra persona incluso desde la distancia. No se trata únicamente de dejar de sufrir por una relación terminada, sino de asumir que continuar podría hacer todavía más daño. Por eso aparecen deseos contradictorios: querer verla, regalarle flores, imaginar que aquello podría haber sido para siempre y, al mismo tiempo, entender que toca esperar, callar y seguir adelante. ESCUCHAR.. 🎧Marta Sango se queda atrapada en los recuerdos de un amor que aún duele en “No Puedo Olvidarte” 🌧️ El recuerdo se convierte en paisaje Uno de los elementos que más personalidad aporta al tema es la presencia constante de imágenes físicas. La lluvia, el cenicero, las huellas, el corazón de acero o esa sensación de que ya no hay luz al final convierten el duelo sentimental en algo casi tangible. No hace falta explicar demasiado lo que está ocurriendo: el paisaje emocional de “dejar de dolerte” se construye con objetos y sensaciones. La lluvia representa bien esa imposibilidad de controlar lo que todavía queda dentro. Puede pasar el tiempo, puede cambiar la vida y puede intentarse reemplazar una imagen por otra, pero hay recuerdos que tardan mucho más en desaparecer. ESCUCHAR.. 🎧Violeta Hódar busca una salida entre cicatrices y miedo a volver a sentir en “Dime que no” 🕯️ Construirse de nuevo después de perder una vida La canción también habla de algo que suele quedar escondido detrás de las rupturas: no solo se pierde a una persona, sino también una versión de la propia vida. Cuando una relación ocupa tanto espacio, imaginar el futuro sin ella obliga a empezar de nuevo. De ahí nace esa idea de construir una vida nueva mientras todavía duele la anterior. El “corazón de acero” aparece entonces como una defensa. No necesariamente porque la protagonista haya dejado de sentir, sino porque necesita protegerse para poder continuar. Y ahí está una de las partes más interesantes del tema: la dureza no nace de la ausencia de sentimientos, sino del cansancio de sentir demasiado. ESCUCHAR.. 🎧Neva retrata con ironía al eterno coleccionista de amores en “El Coleccionista” 🌙 Un duelo que todavía no sabe cuánto durará Hacia el tramo final, “dejar de dolerte” abandona cualquier apariencia de cierre definitivo. La nostalgia sigue presente y el duelo parece no tener una fecha de caducidad. Eso hace que la canción resulte menos una celebración de haber superado una ruptura que una fotografía de ese momento intermedio en el que ya sabes que tienes que avanzar, pero todavía no sabes cómo hacerlo. VITA captura así una despedida imperfecta, sin convertirla en una moraleja sencilla. No hay una...
Hay artistas que necesitan explicar quiénes son y otras que prefieren entrar en escena y dejar que la actitud hable por ellas. Lara Taylor pertenece claramente al segundo grupo. Nacida en Valencia y marcada desde sus comienzos por el R&B y el hip-hop, su trayectoria ha ido construyendo una identidad donde conviven sensualidad, fuerza vocal y una estética urbana cada vez más personal. ESCUCHAR.. 🎧MVP de Lara Taylor: cuando perseguir el éxito termina alejándote de ti misma 🔥 Una mujer que no pide permiso Desde los primeros compases, Lara Taylor adopta el papel de una protagonista imposible de ignorar. La letra está construida alrededor de imágenes de poder, lujo, magnetismo y peligro, pero no desde una posición de inseguridad: aquí la confianza es prácticamente el argumento central. Su personaje se presenta como “perra magnética”, hechicera, bandida y reina, acumulando identidades que funcionan como distintas caras de una misma personalidad. No necesita escoger entre delicadeza y fuerza porque precisamente juega con ambas. La provocación forma parte del lenguaje, pero también hay algo más interesante debajo: una reivindicación de haber llegado hasta aquí por sus propios medios. ESCUCHAR.. 🎧Canción Niña de la Cantautora Valenciana Lara Taylor 👑 De la electrónica al nuevo universo urbano La historia artística de Lara Taylor ayuda a entender esa seguridad. Antes de consolidarse dentro de la escena urbana, desarrolló una carrera vinculada a la música electrónica y al circuito internacional de clubes, llegando a trabajar durante varios años en Amnesia Ibiza y actuando también en países como Italia, Francia, Dubái o Doha. En 2014 fue reconocida como mejor vocalista femenina española en los Vicious Music Awards. Con el tiempo, aquella experiencia terminó confluyendo con sus raíces en el soul, el R&B y el hip-hop. Su proyecto “ORIGEN” representó una etapa especialmente significativa en esa evolución, combinando la elegancia del soul con códigos de la música urbana contemporánea. “DIE” encaja bien en esa trayectoria: mantiene la personalidad vocal que siempre ha acompañado a Taylor, pero se apoya en una actitud mucho más desafiante y directa. ⚡ “DIE” juega con el fuego El estribillo insiste en una idea sencilla y efectiva: acercarse a Lara significa acercarse al fuego. El “fire” aparece como metáfora de una personalidad capaz de atraer y, al mismo tiempo, poner límites. Hay sensualidad, sí, pero no aparece planteada desde la vulnerabilidad. La protagonista controla el juego. Ella tiene “el mapa y la táctica”, conoce su valor y parece divertirse con la posibilidad de que los demás intenten descifrarla. Incluso las referencias a la manzana, el Edén o la figura de la hechicera contribuyen a crear una especie de mitología personal: Lara no se presenta como alguien que espera ser elegida, sino como alguien que ya ha decidido quién quiere ser. 💎 Una identidad que no cabe en una sola etiqueta Esa libertad también está presente en la manera en que la propia Lara Taylor ha descrito su carrera. Su música ha ido cruzando R&B, soul, hip-hop, pop, electrónica y sonidos urbanos sin querer quedar encerrada en una única categoría. Y esa mezcla resulta especialmente coherente con una artista que comenzó en escenarios de música de baile para después profundizar en una propuesta mucho más personal. En sus trabajos recientes aparecen sencillos como “Metal”, “MVP”, “Niña” y “GLOSS”, este último junto a Carlota Urdiales y Deivvbb, mientras su catálogo anterior incluye colaboraciones con artistas como AMEX, THE CRVV o Xriz. Con “DIE”, esa personalidad vuelve a quedar en primer plano: una artista que convierte la seguridad en estética, la sensualidad en actitud y el fuego en una declaración de intenciones. ❤️ Esta canción es para...
Uve Sad no parece haber vuelto para pedir permiso. Después de casi un año alejado de los lanzamientos, Víctor Muñoz Olleta recupera su personaje artístico con una canción que convierte el funeral en una declaración de intenciones: aquí se entierra algo, sí, pero no necesariamente al propio artista. “Bienvenidos a mi Funeral” dura apenas 1:51 y fue publicado el 18 de septiembre de 2026 como una pieza de hip-hop/rap. Sin embargo, su actitud conecta con la transformación que Uve Sad lleva tiempo realizando: aquel artista asociado al sad trap de finales de la década pasada ha ido desplazándose hacia un sonido más abierto, cercano al pop y al pop punk. 🖤 Del sad trap a una identidad que ya no quiere quedarse quieta Uve Sad nació musicalmente desde la emoción. Él mismo contaba que empezó a componer después de descubrir el rap a los ocho años y que el nombre “Sad” apareció durante una etapa complicada de su vida, cuando sus canciones estaban especialmente marcadas por la tristeza. También explicaba que nunca quiso que ese nombre artístico se convirtiera en una jaula. Aquella primera etapa lo convirtió en uno de los nombres vinculados al sad trap español. Su álbum “Mis Alas”, publicado en 2022, reunía catorce canciones y colaboraciones con artistas como SWIT EME, Lionware, MKS y Nissa. RTVE lo situaba entonces dentro de aquella corriente que mezclaba trap con elementos emocionales procedentes del rock alternativo, el pop punk y el emo. Pero Uve Sad nunca pareció demasiado interesado en quedarse exactamente donde lo había encontrado el público. ⚰️ “Bienvenidos a mi Funeral” como punto de ruptura El título puede parecer oscuro, pero la canción tiene algo mucho más juguetón, desafiante y autoconsciente. La frase que se repite durante todo el tema funciona como una presentación teatral. Uve Sad abre las puertas de su propio funeral y deja que entren todos: quienes lo siguen, quienes lo critican y quienes quizá pensaban que había desaparecido. El propio artista resume la situación hablando de haber vuelto a encontrar a su público. Esa frase cambia completamente la lectura del funeral: no estamos ante un final, sino ante una especie de ceremonia de regreso. La muerte se convierte en metáfora. Puede morir una etapa, una actitud o incluso una determinada imagen del artista, pero la persona que está detrás continúa ahí. 🥀 Cinismo, provocación y una mirada incómoda al presente La letra tampoco busca resultar amable. Uve Sad se presenta como alguien cínico, crítico y consciente de sus propias contradicciones. Habla del riesgo, del morbo, de estar “bajo mínimos” y de un entorno que percibe como un circo político. No intenta construir una imagen limpia ni particularmente complaciente. Ese tono conecta con una característica que ya aparecía en entrevistas anteriores: la voluntad de decir las cosas sin demasiados filtros. En 2021 explicaba que podía escribir sobre lo que le entristecía, pero también defendía una música capaz de moverse entre pop, trap, rock y emo punk sin someterse a una sola etiqueta. Aquí esa libertad se traduce en una canción corta, directa y deliberadamente descarada. 🎸 Una nueva etapa después de “Salida de Emergencia” El lanzamiento tampoco llega aislado. En julio de 2026, Uve Sad regresó después de casi un año de silencio con “Salida de Emergencia”, presentado como el comienzo de un proyecto más ambicioso y conceptual. Aquel regreso hablaba ya de una evolución hacia un sonido más robusto y pensado para conectar con públicos alternativos de España e Iberoamérica. La transformación coincide con lo que su equipo define como Nuevo Pop Punk Latino, una dirección que incorpora guitarras y baterías más contundentes...
Hay despedidas que no encuentran su lugar en una palabra como “adiós”. Permanecen en una fotografía, en una carretera recorrida a solas, en una conversación imaginaria durante esos momentos en los que el ruido desaparece y solo queda el recuerdo. Elley Duhé construye “Stairway in the Sky” precisamente desde ese espacio entre la ausencia y la esperanza. Incluida en “Wounded Angel”, su segundo álbum de estudio, la canción forma parte de una etapa en la que la artista estadounidense mira hacia sus raíces sureñas y aborda cuestiones como la pérdida, la fe y la capacidad de seguir adelante. El álbum, publicado el 4 de septiembre de 2026, combina la sensibilidad pop de Duhé con estructuras cercanas al country y una producción contemporánea. 🌙 Elley Duhé vuelve a sus raíces Nacida en Mobile, Alabama, y criada entre la costa del Golfo y Vancleave, Mississippi, Elley Duhé creció rodeada de música. Su padre le regaló su primera guitarra a los 14 años y apenas un año después ya cantaba ante público en cafeterías. Aquellos primeros pasos terminaron llevándola por escenarios de bares y restaurantes y, más adelante, hacia Nashville, Los Ángeles y Austin. Su carrera terminó encontrando un punto de encuentro entre pop atmosférico, electrónica y sensibilidad alternativa. “Millennium”, “Immortal” y especialmente “Happy Now” junto a Zedd ayudaron a convertir aquella voz melancólica en una presencia reconocible dentro del pop electrónico internacional. También colaboró con Gryffin en “Tie Me Down”, mientras continuaba desarrollando una faceta mucho más personal en sus propios lanzamientos. Con “PHOENIX”, su debut de 2023, Duhé construyó además un proyecto marcado por la idea de muerte y renacimiento. Tres años después, “Wounded Angel” parece mirar esa misma idea desde otro lugar: no tanto renacer después de una caída, sino aprender a convivir con aquello que hemos perdido. 🕊️ Una canción sobre seguir hablando con quien ya no puede responder La primera imagen de “Stairway in the Sky” es extraordinariamente sencilla: una fotografía colocada en el salpicadero mientras la protagonista conduce. No necesita una gran escena para explicar el vínculo. Basta ese pequeño objeto y el silencio de la carretera. La canción imagina así una conversación que ya no puede suceder físicamente, pero que continúa existiendo en la memoria. Hablarle a alguien que ha muerto se convierte en una forma de mantener vivo el vínculo, especialmente durante esos momentos cotidianos en los que la ausencia se hace más evidente. Duhé no presenta el duelo como una ruptura absoluta. La idea central es justamente la contraria: algunas personas desaparecen de nuestra vida cotidiana, pero no necesariamente de nuestra historia. Por eso la canción evita instalarse únicamente en la tristeza. Hay espacio para brindar, sonreír y recordar también los momentos felices. La pérdida permanece, pero no consigue borrar todo lo que existió antes de ella. ⭐ Una escalera hacia el cielo La imagen que da nombre al tema funciona como una metáfora de esperanza. Esa “escalera” no representa únicamente un lugar al que llegar después de la muerte, sino la posibilidad de que una despedida no tenga que significar un final definitivo. El concepto conecta además con el carácter espiritual de “Wounded Angel”. Apple Music presenta el álbum como un regreso de Duhé a sus raíces sureñas, con canciones que giran alrededor de la resiliencia y la fe después de una pérdida. Incluso dentro de esa dimensión espiritual hay algo profundamente humano: la protagonista no pretende olvidar a quien se ha ido. Quiere conservar su lugar en su vida hasta el momento imaginario de volver a encontrarse. La canción convierte esa esperanza en algo casi físico. Primero está la carretera. Después...