El músico croata, líder de la banda Majke y una de las figuras más importantes del rock de los Balcanes, falleció el 9 de octubre de 2026 a los 62 años. Fue encontrado sin vida en su apartamento de Zagreb por los miembros de su banda. Su voz áspera, sus letras sin filtro y su presencia escénica incendiaria lo convirtieron en un símbolo de una generación que encontró en el rock una forma de decir lo que nadie quería escuchar. Goran Bare nació el 16 de agosto de 1965 en Vinkovci, una ciudad del este de Croacia que a finales de los años setenta y principios de los ochenta, vivía una efervescencia musical extraordinaria. Creció en una familia trabajadora, y según contó él mismo, la chispa se encendió cuando, siendo un niño, vio a los Rolling Stones en la televisión. Aquel día decidió que la música sería su vida. No tenía un plan B. No lo necesitaba. Su primer grupo lo formó con apenas catorce años. Pero fue en 1984, con diecinueve, cuando fundó Majke, la banda que lo acompañaría —con interrupciones— durante más de cuatro décadas. La formación original incluía al bajista Nedjeljko Ivković “Kilmister”, el baterista Željko Mikulić “Korozija” y los guitarristas Ivica Duspara y Marin Pokrovac. El nombre, “Madres” en croata, era una provocación deliberada. Nada en Goran Bare era casual. El sonido de una ciudad que ya no existe Majke no eran una banda de rock al uso. Su sonido bebía de fuentes diversas: el garage rock de los Stooges y los MC5, el hard rock de Motörhead, el blues más primitivo, la energía del punk. No buscaban la sofisticación ni la experimentación. Buscaban la verdad. Y la verdad, en aquel contexto, sonaba a guitarras distorsionadas y a una voz que parecía arrancada de las entrañas. Su primer material promocional, “Majke zauvijek”, llegó en 1987. Pero el reconocimiento llegó en 1990, con su álbum debut, Razum i bezumlje (“Razón y locura”), que fue proclamado rock-album del año por la crítica croata. Canciones como “A ti još plačeš”, “Mene ne zanima” y “Budi ponosan” se convirtieron en himnos para una juventud que veía desmoronarse el país que conocía. Porque 1990 no fue un año cualquiera. Fue el año en que Yugoslavia comenzó a desintegrarse. Fue el año en que la guerra llamó a la puerta. Y Majke, sin proponérselo, se convirtieron en la banda sonora de aquel desmoronamiento. La voz de una generación que se rompía Razdor (“División”) llegó en 1993, en plena guerra. El título no podía ser más profético. Croacia estaba en llamas, las ciudades eran bombardeadas, las familias se rompían, y Goran Bare cantaba sobre todo ello con una crudeza que no admitía adornos. Su voz, áspera, rota, auténtica, se convirtió en el vehículo perfecto para expresar la rabia, el dolor y la confusión de un país que se deshacía. Vrijeme je da se krene (“Es hora de moverse”) llegó en 1996, cuando los ecos de la guerra aún resonaban. Y Teške boje (“Colores oscuros”) en 2011, tras la reunificación de la banda, se convirtió en uno de los mayores éxitos del rock regional de todos los tiempos, con seis premios Porin (el equivalente croata al Grammy) y once nominaciones. La canción homónima, “Teške boje”, es hoy un estándar del rock balcánico, una canción que habla de pérdida, de oscuridad y de la dificultad de seguir adelante. El hombre detrás de la leyenda Goran Bare no era solo un músico. Era una presencia. Su figura en el escenario, con su voz desgarrada y su energía incendiaria, era algo que había que ver para...
Legado Musical
El legendario cantante de soul y R&B falleció el 10 de octubre de 2010 en el aeropuerto de Schiphol, en Ámsterdam, a los 70 años. Fue uno de los arquitectos del soul, el hombre que escribió “Everybody Needs Somebody to Love” y que, pese a no alcanzar la fama de sus contemporáneos, fue considerado por el productor Jerry Wexler como “el mejor cantante de soul de todos los tiempos”. Solomon Burke nació el 21 de marzo de 1940 en Filadelfia, en el seno de una familia que había fundado su propia iglesia, la United Praying Band The House of God for All People. Creció, como él mismo decía, “al sonido de las trompetas y los tambores”. A los doce años ya era predicador y presentaba su propio programa de radio gospel. El gospel no era una influencia en su música: era su lengua materna. Cuando años después empezó a cantar R&B, lo que hacía no era cambiar de género, sino traducir el púlpito al escenario. El gigante que inventó el soul Burke firmó con Atlantic Records en 1960 y, bajo la producción de Bert Berns, se convirtió en uno de los primeros artistas de R&B en ser llamados “soul”. No era una etiqueta comercial: era una descripción. Su voz, un torrente de barítono capaz de pasar del susurro al grito en un solo compás, incorporaba todas las técnicas del gospel —interjecciones gritadas, melismas, recitaciones exhortatorias, un timbre rasgado— y las aplicaba a canciones sobre amor, deseo y pérdida. Sus primeros éxitos llegaron en 1961 con “Just Out of Reach”, una versión R&B de una balada country. Le siguieron “Cry to Me” (1962), “If You Need Me” (1963), “Goodbye Baby (Baby Goodbye)” (1964) y “Got to Get You Off My Mind” (1965). Canciones que definieron el sonido del soul de los sesenta y que siguen sonando, décadas después, en películas, anuncios y emisoras de clásicos. “Everybody Needs Somebody to Love”: el himno que lo trascendió En 1964, Burke coescribió junto a Bert Berns y Jerry Wexler “Everybody Needs Somebody to Love”, una canción que se convirtió en un estándar casi inmediato. The Rolling Stones la grabaron ese mismo año, Wilson Pickett también, y una década después The Blues Brothers la inmortalizaron en su película homónima. La canción es, hoy, un himno universal, un recordatorio de que la necesidad de amor y de conexión es lo que nos hace humanos. Burke no era solo un intérprete: era un predicador. Su música hablaba de amor, de fe, de esperanza y de comunidad. No en vano, en 2000 actuó ante el Papa Juan Pablo II en el Vaticano. El hombre que había empezado predicando en una iglesia de Filadelfia terminó cantando para el líder de la Iglesia católica. No era una contradicción: era la culminación de una vida dedicada a servir a través de la música. El rey sin trono Burke se autoproclamó “Rey del Rock and Soul” y la corona no era una exageración. En el escenario aparecía a veces con una capa y una corona enjoyada, un gesto que algunos leían como arrogancia y que en realidad era teatro, una forma de convertir cada concierto en una ceremonia. Pero su reinado nunca fue reconocido por la industria como el de James Brown o Marvin Gaye. Su popularidad nunca igualó a la de sus contemporáneos, aunque su influencia sí. Jerry Wexler, el legendario productor de Atlantic, lo llamó “el mejor cantante de soul de todos los tiempos”. No era una hipérbole. La voz de Burke tenía una cualidad que pocos podían igualar: autenticidad. Cada palabra que cantaba sonaba como si la hubiera...
El legendario acordeonista y locutor irlandés falleció el 8 de octubre de 2021 en el Hospital St James de Dublín a los 82 años, tras una larga enfermedad. Fue una figura fundamental de la música tradicional irlandesa, un hombre que revolucionó la forma de tocar el acordeón de botones y que dedicó su vida a preservar y difundir el legado musical de su país desde las ondas de RTÉ. El niño de Ennis que escuchó a los gigantes Anthony “Tony” MacMahon nació el 18 de abril de 1939 en Ennis, condado de Clare, una región del oeste de Irlanda con una densidad musical extraordinaria. Creció en una casa donde la música no era un adorno, sino una presencia cotidiana. Su padre, PJ, había sido voluntario del IRA en Clare entre 1917 y 1921, y por aquella casa pasaban músicos de paso, jornaleros y artistas itinerantes que encontraban en la familia MacMahon un plato caliente y un lugar donde tocar. Entre aquellos visitantes había una figura que lo cambió todo: Joe Cooley, un acordeonista de Galway que trabajaba como jornalero en Ennis y que se convirtió en un visitante habitual del hogar de los MacMahon entre 1949 y 1954. Cooley no era solo un músico: era una fuerza de la naturaleza. Tocaba con una energía que desafiaba la gravedad, y su estilo de “press-and-draw” (el sistema del acordeón de botones irlandés, en el que cada botón produce dos notas diferentes según se abra o cierre el fuelle) se convirtió en la base técnica de todo lo que MacMahon haría después. Fue Cooley quien le regaló su primer acordeón, un pequeño modelo de piano, y quien le enseñó que la música no era una cuestión de notas, sino de intención. “Me dio mi primer acordeón”, recordaba MacMahon. “Y me dio algo más importante: me enseñó que tocar no es solo apretar botones”. La revolución del aire lento MacMahon no fue un virtuoso de la velocidad. Fue algo más difícil y más valioso: un intérprete de aire lento. Desarrolló una técnica única para tocar slow airs en el acordeón, con un uso sutil de los bajos y de la dinámica que convertía cada interpretación en una confesión. Donde otros buscaban el efecto, él buscaba la verdad. Donde otros buscaban el aplauso, él buscaba el silencio que sigue a la última nota. Su estilo era, en palabras del Irish Times, “profundamente soulful en tono y bullicioso en espíritu, según lo exigieran las melodías”. No era un músico de un solo registro. Podía pasar de la melancolía más honda a la energía más desbordante sin perder nunca su voz propia. Su amor por la música de Tommie Potts, Joe Bane, Joe Cooley y Mrs Ellen Galvin impregnaba todo lo que tocaba. El hombre que llevó la música a la televisión Pero MacMahon no fue solo un músico. Fue, quizá, el mayor divulgador de la música tradicional irlandesa del siglo XX. En 1969 comenzó a trabajar como presentador freelance para RTÉ, y en 1974 se incorporó a la plantilla como productor de radio, retirándose en 1998. Entre los programas que produjo figuran algunos de los más importantes de la historia de la radiodifusión irlandesa: The Pure Drop, que dirigió durante siete temporadas; The Green Linnet, una serie de seis capítulos en la que él y el músico Barney McKenna recorrían Europa tocando en las calles; y The Long Note, un programa de radio que se convirtió en referencia para los aficionados a la música tradicional. Su enfoque como productor era claro: poner al solista en el centro. En una época en la que la música...
El cantautor escocés falleció el 8 de octubre de 2015 en su casa de Londres a los 64 años. Alcanzó el número uno en el Reino Unido en 1984 con “I Should Have Known Better”, pero su historia no es la de una estrella que se apagó, sino la de un músico que decidió bajarse del carrusel de la fama cuando aún estaba en lo más alto. James Aaron Diamond nació en Glasgow el 28 de septiembre de 1951 y creció en el barrio de Bridgeton, en una familia de clase trabajadora. Su padre era un boxeador profesional reconvertido en marinero mercante, y su madre, cantante de jazz aficionada. La música no era un lujo en casa de los Diamond: era una presencia cotidiana, una forma de expresión que se transmitía de madre a hijo. Formó su primer grupo a los 14 años y, desde muy joven, supo que la música sería su vida. No era un virtuoso ni un revolucionario. Era, ante todo, un intérprete de voz cálida y directa, un narrador de historias sencillas que hablaban de amor, pérdida y redención. A finales de los setenta, tras pasar por la banda de Alexis Korner, fundó su propio grupo, Bandit, con el que firmó con Arista Records. El debut del grupo fue recibido con indiferencia comercial y la banda se disolvió. Pero Diamond no se detuvo. A principios de los ochenta formó Ph.D. junto al teclista Tony Hymas y el baterista Simon Phillips, ambos exmiembros de la banda de Jeff Beck. En 1982, el trío alcanzó el número uno en varios países con “I Won’t Let You Down” , un tema de synth-pop elegante que se convirtió en un himno de la época. “I Should Have Known Better”: el número uno que lo cambió todo Tras la disolución de Ph.D., Diamond firmó con A&M Records y, en diciembre de 1984, alcanzó el número uno de las listas británicas con “I Should Have Known Better” , una balada coescrita con Benny Gallagher, de Gallagher & Lyle. La canción era un lamento sobre el amor perdido y el arrepentimiento, y su sencillez —piano, cuerdas y la voz desnuda de Diamond— la convirtió en un clásico instantáneo. Lo que ocurrió después es una de las anécdotas más reveladoras de su carácter. En aquel momento, Band Aid acababa de lanzar “Do They Know It’s Christmas?” , el single benéfico que buscaba recaudar fondos contra la hambruna en Etiopía. Diamond pidió públicamente al público que, en lugar de comprar su disco, gastara sus libras en el single de Band Aid. Era un gesto que decía más de él que cualquier premio: la fama no le interesaba si no servía para ayudar a alguien. Hi-Ho Silver y la retirada de los focos En 1986 volvió a las listas con “Hi-Ho Silver” , el tema principal de la serie de televisión británica Boon, que alcanzó el número 5 en el Reino Unido. La canción era un himno optimista, con un estribillo que se pegaba al oído y una energía que contrastaba con la melancolía de sus baladas. Pero Diamond no estaba cómodo con la fama. A medida que avanzaban los ochenta, se alejó progresivamente de los focos. Siguió grabando (publicó discos en los noventa, incluyendo un álbum homónimo en 1993) pero dejó de perseguir el éxito comercial. Se instaló en Londres y dedicó sus últimos años a recaudar fondos para Cash for Kids , una organización benéfica dedicada a ayudar a niños desfavorecidos. No buscaba el aplauso. Buscaba la utilidad. La despedida Jim Diamond murió en su casa de Londres el 8 de octubre de...
El músico estadounidense, que formó parte de Weezer durante la grabación del “Green Album”, falleció el 8 de octubre de 2011 en un hotel de Chicago a los 40 años. Su muerte, por una sobredosis accidental, puso fin a una segunda vida como pintor que lo había reconciliado con el arte y, quizá, consigo mismo. Michael Edward “Mikey” Welsh nació el 20 de abril de 1971 en Siracusa, Nueva York. Creció en una casa donde el arte no era un adorno, sino una presencia cotidiana. Su padre era pintor, y él mismo se formó como artista visual antes de que la música le cambiara la vida a los diecinueve años. “Fue un pintor antes de pasarse a la música”, resume su biografía oficial. Esa frase, que en su momento pudo parecer una nota al margen, resultó ser la clave de todo su recorrido: el arte fue su primer lenguaje, y el último al que regresó. Antes de Weezer, Welsh se curtó en la escena de Boston, tocando en bandas como Slost, Chevy Heston, Jocobono, Left Nut y Heretix, y girando con Juliana Hatfield. Eran años de locales pequeños, furgonetas compartidas y un aprendizaje que no se enseña en ningún conservatorio. En 1997 conoció a Rivers Cuomo, que lo reclutó para su proyecto paralelo, y un año después, cuando Matt Sharp dejó Weezer, Welsh ocupó su lugar en el bajo. El “Green Album”: el disco que lo inmortalizó La etapa de Welsh en Weezer fue breve, pero dejó una huella imborrable. Fue el bajista del Weezer homónimo de 2001, conocido por todos como el Green Album, el disco que devolvió a la banda a la primera línea del rock alternativo tras varios años de silencio. Producido por Ric Ocasek, fue el único álbum de estudio de Weezer en el que Welsh participó. Canciones como “Hash Pipe”, “Island in the Sun” y “Photograph” llevan su bajo, su groove y su energía. En agosto de 2001, sin embargo, abandonó la banda. La versión oficial habla de un colapso nervioso y de problemas de salud derivados del consumo de drogas. Welsh había luchado contra la adicción antes, y aquella gira lo llevó al límite. “Dejó la banda después de sufrir una crisis nerviosa”, confirmaba el sitio oficial de Weezer en aquel momento. Fue reemplazado por Scott Shriner, que sigue siendo el bajista del grupo hasta hoy. La reinvención: de los escenarios a los estudios de arte Lo que vino después no fue un declive, sino una reinvención. Welsh se retiró de la música para dedicarse por completo a la pintura. Se instaló en Burlington, Vermont, y construyó una carrera como artista visual que, en muchos sentidos, fue más satisfactoria que la musical. Sus obras eran coloridas, instintivas y expresivas, pobladas de figuras primitivas a gran escala y abstractos que deconstruían su propio trabajo figurativo. Sus referentes eran Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Picasso y Basquiat. Diseñó murales para parques de skate y tablas de skate y snowboard. “Sus obras son coloridas, instintivas y expresivas”, resumía una galería que expuso su trabajo. En 2006, una periodista que visitó su apartamento de Inman Square lo describió como un campo de batalla de pintura: “He hecho 17 cuadros en los últimos cuatro días”, le dijo Welsh. La urgencia creativa que había abandonado en la música la había recuperado en el lienzo. El tuit premonitorio Dos semanas antes de su muerte, Welsh escribió en Twitter algo que después se convirtió en un escalofriante testimonio: “Soñé que moría en Chicago el próximo fin de semana (ataque al corazón mientras dormía). Necesito escribir mi testamento hoy”. Lo publicó el 26...
El baterista británico falleció el 8 de octubre de 1990 en Oregón, Estados Unidos (a los 43 años) a causa de una neumonía derivada de un estado vegetativo que padecía desde 1987, tras colapsar por una sobredosis de drogas. Fue el baterista de Procol Harum durante una década, el hombre que puso el ritmo a himnos como “A Whiter Shade of Pale” y “Conquistador”. Su carrera, brillante y trágica, es un recordatorio de que la música puede elevar a un hombre hasta el cielo y, al mismo tiempo, no salvarle de sus demonios.** Barrie James Wilson nació el 18 de marzo de 1947 en Southend-on-Sea, Essex, Inglaterra. Creció en una familia donde la música no era una presencia central, pero pronto encontró en la batería una forma de expresión que no necesitaba palabras. A mediados de los sesenta, se unió a The Paramounts, la banda de Gary Brooker y Robin Trower que, tras su disolución, se convertiría en la base de Procol Harum. Wilson fue uno de los miembros fundadores de la nueva formación, y su estilo —preciso, potente, con un toque de jazz— se convirtió en una de las señas de identidad del grupo. Procol Harum no era una banda de rock convencional. Su música fusionaba el rock con la música clásica, el blues y el soul, y sus canciones eran tan complejas como atmosféricas. Wilson no se limitaba a marcar el compás: esculpía el ritmo, creaba texturas, daba espacio a los demás instrumentos. Su batería en “A Whiter Shade of Pale” (1967), el himno que definió a la banda y que se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de la historia, es un ejemplo perfecto de su arte: discreta, elegante, pero absolutamente esencial. Los años dorados de Procol Harum Wilson permaneció en Procol Harum desde su formación en 1967 hasta su disolución en 1977. Durante esa década, la banda publicó algunos de los discos más importantes del rock progresivo: Shine On Brightly (1968), A Salty Dog (1969), Home (1970), Broken Barricades (1971), Grand Hotel (1973), Exotic Birds and Fruit (1974) y Procol’s Ninth (1975). Wilson fue el único miembro que permaneció constante en todos ellos, junto a Brooker y Reid. Su estilo se fue refinando con los años. A diferencia de otros bateristas de rock progresivo que buscaban el lucimiento técnico, Wilson entendía que su función era servir a la canción. Sus patrones eran complejos pero nunca gratuitos; sus fills, precisos pero nunca innecesarios. Era, en el mejor sentido de la palabra, un músico de banda: alguien que entendía que el todo es más importante que la suma de las partes. Después de Procol Harum Tras la separación de la banda en 1977, Wilson continuó trabajando como músico de sesión. En 1978 tocó en Double Trouble de Frankie Miller, y entre 1979 y 1984 fue miembro de la banda de gira de Joe Cocker. Su currículum incluye también una participación en la banda sonora de The Rocky Horror Picture Show (1975), donde coincidió con su compañero de Procol Harum, el guitarrista Mick Grabham. En 1983 fue contratado para tocar la batería en el álbum de AC/DC Flick of the Switch, tras la salida de Phil Rudd. Grabó las pistas, pero ninguna de ellas fue utilizada en el producto final: fue reemplazado por Simon Wright. Fue un episodio más en una carrera que, aunque prolífica, nunca le dio el reconocimiento que merecía. Su último trabajo en estudio fue una participación en el álbum de Gary Brooker Echoes in the Night, junto a sus compañeros de Procol Harum Keith Reid y Matthew Fisher, en las canciones “Ghost...
La legendaria cantante de gospel estadounidense falleció el 8 de octubre de 2010 en Chicago a los 81 años, a causa de una insuficiencia respiratoria. Fundó The Caravans, el grupo que definió el sonido del gospel moderno y sirvió de trampolín para algunas de las mayores voces del género. Fue nominada al Grammy en once ocasiones y ganó el premio en 1995. Pero su verdadero legado no está en las vitrinas, sino en las decenas de artistas que aprendieron de ella y en la fundación que creó para que otros pudieran seguir su camino.** Albertina Walker nació el 29 de agosto de 1929 en el South Side de Chicago, la menor de nueve hermanos. Creció en la Iglesia Bautista West Point, donde empezó a cantar en el coro juvenil a los cuatro años. Aquella iglesia era un semillero de talento: por sus bancos pasaron Roberta Martin, Sadie Durham y el Professor Fyre, figuras fundamentales del gospel de Chicago. Albertina no era solo una niña que cantaba: era una niña que absorbía, que escuchaba, que entendía que el gospel no era un género musical, sino una forma de vivir la fe. Su mentora fue Mahalia Jackson, la gran dama del gospel, que la tomó bajo su ala y la animó a dedicarse profesionalmente a la música. Fue una relación decisiva. Mahalia no solo le enseñó técnica: le enseñó que el gospel podía ser una carrera, una vocación y un ministerio al mismo tiempo. The Caravans: el grupo que lo cambió todo En 1951, con apenas veintidós años, Albertina fundó The Caravans, un grupo vocal que se convertiría en uno de los actos de gospel más populares de las décadas de 1950 y 1960. La idea nació de una negativa: no quería grabar en solitario, así que invitó a unas amigas a cantar con ella. De aquella decisión nació una de las formaciones más influyentes de la historia del gospel. The Caravans no era un grupo más. Era una escuela. Por sus filas pasaron, en distintos momentos, James Cleveland, Shirley Caesar, Dorothy Norwood, Inez Andrews, Cassietta George, Delores Washington, Bessie Griffin y Loleatta Holloway. Muchos de ellos se convirtieron después en estrellas por derecho propio. Albertina no los veía como competencia: los veía como parte de una misión compartida. Su generosidad, su capacidad para reconocer el talento ajeno y su disposición a compartir el escenario convirtieron a The Caravans en el trampolín más importante del gospel del siglo XX. Su voz era un contralto exuberante, cálida y profunda, capaz de llenar una iglesia sin necesidad de micrófono. Pero más allá de la técnica, lo que la distinguía era su capacidad para conmover. Su canto detuvo en una ocasión el rodaje de una película porque los actores presentes no pudieron contener las lágrimas. No era una anécdota: era la prueba de que su música no era entretenimiento, era presencia. Una carrera en solitario y un compromiso intacto Tras disolver The Caravans en la década de 1970, Albertina continuó su carrera en solitario. Grabó más de 60 álbumes, obtuvo cinco discos de oro y recibió once nominaciones al Grammy. En 1995 ganó el Grammy al Mejor Álbum Tradicional de Gospel Soul por Songs of the Church: Live in Memphis. En 2001 fue incluida en el Gospel Music Hall of Fame. A lo largo de su carrera, se mantuvo fiel a su género incluso cuando le ofrecieron pasarse al R&B. En los años sesenta y setenta, cuando el soul y el funk dominaban las listas, ella siguió cantando gospel. No fue una decisión comercial: fue una decisión de principios. El gospel era su vocación,...
El guitarrista y compositor irlandés Philip Chevron falleció el 8 de octubre de 2013 en Dublín a los 56 años, tras una larga batalla contra un cáncer de cabeza y cuello que le fue diagnosticado por primera vez en 2007. Fue el hombre que escribió “Thousands Are Sailing”, uno de los himnos más conmovedores de The Pogues, y el fundador de The Radiators from Space, una de las bandas pioneras del punk irlandés. Nunca buscó el centro del escenario. Construyó el sonido desde la segunda línea y dejó una huella que sigue resonando en cada rincón donde el folk se encuentra con la rabia.** Philip Ryan nació el 17 de junio de 1957 en Santry, un suburbio al norte de Dublín. Creció en una ciudad que, a mediados de los setenta, comenzaba a despertar de un largo letargo cultural. No era un músico de formación clásica ni un virtuoso de conservatorio. Era, ante todo, un letrista, un hombre que entendía que una canción podía ser un documento histórico y un puñetazo emocional al mismo tiempo. En 1976, con apenas diecinueve años, fundó The Radiators from Space, una de las primeras bandas de punk de Irlanda. No eran un grupo de rock al uso. Eran algo más extraño y más ambicioso: un proyecto que combinaba la energía cruda del punk con una mirada literaria y melancólica sobre la historia irlandesa. Su segundo álbum, Ghostown (1979), es hoy considerado un clásico de culto, un disco que capturó la desolación y la belleza de una Dublín que se desmoronaba bajo el peso de la emigración y la crisis. El salto a The Pogues: la segunda línea que sostiene todo En 1984, Chevron se unió a The Pogues. La banda, liderada por Shane MacGowan, estaba revolucionando la música irlandesa al fusionar el folk tradicional con la furia del punk. Chevron no llegó para ser el protagonista. Llegó para completar el sonido, para añadir capas de guitarra y mandolina que hicieran que aquellas canciones de borrachos, perdedores y soñadores sonaran aún más verdaderas. Su contribución a Rum, Sodomy and The Lash (1985) y If I Should Fall From Grace With God (1988) fue decisiva. No era un guitarrista de solos pirotécnicos. Era un arquitecto de arreglos, un músico que entendía que la mejor manera de servir a una canción era no estorbar. Y cuando le tocaba brillar, lo hacía con una discreción que desarmaba a cualquiera que esperara un alarde técnico. “Thousands Are Sailing”: la canción que le dio voz a los que se fueron Si hay una composición que define el legado de Phil Chevron, esa es “Thousands Are Sailing”. La escribió para If I Should Fall From Grace With God (1988), el disco que convirtió a The Pogues en una banda internacional. La canción habla de la emigración irlandesa a Estados Unidos, de los que se marcharon con una maleta de cartón y un sueño roto, de los que nunca volvieron. No es una canción de denuncia. Es un lamento, una elegía. Chevron la cantaba con una voz que sonaba a todas las voces de todos los irlandeses que alguna vez tuvieron que decir adiós. “Thousands are sailing across the western ocean / To a land of opportunity that was never there”. La letra es un poema, una pieza de historia oral que merece estar junto a las grandes canciones de la tradición irlandesa. Y su autoría es enteramente de Chevron, un detalle que a menudo se pasa por alto cuando se habla de los grandes compositores de la banda. También escribió “Lorelei” y “Blue Heaven” para Peace and Love (1989), y...
El cantante, compositor y productor estadounidense falleció el 6 de octubre de 2017 en su casa cerca de Filadelfia a los 76 años, víctima de un infarto masivo. Fue una de las figuras fundamentales del Philly Soul, el sonido que definió el soul de los setenta, y su pluma firmó éxitos para The O’Jays, Patti LaBelle y Lou Rawls. Nunca fue una estrella mediática. Fue algo más difícil de encontrar y más valioso: el hombre que construyó los cimientos sobre los que otros brillaron. Walter “Bunny” Sigler nació el 27 de marzo de 1941 en Filadelfia. Su apodo no era un capricho: nació dos días antes del Domingo de Resurrección, y su familia lo bautizó como “Bunny” (Conejito) desde la cuna. Creció cantando en la iglesia baptista Emmanuel, donde un DJ local, Leon “Cannonball” Fisher, lo descubrió y lo guio hacia sus primeras grabaciones. Su primer gran éxito como intérprete llegó en 1967, con una versión del clásico de Shirley & Lee “Let the Good Times Roll & Feel So Good”, producida por Leon Huff para Cameo-Parkway Records. La canción alcanzó el número 22 de la lista pop y el número 20 de la lista de R&B. Sigler tenía 26 años y parecía destinado a convertirse en una estrella. Pero el destino, y la industria, tenían otros planes. El semillero del Philly Soul Cuando Cameo-Parkway quebró en 1967, Sigler se encontró sin sello y sin rumbo. Fue entonces cuando Kenny Gamble y Leon Huff, los arquitectos del futuro sonido de Filadelfia, lo reclutaron para su incipiente Philadelphia International Records. No como cantante, sino como compositor. Y allí encontró su verdadera vocación. Su primer gran éxito como escritor llegó al coescribir “(You Are My) Sunshine” para The O’Jays junto a Phil Hurtt. A partir de ahí, su nombre apareció en los créditos de algunas de las canciones más importantes del catálogo de Philadelphia International. Fue coautor de “When the World Is at Peace” para The O’Jays, de “I See the Light” para Billy Paul, y de dos de las canciones más emblemáticas de Patti LaBelle: “Love, Need and Want You” (1983) y “Somebody Loves You Baby (You Know Who It Is)” (1991). También produjo el primer éxito de Instant Funk, “I Got My Mind Made Up”, que llegó al número uno de la lista de R&B en 1979. Su contribución no se limitaba a escribir. En una entrevista de 2012, Sigler reveló que también había puesto su voz en los coros de algunos de los mayores éxitos del sello: *”Hice un montón de cosas en los coros. Estoy cantando en ‘If You Don’t Know Me by Now’ de Harold Melvin. Ese soy yo, Kenny y Huff. La mayoría de las grabaciones de los Stylistics: yo, Carl Helm y Kenny Gamble. Archie Bell, ‘Gonna Be a Showdown’: ese soy yo, Kenny y Huff”*. El hombre que descubrió a Instant Funk Sigler no era solo un compositor de estudio. Tenía un oído infalible para el talento. En los años setenta descubrió a Instant Funk, un grupo de Filadelfia que se convirtió en su banda de respaldo y que, bajo su producción, alcanzó el número uno de la lista de R&B en 1979 con “I Got My Mind Made Up”. También firmó el éxito de Jackie Moore, “If” (1973), que Jay-Z samplearía casi tres décadas después para abrir su álbum The Blueprint con “The Ruler’s Back”. Y su canción “Love, Need and Want You”, en la voz de Patti LaBelle, fue sampleada por OutKast en “Ghettomuzick” y por Nelly en “Dilemma”, un éxito que llevó el nombre de Sigler a una generación que...
La cantante falleció el 6 de octubre de 1999 en su casa de Lisboa a los 79 años, víctima de un infarto agudo de miocardio. Fue la mayor intérprete del fado, una artista que transformó un género considerado música de arrabal en un símbolo de Portugal y en una de las expresiones más reconocibles de la cultura europea del siglo XX. Amália da Piedade Rebordão Rodrigues nació el 23 de julio de 1920 en Lisboa, en el seno de una familia muy humilde de la ribera del Tajo. Su infancia transcurrió entre la pobreza y el trabajo: vendía limones por los muelles del puerto y cantaba fados mientras ayudaba en la frutería familiar. Aquellos años de escasez, lejos de ser un obstáculo, se convirtieron en la materia prima de una voz que nunca dejó de sonar a verdad. Debutó profesionalmente en 1939, a los diecinueve años, en el Retiro da Severa, y el éxito fue inmediato. En 1940 dio su primera actuación en el Teatro de Revista, y en 1943 inició su carrera internacional con actuaciones en Madrid y Brasil, donde grabaría sus primeros discos en 1945. La voz del fado Amália no inventó el fado, pero lo transformó. Innovó al musicar a poetas clásicos de la lengua portuguesa, como Luís de Camões, y elevó un género asociado a los barrios populares de Lisboa a la categoría de arte universal. Su repertorio abarcaba también música folclórica, rumbas, tangos, sambas y rancheras mexicanas, demostrando que su talento no conocía fronteras. Su discografía supera los 170 discos y grabó en varios idiomas, incluyendo portugués, español, francés e italiano. Entre sus fados más emblemáticos figuran “Barco Negro”, “Uma Casa Portuguesa”, “Canção do Mar”, “Estranha Forma de Vida”, “Lisboa Antiga”, “Coimbra”, “Nem às Paredes Confesso” y “Foi Deus”. Una carrera sin fronteras A partir de 1949, su carrera internacional se intensificó con actuaciones por Europa, África, México y Estados Unidos. Actuó en casi setenta países de todos los continentes, pasando por escenarios como el Olympia de París, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Sistina de Roma y salas de Moscú, Londres, Río de Janeiro y Tokio. En 1967 recibió el premio MIDEM, que distingue al cantante que más discos ha vendido en su país, y lo volvió a ganar en 1968 y 1969. En 1970, con el disco Com que voz, escrito por Alain Oulman, alcanzó uno de los mayores éxitos de su carrera, obteniendo premios como el IX Premio de la Crítica Discográfica Italiana (1971) y el Gran Premio del Disco de París (1975). Fue condecorada con la Orden de las Artes y las Letras de Francia, la Orden de Isabel la Católica de España y las más altas distinciones portuguesas, incluida la Gran Cruz de la Orden de Santiago de la Espada en 1990. La actriz y la mujer Amália no fue solo una cantante. En 1947 debutó como actriz protagonista en Capas Negras, la película más exitosa del año en Portugal, que la convirtió en una celebridad internacional. Le siguieron títulos como Fado, História de Uma Cantadeira (1947), Sangue Toureiro (1957, la primera película portuguesa filmada en color) y Os Amantes do Tejo (1954). Su vida personal estuvo marcada por dos matrimonios y por una salud frágil. En 1984, tras ser diagnosticada erróneamente con un tumor, se encerró en un hotel de Nueva York con pensamientos suicidas. Fueron las películas de Fred Astaire las que la convencieron de que la vida merecía la pena. En diciembre de 1994 dio su último concierto, con 74 años, durante los actos de Lisboa como Capital Europea de la Cultura. Poco después...