El músico vigués José Costas Peón, conocido artísticamente como Peón Kurtz, falleció en la noche del 25 de septiembre de 2026 a los 55 años, tras ser hospitalizado por un infarto. Miembro fundador de Def Con Dos, pionero del rap metal en español y una figura esencial de la escena musical viguesa. Detrás de su apodo había un DJ, un beatmaker y un apasionado del cine y el cómic que dedicó casi tres décadas a construir un sonido que no existía antes en España. Tío de Dani Dicostas. Peón Kurtz no era un músico convencional. Su nombre artístico, tomado del Coronel Kurtz de Apocalypse Now, ya anunciaba una personalidad que mezclaba la cultura pop con una mirada satírica y sin concesiones. Nació en Vigo y creció en el seno de una familia profundamente vinculada a la música: era hermano menor de Miguel Costas, fundador de Siniestro Total, y de Rosa Costas, integrante de Aerolíneas Federales. Aquella casa olía a discos, a guitarras y a la efervescencia de una ciudad que, en los ochenta, se convirtió en un laboratorio de sonidos nuevos. Su primer contacto con la música fue como oyente. Miguel Costas recordaba cómo, de jóvenes, compartían habitación y escuchaban Radio 3 juntos. Aquella complicidad fraternal se convirtió en una vocación compartida: mientras Miguel formaba parte de la mítica Siniestro Total, José encontró su propio camino en los platos, los samples y las bases electrónicas. El nacimiento de Def Con Dos La historia de Def Con Dos comenzó en la discoteca La Kama, el punto de encuentro de la movida viguesa durante los años ochenta y noventa. Una noche cualquiera, César Strawberry y Peón Kurtz, que ya eran amigos, decidieron formar una banda a la que querían que sonara como los Beastie Boys. Se lo contaron a Julián Hernández, por entonces batería de Siniestro Total, y la idea, que parecía una locura, terminó prosperando. El 5 de enero de 1988, la víspera de la Noche de Reyes, hicieron su primera actuación en el local El Manco de Vigo bajo el nombre de Freddy Krueger y los Masters del Universo. Un año después, en 1989, adoptaron el nombre definitivo: Def Con Dos, inspirado en la secuencia de alerta nuclear de las crisis de la Guerra Fría. Peón Kurtz no era solo un vocalista. Era DJ, beatmaker y encargado del scratching, y su trabajo con los platos Technics SL-1200 MK2 quedó documentado en discos como Segundo Asalto (1990). En una época en la que el rap en español apenas estaba dando sus primeros pasos, él aportaba una base rítmica y un lenguaje sonoro que no tenían nada que envidiar a las producciones anglosajonas. La consagración: del hip hop al rap metal Los primeros discos de Def Con Dos —Segundo Asalto (1990) y Tercer Asalto (1991)— eran hip hop con bases electrónicas y samples, influidos por Public Enemy y Run-D.M.C.. Pero la banda fue mutando. Incorporaron guitarras, batería en directo y voces superpuestas, y su sonido se volvió más contundente, más cerca del rap metal que del hip hop puro. A esta época pertenecen algunos de sus discos más importantes: Alzheimer (1995), Ultramemia (1996) y De Poca Madre (1998). En ellos, la voz de Peón Kurtz y la de César Strawberry se entrelazaban sobre una base musical que combinaba la agresividad del punk y el heavy con la cadencia del rap. Su música llegó a un público mucho más amplio gracias al cine. Fueron los autores de las canciones principales de las películas de Álex de la Iglesia Acción Mutante (1993) y El día de la bestia (1995), dos títulos que se...
Legado Musical
El legendario saxofonista estadounidense falleció el 24 de septiembre de 2022 a los 81 años en su casa de Los Ángeles, rodeado de su familia. Discípulo de John Coltrane y figura central del free jazz y el jazz espiritual, su obra sigue siendo una de las más influyentes y veneradas del último medio siglo. Ferrell Sanders nació el 13 de octubre de 1940 en Little Rock, Arkansas. Creció en una familia musical, tomó el clarinete de niño y se pasó al saxo tenor en el instituto, donde su director de banda lo introdujo al jazz. Tras graduarse, se mudó a Oakland, California, donde estudió arte y música en el Oakland Junior College. En la escena de la Bahía de San Francisco era conocido como “Little Rock”, y allí amplió su repertorio con bebop, rhythm and blues, música clásica y free jazz, tocando con músicos como Ed Kelly y Smiley Winters. En 1961 se trasladó a Nueva York. Los primeros años fueron duros. No podía ganarse la vida con la música, empeñó su saxofón, aceptó trabajos no musicales y llegó a dormir en el metro. Fue en esa época cuando comenzó a usar el nombre “Pharoah”, sugerido por Sun Ra, y formó su primer grupo en 1963 con el pianista John Hicks, el bajista Wilbur Ware y el baterista Billy Higgins. Los años con Coltrane El punto de inflexión llegó en 1965, cuando se unió a la banda de John Coltrane. Su primera grabación con el saxofonista fue Ascension, en junio de ese año, y su debut como miembro regular del grupo se produjo poco después, en el Penthouse de Seattle. Coltrane había quedado impresionado por su sonido: áspero, sobrecogedor, capaz de producir armónicos y multífonos que desafiaban las convenciones del instrumento. Con Coltrane grabó Meditations (1965), Om (1965), Kulu Sé Mama (1965) y Live at the Village Vanguard Again! (1966). La relación entre ambos fue mucho más que profesional. Sanders absorbió la espiritualidad de Coltrane y la integró en su propia obra. Cuando Coltrane murió de cáncer en 1967, Sanders se encontró sin su mentor, pero también con una misión: continuar la búsqueda que ambos habían iniciado. Karma y el jazz espiritual En 1969, Sanders publicó Karma, el disco que lo consagró como líder por derecho propio. El álbum contenía una única pieza de casi 33 minutos, “The Creator Has a Master Plan” , con el pianista Lonnie Liston Smith y el vocalista Leon Thomas, cuyo yodel característico se convirtió en una de las señales de identidad del disco. Karma alcanzó el puesto 188 de la lista Billboard 200 en agosto de 1969 y se convirtió en un éxito comercial inesperado para un álbum de vanguardia. A Karma le siguieron Jewels of Thought (1969), Thembi (1971) y Black Unity (1971), este último una exploración de los ritmos africanos que marcaría una de las direcciones más importantes de su carrera posterior. Su música se alejaba del free jazz más incendiario de los sesenta para adentrarse en un territorio más espiritual y melódico, aunque sin perder nunca la intensidad que lo caracterizaba. Como él mismo dijo en una ocasión, su sonido era “oscuro, con más sentimiento”. Las décadas de exploración En los años setenta y ochenta, Sanders continuó grabando y girando sin descanso, explorando estilos que iban del modal al hard bop, pasando por el rhythm and blues. En 1994 viajó a Marruecos para grabar The Trance of Seven Colors con el músico gnawa Mahmoud Guinia, un disco que se convertiría en un referente de la fusión entre el jazz y las músicas del mundo. En 1988 recibió un Grammy por...
El artista de Richmond, California, fue asesinado el 18 de septiembre de 2020, minutos después de publicar un vídeo en Instagram que revelaba dónde se encontraba. Tenía 29 años. Su muerte se convirtió en un símbolo de los peligros de las redes sociales y de la violencia que sigue marcando a la escena del hip-hop independiente. Lamonta Butcher, conocido en el mundo del rap como Tay Way, caminaba por la calle 4th Street de Richmond, California, poco después del mediodía del viernes 18 de septiembre de 2020. Minutos antes, había publicado un vídeo en su historia de Instagram. En él, paseaba la cámara por la intersección de 4th Street y Macdonald Avenue, mostrando una tienda de licores con una fachada roja y amarilla inconfundible. Una voz en off, tomada de la introducción de una canción del rapero Husalah, decía: “Been so long we still out here bruh, you feel me? Same hood, same turf”: (“ha pasado tanto tiempo y todavía estamos aquí, hermano, ¿me entiendes? Mismo barrio, mismo territorio”. No era una publicación cualquiera. Era una declaración de pertenencia, un gesto de orgullo por su barrio, por su territorio. Pero también era un mapa. Unos minutos después de subir el vídeo, un coche se acercó y alguien abrió fuego. Tay Way intentó correr hacia la tienda, pero recibió varios impactos de bala. Fue declarado muerto en el lugar. Tenía 29 años. Una carrera forjada en Richmond Tay Way no era un recién llegado. Llevaba una década construyendo una carrera en la escena del hip-hop de la Bahía de San Francisco. Se dio a conocer a principios de los 2010 y en 2016 publicó “Fuck It Up” , un single que se convirtió en un éxito local y que llegó a sonar en vídeos virales, incluyendo uno del jugador de la NFL Marshawn Lynch. Le siguieron temas como “Run With This” y “South Side Richmond” , canciones que hablaban de su barrio, de su gente y de una vida marcada por la lealtad y la supervivencia. Su discografía incluye mixtapes como Hot Shyt Block Shyt Vol. 1 (2015) y álbumes como Rich City Host, publicado en julio de 2020, apenas dos meses antes de su muerte. El título no era casual: Rich City es el apodo de Richmond, y Host era el papel que Tay Way asumía con orgullo, el de anfitrión de una ciudad que lo conocía y lo quería. A lo largo de su carrera, colaboró frecuentemente con Sirmonte “Sirdy” Bernstine, otro rapero de Richmond que también murió por violencia armada en 2015. Esa pérdida marcó a Tay Way, y su muerte, cinco años después, cerró un círculo trágico que su comunidad conocía demasiado bien. La muerte y la investigación El tiroteo dejó dos heridos más: una mujer de 31 años de Hercules y un hombre de 50 años de Richmond, ambos hospitalizados y posteriormente dados de alta. La policía encontró numerosos casquillos de bala en la escena y activó el sistema ShotSpotter tras detectar 17 disparos. La muerte de Tay Way fue el homicidio número 15 de Richmond en 2020. En marzo de 2021, seis meses después del crimen, la policía arrestó a Deante Reed, de 22 años, y lo acusó de asesinato y conspiración para cometer asesinato. Los registros judiciales atribuyeron el crimen a la banda Manor Boyz, con base en Richmond, y alegaron que Reed condujo un Nissan SUV alquilado hasta la ubicación que Tay Way había revelado en Instagram, mientras un pasajero abría fuego. Reed también fue acusado de un tiroteo no fatal ocurrido seis días antes, en el que supuestamente participó junto a...
**La bailarina, coreógrafa y cantante estadounidense falleció el 24 de septiembre de 2024 a los 62 años en su casa de Los Ángeles. Fue la compañera de escenario de Prince durante su época más creativa, la mente detrás de coreografías icónicas y la voz que rapeó en “Alphabet St.” Su historia es la de una artista que se abrió camino desde los clubes de Chicago hasta el centro del universo de un genio.** Catherine Vernice Glover nació en Chicago el 24 de julio de 1962, una de seis hermanos. Empezó a bailar a los cinco años y creció en el West Side antes de mudarse a Morgan Park. Su familia recuerda una anécdota que la retrata perfectamente: cuando tenía seis años y debía cantar una canción tradicional de Pascua ante la congregación de su iglesia, en lugar de seguir el guion, se puso a chasquear los dedos, a mover las caderas y a cantar “Hang Down Your Head Tom Dooley”. La gente se cayó de las sillas de risa. Su prima, la periodista Chinta Strausberg, lo resume: “Era nuestra estrella. Bailaba mejor que nadie en las reuniones familiares”. Esa necesidad de hacer las cosas a su manera, de romper el molde antes de que alguien le dijera cuál era el molde, definiría toda su carrera. De Chicago a Los Ángeles: una obsesión llamada Prince Glover se mudó a Los Ángeles siendo adolescente. Trabajaba en una tienda de Beverly Hills llamada The Beautiful Web durante el día y bailaba en clubes como The Palace por la noche. Pero su verdadera obsesión tenía nombre y apellido. “La primera vez que oí hablar de Prince fue después de su álbum Dirty Mind”, recordaba. “Vivía sola en el North Side de Chicago. Lo único que me ayudó a superar la depresión fue escuchar ese álbum. Sabía que tenía que conocerlo. Era como si hablara con mi yo interior”. Su oportunidad llegó en 1986, cuando participó junto a su amigo Patrick Allen en el programa de talentos Star Search bajo el nombre de Pat and Cat. Fueron el primer dúo en la historia del programa en obtener una puntuación perfecta de cuatro estrellas, y repitieron la hazaña en rondas posteriores. Perdieron la final, pero su actuación llamó la atención de David Bowie y lo que era más importante, de Prince. La presentación formal ocurrió en una cena en la casa de Prince en Beverly Hills. Después, el grupo salió a un club. Prince se acercó a ella y le preguntó: “Cuando ponga una buena canción, ¿bailarías conmigo?”. Tres canciones después sonó “Simply Irresistible” de Robert Palmer. Glover llevaba botas de cowboy, vaqueros y guantes de cuero. Prince empezó a hacer pasos y ella los imitó. Él los complicó. Ella lo siguió. “Esa fue la noche en que todo empezó”, recordaba. Al día siguiente, Prince le ofreció un puesto en su banda. Y también lo hizo Bowie, que la quería para su gira Glass Spider. Glover eligió a Prince. No era una decisión difícil: era la culminación de años de obsesión. El universo de Prince: Sign o’ the Times y Lovesexy Glover se unió a la banda de Prince en diciembre de 1986 y se convirtió en una pieza central de su universo durante los siguientes tres años. No era una bailarina de fondo. Era la contraparte femenina perfecta: enérgica, imprevisible, con un estilo que desafiaba las convenciones y una presencia escénica que competía de tú a tú con la del propio Prince. Su primer gran proyecto fue la película-concierto Sign o’ the Times (1987), donde apareció como bailarina, coreógrafa y vocalista de apoyo. Al...
El músico británico falleció el 22 de julio de 2024 a los 90 años en su casa de California. Fundador de los Bluesbreakers y mentor de Eric Clapton, Peter Green o Mick Taylor, su influencia en la música del siglo XX es incalculable. No fue una estrella, pero sin él, muchas estrellas nunca habrían brillado. John Mayall tenía treinta años cuando decidió que quería ser músico profesional. No era un adolescente con una guitarra y un sueño: era un diseñador gráfico con un trabajo estable, una esposa y una vida ordenada en Macclesfield, cerca de Manchester. Pero en 1963 hizo las maletas y se mudó a Londres, en pleno auge del rhythm and blues británico. No buscaba fama ni fortuna. Buscaba tocar el blues que había descubierto en los discos de 78 rpm de su padre y que, por alguna razón, hablaba directamente de su vida, de sus sentimientos, de sus circunstancias. Lo que ocurrió después no fue una carrera convencional. Fue algo más extraño y más importante: Mayall se convirtió en el hombre que le enseñó el blues a una generación entera de músicos británicos, y de paso, cambió la historia del rock. Los años de formación John Brumwell Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, Cheshire. Su padre era un guitarrista aficionado y un entusiasta del jazz y el blues, y Mayall creció escuchando esa música en casa. Aprendió a tocar el piano, la guitarra y la armónica de forma autodidacta, y en su adolescencia completó un curso por correspondencia para aprender a tocar el ukelele al estilo de George Formby. Antes de dedicarse a la música, hizo el servicio militar —que incluyó una estancia en Corea— y estudió en la Manchester College of Art. Trabajó como diseñador gráfico en un estudio comercial durante varios años, mientras tocaba en bandas locales como The Powerhouse Four y, más tarde, la Blues Syndicate. Fue Alexis Korner, una de las figuras fundacionales del blues británico, quien lo convenció de dar el salto a Londres y dedicarse a la música a tiempo completo. Korner lo introdujo en la escena de los clubes londinenses y le consiguió sus primeros conciertos. En 1963, Mayall renombró su banda como The Bluesbreakers y comenzó a tocar regularmente en el Marquee Club, el mismo local que serviría de plataforma para los Rolling Stones y The Who. La banda escuela Los Bluesbreakers no eran una banda al uso. Eran una institución en constante rotación, un lugar donde los músicos jóvenes llegaban, aprendían y se marchaban para formar sus propios grupos. Mayall no era un talent scout en el sentido tradicional, pero tenía un ojo infalible para detectar el talento. Por sus filas pasaron, entre 1965 y 1969, algunos de los nombres que definirían el rock de las siguientes décadas: Eric Clapton, que se unió en 1965 tras dejar los Yardbirds y grabó con Mayall el legendario Blues Breakers (1966), antes de marcharse para formar Cream. Peter Green, que sustituyó a Clapton y grabó A Hard Road (1967) antes de fundar Fleetwood Mac. Mick Taylor, que grabó Crusade (1967) y Bare Wires (1968) antes de unirse a los Rolling Stones. Mick Fleetwood y John McVie, que también pasaron por la banda y fueron miembros fundadores de Fleetwood Mac. Jack Bruce, que se uniría a Clapton en Cream. La lista de alumni es, en palabras del New York Times, “un quién es quién de la realeza del pop británico”. Clapton describió su paso por los Bluesbreakers como una “escuela de perfeccionamiento musical”: vivió en una habitación minúscula en la casa de Mayall para absorber todo lo...
La cantante de jazz y quinta esposa del legendario entertainer falleció el 23 de septiembre de 2013 a los 72 años. Su carrera no se limitó a acompañar a un genio: gestionó su memoria, protegió su obra y se aseguró de que su música siguiera sonando décadas después de su muerte. Gia Maione tenía veintiún años cuando se presentó a una audición en el Latin Casino de Cherry Hill, Nueva Jersey. Louis Prima, que acababa de divorciarse de Keely Smith, su vocalista y compañera durante años, buscaba una nueva voz femenina para su banda. Gia cantó. Prima la eligió en el acto. Lo que empezó como un contrato profesional se convirtió, dos años después, en matrimonio. Y lo que empezó como matrimonio se transformó, tras la muerte de Prima, en una misión de por vida: preservar y difundir la obra de uno de los entertainers más importantes del siglo XX. Nació el 20 de mayo de 1941 en Roebling, Nueva Jersey. Murió el 23 de septiembre de 2013 en Pensacola, Florida, a los 72 años. Una formación clásica para un destino inesperado Gia Maione empezó a estudiar piano a los cuatro años y continuó durante diecisiete años, formándose bajo la tutela de Alma Steedman, directora del coro del Westminster Choir College de Princeton. Se graduó en el instituto de Toms River en 1959 y recibió el National Arion Society Award en música. Su plan era ahorrar trabajando en un Howard Johnson’s para costearse la Juilliard School de Nueva York. No llegó a Juilliard. Pero llegó a algo más difícil de conseguir: se convirtió en la voz femenina de una de las bandas más populares de Estados Unidos. Los años con Louis Prima En 1962, Prima buscaba una vocalista que pudiera llenar el vacío dejado por Keely Smith. La encontró en Gia. La contrató, y un año después, el 12 de febrero de 1963, se casaron. Gia se convirtió en la quinta y última esposa de Prima. Juntos grabaron catorce álbumes y numerosos sencillos para sellos como Capitol Records, Disney Records y Brunswick. Su colaboración más recordada es Let’s Fly With Mary Poppins (1965), un álbum de versiones jazzísticas de las canciones de la película de Disney que se convirtió en un éxito popular. Actuaron en los escenarios más importantes de Estados Unidos: el Copacabana y el Basin Street East de Nueva York, el Sahara y el Sands de Las Vegas, el Palmer House de Chicago. Aparecieron en programas de televisión como los de Ed Sullivan, Johnny Carson, Dean Martin, Merv Griffin y Mike Douglas. Gia se codeaba con Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Peggy Lee. No era una simple acompañante: era una cantante con formación clásica que aportaba a la banda de Prima una sofisticación vocal que complementaba su estilo irreverente y explosivo. La enfermedad y la muerte de Prima En 1975, mientras se sometía a una operación para extirpar un tumor cerebral benigno en Los Ángeles, Louis Prima entró en coma y nunca recuperó la consciencia. Murió casi tres años después, el 24 de agosto de 1978, en Nueva Orleans. Gia tenía 37 años. Se quedó con dos hijos pequeños —Lena y Louis Jr.— y con un patrimonio que, durante casi quince años, quedó atrapado en litigios. No fue un proceso sencillo. Pero Gia no se rindió. La guardiana del legado En 1994, Maione asumió el control de los archivos de Prima. A partir de ese momento, se dedicó a una tarea que rara vez se reconoce en el mundo de la música: gestionar, proteger y difundir el legado de un artista fallecido. Remasterizó grabaciones, gestionó licencias para...
La mezzosoprano francesa de origen español falleció el 23 de septiembre de 1836 a los 28 años, tras una carrera tan deslumbrante como breve. Su vida inspiró óperas, novelas y una leyenda que aún hoy perdura. Maria de la Felicidad García nació en París el 24 de marzo de 1808. Era hija del tenor español Manuel García, uno de los músicos más influyentes de su tiempo, y hermana de Pauline Viardot, que también se convertiría en una cantante legendaria. Creció en un ambiente donde la música no era una elección, sino una imposición. Su padre, un maestro riguroso cuya severidad hacia ella era notoria, la sometió desde niña a un entrenamiento vocal de una exigencia que rozaba la crueldad. Aquella disciplina feroz, sin embargo, forjó una de las voces más extraordinarias del siglo XIX. De niña prodigio a estrella internacional Su primera aparición pública fue a los cinco años, cantando en Nápoles en Agnese de Paër. A los diecisiete, con apenas dos días de aviso, debutó en la ópera en Londres con Il barbiere di Siviglia. No era una promesa: era una realidad que deslumbraba a todos los que la escuchaban. En 1825 viajó con su familia a Nueva York, donde los García introdujeron por primera vez la ópera italiana en América. Allí, con apenas dieciocho años, se casó con el banquero François Eugène Malibran, un matrimonio que pronto se reveló desastroso. El hombre que parecía ofrecerle una vía de escape de la tiranía paterna resultó ser un error más en su vida. La unión fue breve, y tras la quiebra de su marido, Maria regresó a Europa en 1827. La consagración en París e Italia Su debut parisino en el Théâtre Italien en 1828 con Semiramide la coronó definitivamente como estrella. A partir de ahí, su carrera fue un ascenso imparable. Cantó en Londres, en Roma, en Nápoles, en Bolonia, en Milán. Se convirtió en la intérprete predilecta de Rossini y Bellini, y sus interpretaciones de Norma, La sonnambula y Desdemona en Otello se convirtieron en modelos que nadie podía imitar. Los compositores escribían para ella: Donizetti le confió el papel protagonista de Maria Stuarda, que estrenó en 1835 causando un escándalo al ignorar las modificaciones que la censura milanesa había exigido. Su voz era un fenómeno en sí mismo. Poseía una extensión extraordinaria que le permitía cantar tanto partes de contralto como de soprano, y su agilidad era asombrosa. Pero más allá de la técnica, lo que la hacía única era su temperamento: era una intérprete original y creadora, capaz de abandonarse al ímpetu de una inspiración repentina y de conmover al público con una intensidad que pocos artistas han igualado. El amor y la tragedia En 1830, mientras su primer matrimonio se desmoronaba, conoció al violinista belga Charles-Auguste de Bériot. Fue, según todas las fuentes, el gran amor de su vida. Juntos vivieron una relación que la sociedad de su tiempo no estaba dispuesta a aceptar, y no fue hasta marzo de 1836, tras la anulación de su primer matrimonio, cuando pudieron casarse. Pero la felicidad duró poco. En julio de 1836, durante una excursión a caballo en Londres, Maria sufrió una caída. Su cabeza golpeó el suelo y quedó inconsciente. A partir de aquel accidente, padeció dolores de cabeza continuos y ataques nerviosos, pero siguió trabajando. Los médicos de la época, según los estudios modernos, no supieron diagnosticar lo que hoy se considera un hematoma subdural crónico. En septiembre de 1836 acudió a un festival de música en Mánchester. Su salud se deterioró rápidamente. Los ataques nerviosos, los dolores de cabeza y los desmayos se...
El actor y cantante de country falleció el 23 de septiembre de 1982 a los 68 años. Fue uno de los últimos representantes de una estirpe que ya no volverá: la de los vaqueros que cantaban, y lo hacían con una voz que sonaba a polvo de carretera, a guitarra prestada y a una América que se desvanecía. James Clarence Wakely nació el 16 de febrero de 1914 en una cabaña de troncos en Mineola, Arkansas. Su familia se trasladó a Oklahoma cuando él era apenas un niño, y fue allí, en los ranchos de vacuno y cerdos de la Depresión, donde aprendió a montar, a trabajar y a cantar. A los siete años tomó su primera lección de música con una guitarra prestada por un indígena choctaw. No era un niño prodigio. Era un niño que escuchaba, que absorbía, que entendía que la música no era un adorno, sino una forma de vida. Murió el 23 de septiembre de 1982 en Mission Hills, California, a causa de una insuficiencia cardíaca derivada del enfisema que padecía desde años atrás. Tenía 68 años. Los años de Oklahoma En 1937, Wakely formó en Oklahoma City un grupo vocal llamado The Bell Boys, bautizado así por el patrocinio de una tienda de ropa. El grupo actuaba localmente, grababa algunos discos y emitía con frecuencia a través de la radio WKY de Oklahoma City. Entre sus miembros estaban Johnny Bond, Dick Reinhart, Scotty Harrell y Jack Cheney, nombres que luego formarían parte de la historia del country de la costa oeste. Durante una gira por Oklahoma, Gene Autry lo escuchó y lo invitó a California. Autry pensó que el trío de Wakely podría ser una buena incorporación a su nuevo programa de radio, Melody Ranch, que debutó en CBS en enero de 1940. Wakely aceptó. Se trasladó a California y se unió al programa, donde permaneció un par de años antes de dejarlo por compromisos cinematográficos y un contrato discográfico con Decca Records que se extendió de 1941 a 1947. El vaquero que cantaba En 1939, Wakely hizo su debut cinematográfico con el Jimmy Wakely Trio en un western de Roy Rogers, Saga of Death Valley. A partir de ahí, su carrera en el cine fue imparable. Apareció en películas de Hopalong Cassidy como Twilight on the Trail y Stick to Your Guns, y en 1942 participó en Heart of the Rio Grande, la única película que hizo con Gene Autry. Entre 1944 y 1949 rodó 28 westerns para Monogram Pictures, convirtiéndose en uno de los rostros más reconocibles del género de serie B. Le llamaban a veces “un Autry de bajo presupuesto”, y él respondía con una humildad que lo retrataba: “Todo el mundo le recuerda a alguien hasta que es alguien. Y prefiero que me comparen con Gene Autry que con cualquier otro. Por la gracia de Dios y de Gene Autry, tengo una carrera”. Sus películas incluían títulos como The Tulsa Kid, Deep in the Heart of Texas, Moon Over Montana, Cowboy Cavalier y Across the Rio Grande. No eran obras maestras del cine, pero eran películas honestas, hechas para un público que quería ver a un vaquero cantar, galopar y hacer justicia en menos de una hora. La música: del country al pop La carrera musical de Wakely fue igual de prolífica que la cinematográfica. Tras su etapa en Decca, fichó por Capitol Records, donde grabó la mayor parte de su obra más popular. Aunque la mayoría de sus canciones eran country western, algunas cruzaron al pop, incluyendo colaboraciones con Margaret Whiting y Karen Chandler, y la canción navideña...
El guitarrista fundador de New Found Glory falleció el pasado 20 de septiembre a los 45 años, tras cinco años de lucha contra un cáncer suprarrenal poco frecuente. Su legado no se mide solo en discos vendidos, sino en la huella que dejó en una escena entera. Chad Everett Gilbert tenía diecisiete años cuando fundó New Found Glory en Coral Springs, Florida. No había un plan maestro detrás de aquello, había un grupo de adolescentes con el pelo teñido que no encajaban en ningún sitio y que encontraron en la música un lugar al que pertenecer. Esa idea (la de construir un refugio para los que no tenían uno) sería el motor de todo lo que vino después. Murió el 20 de septiembre de 2026, mientras dormía, con su esposa Lisa Cimorelli y su madre Jackie a su lado, teniendo 45 años. Los años de formación Antes de New Found Glory, Gilbert había sido vocalista de Shai Hulud, una banda de hardcore de Florida con cierta reputación en el circuito underground. Aquella experiencia le dio algo que muchos guitarristas de pop-punk no tenían: un conocimiento profundo de la intensidad, de la tensión, de la energía cruda. Cuando formó su propia banda en 1997, supo cómo canalizar todo eso hacia algo más melódico sin perder un ápice de fuerza. La formación original (Gilbert, Jordan Pundik, Steve Klein, Ian Grushka y Joe Marino, pronto sustituido por Cyrus Bolooki) publicó su debut, Nothing Gold Can Stay, en 1999. No fue un éxito inmediato. Fue, más bien, el inicio de una construcción lenta y constante, disco a disco, concierto a concierto. El sonido de una década El reconocimiento masivo llegó en 2002 con Sticks and Stones, cuyo single principal, “My Friends Over You” , alcanzó el número 85 de la lista Billboard Hot 100. Dos años después, Catalyst confirmó que no era un golpe de suerte: la banda se había convertido en una de las referencias del pop-punk de los 2000. Gilbert fue el principal compositor de la banda durante casi tres décadas. Escribía las canciones, construía los riffs, definía las estructuras. No era un guitarrista de lucimiento personal: era un compositor que entendía que una canción no se mide por su dificultad técnica, sino por su capacidad de quedarse en la cabeza del oyente. Sus riffs no eran complejos; eran memorables. Sus estribillos no eran experimentales; eran himnos. En total, la banda grabó más de una docena de álbumes, desde aquel debut de 1999 hasta Listen Up! , publicado en 2026, apenas unos meses antes de su muerte. Más allá de su propia banda La influencia de Gilbert trascendió New Found Glory. Fue un productor respetado en la escena, trabajando en discos de A Day to Remember (Homesick, What Separates Me From You, Common Courtesy), H2O (Nothing to Prove) y Fireworks (All I Have to Offer Is My Own Confusion). También colaboró con Fall Out Boy, aportando coros en From Under the Cork Tree y guitarras en “The Take Over, The Breaks Over”. Mantuvo, además, un proyecto paralelo de hardcore, International Superheroes of Hardcore, donde adoptó el seudónimo de Captain Straight Edge. Era una forma de volver a sus raíces, de recordar de dónde venía. Estuvo casado con Sherri DuPree, de la banda de rock indie Eisley. Contrajeron matrimonio en febrero de 2007 y se divorciaron ese mismo año. En 2008 comenzó una relación con la vocalista de Paramore, Hayley Williams. El 31 de diciembre de 2014, Gilbert confirmó a través de su cuenta oficial de Instagram que Williams y él se habían comprometido. El 20 de febrero de 2016 contrajo matrimonio...
Charles Nicholas Hodges, conocido como Chas Hodges, fue uno de esos músicos cuya trayectoria resulta mucho más extensa de lo que su gran éxito junto a Chas & Dave podría hacer pensar. Cantante, pianista, guitarrista, bajista y músico de sesión, Hodges comenzó a trabajar profesionalmente durante los años sesenta y llegó a acompañar a artistas como Jerry Lee Lewis y Gene Vincent. Más tarde, junto a Dave Peacock, creó un estilo propio que mezclaba rock and roll, blues, country, music hall y el característico acento cockney de Londres. El resultado fue bautizado como rockney: una mezcla de rock y Cockney que convirtió a Chas & Dave en uno de los dúos más reconocibles de la música británica. Chas murió el 22 de septiembre de 2018, mientras dormía, a los 74 años, después de sufrir una neumonía. 🎹 Antes de Chas & Dave ya había una larga carrera Nacido el 28 de diciembre de 1943 en Edmonton, Londres, Chas Hodges comenzó a hacerse un nombre en la escena musical británica durante los años sesenta. Pasó por distintas formaciones y trabajó como músico de sesión, participando en grabaciones y giras de artistas de primera línea. Entre sus colaboraciones estuvieron Jerry Lee Lewis, Gene Vincent, Mike Berry y Ritchie Blackmore, mucho antes de que su nombre quedara asociado definitivamente a Chas & Dave. También formó parte de Heads Hands & Feet, banda de country rock en la que coincidió con Dave Peacock. La experiencia sería importante para ambos, porque después de la separación del grupo comenzaron a plantearse hacer algo diferente. Hodges había pasado una parte de su carrera cantando con un acento estadounidense que era habitual en el rock británico de la época. Pero llegó un momento en el que decidió que no tenía sentido fingir otra identidad. Quería cantar como hablaba. Y precisamente ahí empezó a aparecer el sonido que terminaría definiendo su carrera. 🇬🇧 Chas & Dave y el nacimiento del «rockney» Hodges y Peacock comenzaron a trabajar juntos como Chas & Dave durante los primeros años setenta, incorporando posteriormente al batería Mick Burt. Su propuesta tenía algo poco habitual: hablaban de la vida cotidiana de Londres, de pubs, relaciones, fútbol y pequeñas historias reconocibles, pero lo hacían sobre una base musical construida a partir del rock and roll, el boogie-woogie y el music hall británico. En 1975 publicaron su primer álbum, One Fing ‘n’ Anuvver. Aquella manera de escribir y cantar terminó recibiendo el nombre de rockney, una combinación de rock y Cockney que se convirtió prácticamente en su propia marca musical. No necesitaban sonar estadounidenses para hacer rock. Sonaban a Londres. 🎤 «Rabbit», «Gertcha» y una forma muy británica de hacer pop Durante los años setenta y ochenta, Chas & Dave consiguieron varios éxitos en Reino Unido. Entre ellos estuvieron «Gertcha», «Rabbit», «Snooker Loopy» y «Ain’t No Pleasing You». «Rabbit», publicada en 1980, se convirtió en uno de sus temas más conocidos y resume perfectamente la personalidad del dúo: una canción sencilla, pegadiza y humorística, construida alrededor de la interpretación vocal y del piano de Hodges. Pero su influencia no se limitó a las listas. Chas & Dave consiguieron convertir una manera de hablar, una cultura local y determinadas costumbres londinenses en material pop reconocible en todo Reino Unido. También estuvieron estrechamente vinculados al Tottenham Hotspur, para el que escribieron e interpretaron canciones relacionadas con el club y sus éxitos deportivos. 🎸 Chas Hodges también fue músico de músicos Aunque el gran público lo identificaba principalmente con Chas & Dave, Hodges tenía una dimensión musical mucho más amplia. Era un multiinstrumentista capaz de tocar piano, guitarra, bajo...